国立民族学博物館（National Museun of Ethnology）で 2023年3月9日から5月30日まで開催された『ラテンアメリカの民衆芸術』（“Arte Popular”: The Creative and Critical Power of Latin Americans）［pdf in Japanese］ には、このような記載がある。「特別展では、なぜラテンアメリカの民衆芸術はこれほど多様なのかという問いを掘り下げます。先コロンブス時代以来の文化混 淆（こんこう）の歴史、芸術として洗練されていった過程、そして現代の制作者の批判精神の３点に焦点をあて、その答えを探します。／文化の多様性をはぐく むためには何が大切か。ラテンアメリカのさまざまな民衆芸術に触れながら考えてみましょう」。

つまり、アルテ・ポプラールには、１）伝 統的造形、２）国民芸術、３）市民による批判精神の発露、という３つの側面に焦点をあてて紹介している。

以下の記述は、全部、英語の"Folk art"から借りてきたものである。一部、勝手に加工しているので、気になる方はオリジナルサイトを必ず参照してください

	Pew group of Staffordshire figures, England, c. 1745, salt-glazed stoneware. 7 1/2 × 8 3/8 in. (19.1 × 21.3 cm) W:500px	Folk art covers all forms of visual art made in the context of folk culture. Definitions vary, but generally the objects have practical utility of some kind, rather than being exclusively decorative. The makers of folk art are typically trained within a popular tradition, rather than in the fine art tradition of the culture. There is often overlap, or contested ground[1] with 'naive art'. "Folk art" is not used in regard to traditional societies where ethnographic art continue to be made. The types of objects covered by the term "folk art" vary. The art form is categorised as "divergent... of cultural production ... comprehended by its usage in Europe, where the term originated, and in the United States, where it developed for the most part along very different lines."[2] https://en.wikipedia.org/wiki/Folk_art	「フォークアート（民族芸術）とは、民俗文化 の中で作られた視覚的な芸術のすべての形態を指す。定義はさまざまであるが、一般的には、装飾的なものだけで はなく、何らかの実用性のあるものを指すといえよう。民芸品の製作者は、一般的に、その文化の高級芸術の伝統ではなく、大衆的な伝統の中で訓練を受けてい る。その意味でナイーブ・アート（素朴芸術）と重なる部分もあるし、論争の対象になることもある。「民俗芸術」は、民族誌的な芸術が作られ続けている伝統 的な社会の創作活動に関しては使われない」 フォークアート（民族芸術）といっても、その対象となるものはさまざまである。この芸術形態は、「文化的生産の分岐点......この言葉が生まれたヨー ロッパでの使用と、ほとんど異なる路線で発展したアメリカでの使用とで包括される」と分類されている（文献2）。
	"Gran calavera eléctrica" by José Guadalupe Posada, Mexico, 1900–1913	Folk arts reflect the cultural life of a community. The art form encompasses the expressive culture associated with the fields of folklore and cultural heritage. Tangible folk art can include objects which historically are crafted and used within a traditional community. Intangible folk arts can include such forms as music, dance and narrative structures. Each of these art forms, both tangible and intangible, typically were developed to address a practical purpose. Once the purpose has been lost or forgotten, there usually is no reason for further transmission unless the object or action has been imbued with meaning beyond its initial practicality. These artistic traditions are shaped by values and standards that are passed from generation to generation, most often within family and community, through demonstration, conversation, and practice. https://en.wikipedia.org/wiki/Folk_art	民 俗芸術（民衆芸術）は、地域社会の文化生活を反映している。この芸術形式は、フォークロアと文化遺産の分野に関連する表現文化を包含している。有形民俗芸 術には、歴史的に伝統的な共同体の中で作られ、使われてきたものが含まれる。無形民俗芸術には、音楽、舞踊、物語構造などの形式が含まれる。有形・無形を 問わず、これらの芸術形態はそれぞれ、実用的な目的に対応するために開発されたのが一般的である。目的が失われたり、忘れられたりした後は、その物体や行 為に当初の実用性を超えた意味が付与されていない限り、それ以上伝える理由はないのが普通である。これらの芸術的伝統は、価値観や基準によって形成され、 実演、会話、実践を通じて、世代から世代へ、多くの場合、家族やコミュニティの中で受け継がれる。
	"Old Bright, The Postman", George Smart, c1830s	Objects of folk art are a subset of material culture and include objects which are experienced through the senses, by seeing and touching. Typical for material culture in art, these tangible objects can be handled, repeatedly re-experienced, and sometimes broken. They are considered works of art because of the technical execution of an existing form and design; the skill might be seen in the precision of the form, the surface decoration or in the beauty of the finished product.[3] As a folk art, these objects share several characteristics that distinguish them from other artifacts of material culture.- Concepts in folk art. https://en.wikipedia.org/wiki/Folk_art	民 芸品の対象は、物質文化の一部であり、見たり触ったりして感覚的に体験できるものを含む。芸術における物質文化の典型として、これらの有形物は扱え、繰り 返し再体験でき、時には壊れることもある。その技術は、形の正確さ、表面の装飾、あるいは完成品の美しさに見られるかもしれない[3]。民芸品として、こ れらの物には、他の物質文化の人工物とは異なるいくつかの特徴がある。
	Traditional styles of faience pottery from Székely Land, Romania, on sale in Budapest in 2014. A conventional idea of folk art, though no doubt made in quasi-industrial conditions.	The object is created by a single artisan or team of artisans. The craft-person works within an established cultural framework. The folk art has a recognizable style and method in crafting its pieces, which allows products to be recognized and attributed to a single individual or workshop. This was originally articulated by Alois Riegl in his study of Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie, published in 1894. "Riegl ... stressed that the individual hand and intentions of the artist were significant, even in folk creativity. To be sure, the artist may have been obliged by group expectations to work within the norms of transmitted forms and conventions, but individual creativity – which implied personal aesthetic choices and technical virtuosity – saved received or inherited traditions from stagnating and permitted them to be renewed in each generation."[4] Individual innovation in the production process plays an important role in the continuance of these traditional forms. Many folk art traditions like quilting, ornamental picture framing, and decoy carving continue to be practiced, and new forms continue to emerge. Contemporary outsider artists are often self-taught, and their work is usually developed in isolation or in small communities across the country. The Smithsonian American Art Museum houses over 70 folk and self-taught artists; for example, Elito Circa, a famous and internationally recognized artist of Indigenouism, developed his own styles without professional training or guidance.[5] https://en.wikipedia.org/wiki/Folk_art	オ ブジェクト（＝民芸品）は、一人の職人または職人のチームによって作成される。工芸家は確立された文化的枠組みの中で仕事をしている。民芸品には、作品を 作る際に認識できるスタイルと方法があり、それによって製品を認識し、一人の個人または工房に帰属させることができる。これは、1894年に出版された 『Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie』という研究の中で、Alois Rieglが明確にしたものである。「リーグルは......民衆の創造性においてさえ、芸術家の個々の手腕と意図が重要であることを強調した。確かに、 芸術家は集団の期待によって、伝達された形式や慣習の規範の中で仕事をすることを義務づけられていたかもしれないが、個人の創造性-それは個人の美的選択 と技術的妙技を意味する-は、受信または継承された伝統を停滞から救い、各世代で更新することを可能にした」 [4] 生産プロセスにおける個人の革新は、これらの伝統的な形式の継続に重要な役割を担っています。キルティング、飾り絵の額装、おとり彫刻など、多くの民芸の 伝統が実践され続け、新しい形態が生まれ続けている。現代のアウトサイダー・アーティストは独学で学ぶことが多く、彼らの作品は通常、孤立して、あるいは 国中の小さなコミュニティで発展している。スミソニアン・アメリカン・アート・ミュージアムには、70人以上の民俗・独学アーティストが収蔵されている。 例えば、インディゲヌイズムのアーティストとして有名で国際的に知られているエリート・サーカは、専門的な訓練や指導を受けずに自分のスタイルを確立した [5]。
	American sampler (needlework), 1831	Folk art objects are usually produced in a one-off production process. Only one object is made at a time, either by hand or in a combination of hand and machine methods, and are not mass-produced. As a result of manual production, individual pieces are considered to be unique and usually can be differentiated from other objects of the same type. In his essay on "Folk Objects", folklorist Simon Bronner references preindustrial modes of production, but folk art objects continue to be made as unique crafted pieces by folk artisans. "The notion of folk objects tends to emphasize the handmade over machine manufactured. Folk objects imply a mode of production common to preindustrial communal society where knowledge and skills were personal and traditional."[6] Folk art does not need to be old; it continues to be hand-crafted today in many regions around the world. Workshops and apprentices; The design and production of folk art is learned and taught informally or formally; folk artists are not self-taught.[citation needed] Folk art does not aim for individualistic expression. Instead, "the concept of group art implies, indeed requires, that artists acquire their abilities, both manual and intellectual, at least in part from communication with others. The community has something, usually a great deal, to say about what passes for acceptable folk art."[7] Historically, the training in a handicraft was done as apprenticeships with local craftsmen, such as the blacksmith or the stonemason. As the equipment and tools needed were no longer readily available in the community, these traditional crafts moved into technical schools or applied arts schools. Owned by the community; The object is recognizable within its cultural framework as being of a known type. Similar objects can be found in the environment made by other individuals which resemble this object. Individual pieces of folk art will reference other works in the culture, even as they show exceptional individual execution in form or design. If antecedents cannot be found for this object, it might still be a piece of art but it is not folk art. "While traditional society does not erase ego, it does focus and direct the choices that an individual can acceptably make… the well-socialized person will find the limits are not inhibiting but helpful… Where traditions are healthy the works of different artists are more similar than they are different; they are more uniform than personal."[8] Tradition in folk art emerges through the passing of information from one generation to another. Through generations of family lines, family members pass down the knowledge, information, skills and tools needed to continue the creation of one’s folk art. Examples are Leon “Peck” Clark, a Mississippi basket maker, who learned his skills from a community member; George Lopez of Cordova, New Mexico, who is a sixth-generation santos carver who’s children also carve; and the Yorok-Karok basket weavers, who explain that relatives generally taught them to weave.” [9] https://en.wikipedia.org/wiki/Folk_art	民 芸品は通常、一回限りの生産工程で作られる。手作業、または手作業と機械の組み合わせによる方法で、一度に1つのオブジェのみが作られ、大量生産はされな い。手作業による生産の結果、個々の作品はユニークなものとされ、通常、同じ種類の他のオブジェと区別することができる。民俗学者のサイモン・ブロナー は、「民俗品」というエッセイの中で、産業革命以前の生産様式に言及していますが、民芸品は民間の職人によってユニークな工芸品として作られ続けている。 「民芸品という概念は、機械で製造されたものよりも手作りのものを強調する傾向がある。民芸品という概念は、知識や技術が個人的かつ伝統的であった産業革 命前の共同体社会に共通する生産様式を暗示している」[6] 民芸品は古いものである必要はなく、世界中の多くの地域で今日も手仕事で作られている。 ワークショップと徒弟；民芸品のデザインと制作は、非公式または公式に学び、教えられるもので、民芸家は独学ではない。その代わりに、「集団芸術の概念 は、芸術家が手先と知力の両方の能力を、少なくとも部分的には他者とのコミュニケーションから獲得することを暗示し、実際にそれを要求する。歴史的には、手工芸の訓練は、鍛冶屋や石工といった地元の職人のもとで見習いとして行われた。 必要な設備や道具が地域で簡単に手に入らなくなると、こうした伝統工芸は技術学校や応用美術学校に移っていった。 コミュニティによって所有されている。そのオブジェクトは、その文化的枠組みの中で、既知のタイプであると認識できる。この対象物に類似した、他の個人に よって作られた類似の対象物を環境内で見つけることができる。民芸品の個々の作品は、形やデザインにおいて卓越した個人的な実行力を示すとしても、その文 化の中で他の作品を参照することになる。もしこのオブジェの前身が見つからない場合、それはまだ芸術品かもしれないが、民芸品ではない。「伝統的な社会は エゴを消し去るものではないが、個人が許容できる選択肢に焦点を当て、方向付けるものである...よく社会化された人は、その制限が抑制的ではなく、役に 立つものであることを見つけるだろう...伝統が健全であれば、異なる芸術家の作品は異なっているというよりも似ており、個人的というよりも均一である」 ［8］ 民芸における伝統は世代間の情報の伝達を通して生まれる。何世代にもわたる家系を通じて、家族のメンバーは、自分の民芸品の創作を続けるために必要な知 識、情報、技術、道具を受け継ぐ。例えば、ミシシッピ州のバスケット職人であるレオン・ペック・クラークは、地域の人々から技術を学んだ。ニューメキシコ 州コルドバのジョージ・ロペスは、6代目のサントス彫刻家で、子供たちも彫刻をしている。そしてヨロック・カロック族のバスケット編み職人は、一般的に親 戚から織ることを教えられたと説明している。[9]
	The taka is a type of paper mache art native to Paete in the Philippines.	Utility of the object; The known type of the object must be, or have originally been, utilitarian; it was created to serve some function in the daily life of the household or the community. This is the reason the design continues to be made. Since the form itself had function and purpose, it was duplicated over time in various locations by different individuals. A book on the history of art states that "every man-made thing arises from a problem as a purposeful solution."[10] Written by George Kubler and published in 1962, "The Shape of Time: Remarks on the History of Things" describes an approach to historical change which places the history of objects and images in a larger continuum of time. The purpose of folk art is not purely decorative or aimed to have duplicated handicraft. However, since the form itself was a distinct type with its function and purpose, folk art has continued to be copied over time by different individuals. https://en.wikipedia.org/wiki/Folk_art	オ ブジェクトの実用性；物体の既知のタイプは、実用的であること、またはもともと実用的であったこと、つまり家庭や共同体の日常生活において何らかの機能を 果たすために作られたものである。これが、デザインが作られ続けている理由です。形そのものが機能を持ち、目的を持っているからこそ、様々な人が様々な場 所で時間をかけて複製していった。芸術史の本には、「すべての人工物は、目的ある解決策として問題から生じる」と書かれている[10]。ジョージ・キュー ブラーが書き、1962年に出版した『The Shape of Time: Remarks on the History of Things "では、モノやイメージの歴史をより大きな時間の連続性の中に位置づける、歴史的変化へのアプローチが述べられている。民芸品の目的は、純粋に装飾的なも のでも、手工業の複製を目指したものでもない。しかし、形そのものが機能や目的を持った別個の型であったため、民芸は時代を超えてさまざまな人によって模 倣され続けてきた。
	1978 First Indigenous Painting, mixed media with soy sauce, water and Tinting Color and enamel paint on plywood created by Elito "Amangpintor" Circa, Philippines, 1978	Aesthetics of the genre; The object is recognized as being exceptional in the form and decorative motifs. Being part of the community, the craftsperson is reflecting on the community's cultural aesthetics, and may take into consideration the community's response to the handicraft. An object can be created to match the community's expectations, and the artist may design the product with unspoken cultural biases to reflect this aim.[11] While the shared form indicates a shared culture, innovation can enable the individual artisan to embody their own vision. This can be a representation of manipulating collective and individual culture, within the traditional folk art production. "For art to progress, its unity must be dismantled so that certain of its aspects can be freed for exploration, while others shrink from attention."[12] This dichotomous representation of the culture is typically visible in the final product.[13] Folk art is designed in different shapes, sizes and forms. It traditionally uses the materials which are at hand in the locality and reproduces familiar shapes and forms. The Smithsonian Center for Folklife and Cultural Heritage has compiled a page of storied objects that have been part of one of their annual folklife festivals. The list below includes a sampling of different materials, forms, and artisans involved in the production of everyday and folk art objects.[14] Alebrije Armourer Basketry Bellmaker Blacksmith Boat building Brickmaker Broommaker Cabinetry Carpentry Ceramics Chillum Clockmaker Cooper Coppersmith Cutler Decoy carving Drystone Mason Ex-voto Farrier Foodways Fraktur Furniture Gunsmith Harness maker Ironwork Jewelry Kuthiyottam Latin American Retablos Leather crafting Lei (garland) Ljuskrona Locksmith Lubok Madhubani painting Masonry Metalworking Millwright Miniatures or Models Nakshi Kantha Needlework Painting Pewterer Phad painting Quilting Recycled materials Ropemaker Saddler Sawsmith Sculpture Shoemaker Spooner Stonemason Tanner Textiles Thatcher Tile maker Tinker Tinsmith Truck art in South Asia Tools Toys Treenwaren Turning Vernacular architecture Wainwright Weaver Wheelwright Whirligig Wood carving Listed below are a wide-ranging assortment of labels for an eclectic group of art works. All of these genres are created outside of the institutional structures of the art world, and are not considered "fine art". There is overlap between these labeled collections, such that an object might be listed under two or more labels.[2] Many of these groupings and individual objects might also resemble "folk art" in its aspects, however may not align to the defining characteristics outlined above. Americana Art brut Folk Environments Indigenous art Genre paintings Naïve art Outlier art[15] Outsider art Primitive art Tramp art Trench art Tribal art Vanguard art[15] Vernacular art Visionary art https://en.wikipedia.org/wiki/Folk_art	ジャ ンルの美学；その対象は、形や装飾モチーフにおいて例外的であると認識されている。コミュニティの一員である職人は、コミュニティの文化的美学を反映して おり、手工芸品に対するコミュニティの反応を考慮することもある。物体はコミュニティの期待に応えるために作られることがあり、作家はこの目的を反映する ために、暗黙の文化的偏見を持って製品をデザインすることがある[11]。共有された形が共有された文化を示す一方で、革新によって個々の職人が自分のビ ジョンを具現化することができる。これは、伝統的な民芸品の制作の中で、集団と個人の文化を操作する表現となり得る。「芸術が進歩するためには、その統一 性が解体され、ある側面が探求のために解放される一方で、他の側面が注目されなくなるようにしなければならない」[12] 文化のこの二項対立の表現は、典型的には最終製品に現れる[13]。 フォークアートは、さまざまな形、サイズ、フォームでデザインされています。伝統的に、その土地で手近にある材料が使われ、馴染みのある形やフォームが再 現される。スミソニアン・センター・フォー・フォークライフ・アンド・カルチュラル・ヘリテージは、毎年開催されるフォークライフ・フェスティバルの一部 となった、歴史的なオブジェクトのページを編集している。以下のリストには、日常的なものや民芸品の製作に関わるさまざまな素材、形、職人の例が含まれて いる[14]。 Alebrije Armourer Basketry Bellmaker Blacksmith Boat building Brickmaker Broommaker Cabinetry Carpentry Ceramics Chillum Clockmaker Cooper Coppersmith Cutler Decoy carving Drystone Mason Ex-voto Farrier Foodways Fraktur Furniture Gunsmith Harness maker Ironwork Jewelry Kuthiyottam Latin American Retablos Leather crafting Lei (garland) Ljuskrona Locksmith Lubok Madhubani painting Masonry Metalworking Millwright Miniatures or Models Nakshi Kantha Needlework Painting Pewterer Phad painting Quilting Recycled materials Ropemaker Saddler Sawsmith Sculpture Shoemaker Spooner Stonemason Tanner Textiles Thatcher Tile maker Tinker Tinsmith Truck art in South Asia Tools Toys Treenwaren Turning Vernacular architecture Wainwright Weaver Wheelwright Whirligig Wood carving. ここでは、さまざまなジャンルのアート作品につけられるラベルを紹介します。これらのジャンルはすべて、美術界の制度的な構造から外れて作られたものであ り、「ファイン・アート」とはみなされない。これらのラベルの付いたコレクションの間には重複があり、1つの作品が2つ以上のラベルの下に記載されている こともある[2]。これらのグループ分けや個々の作品の多くは、その側面において「フォークアート」に類似しているかもしれないが、上記の定義的特徴には 合致しないかもしれない。
	Influence on mainstream art	Folk artworks, styles and motifs have inspired various artists. For example, Pablo Picasso was inspired by African tribal sculptures and masks. Natalia Goncharova and others were inspired by traditional Russian popular prints called luboks.[16] In 1951, artist, writer and curator Barbara Jones organised the exhibition Black Eyes and Lemonade at the Whitechapel Gallery in London as part of the Festival of Britain. This exhibition, along with her publication The Unsophisticated Arts, exhibited folk and mass-produced consumer objects alongside contemporary art in an early instance of the popularisation of pop art in Britain.[17] https://en.wikipedia.org/wiki/Folk_art 「文化遺産でもなく、遺跡を含意するものでもない 社会的文脈に置かれた物の例は、観光客が記念に買い求める彩色土器の複製品や模倣とし てのフォークアートである（s1と‾s1の関係）。おみやげ品は、そこにしか売っていないという理由で購入されることがあるが、それはおみやげ品が遺跡と いう空間領域（s1）に属していることを証明する。しかし、結果として観光客によって自宅に持ち帰えられるわけ（＝異所性を増す）であるから、これらの項 目の関係は図式のどおり矛盾項の関係にある」（→「文化の異所性」）。	民芸品や様式、モチーフは、さまざまな芸術家にインスピレーションを与 えてきた。例えば、パブロ・ピカソはアフリカの部族彫刻や仮面からインスピレーションを受けた。ナタリア・ゴンチャロワなどは、ルボックと呼ばれるロシア の伝統的な大衆版画に触発された[16]。 1951年、アーティスト、作家、キュレーターのバーバラ・ジョーンズは、ロンドンのホワイトチャペル・ギャラリーで「ブラック・アイズ・アンド・レモ ネード」展を開催し、「フェスティバル・オブ・ブリテン」の一環として企画した。この展覧会は、彼女の出版物『The Unsophisticated Arts』とともに、現代アートとともに民芸品や大量生産された消費財を展示し、イギリスにおけるポップアートの大衆化の初期の例となった[17]。
	Supporting organizations	The United Nations recognizes and supports cultural heritage around the world,[18] in particular UNESCO in partnership with the International Organization of Folk Art (IOV). Their declared mission is to “further folk art, customs and culture around the world through the organization of festivals and other cultural events, … with emphasis on dancing, folk music, folk songs and folk art.”[19] By supporting international exchanges of folk art groups as well as the organization of festivals and other cultural events, their goal is promote international understanding and world peace. In the United States, the National Endowment for the Arts works to promote greater understanding and sustainability of cultural heritage across the United States and around the world through research, education, and community engagement. As part of this, they identify and support NEA folk art fellows in quilting, ironwork, woodcarving, pottery, embroidery, basketry, weaving, along with other related traditional arts. The NEA guidelines define as criteria for this award a display of “authenticity, excellence, and significance within a particular tradition” for the artists selected. (NEA guidelines) .” In 1966, the NEA’s first year of funding, support for national and regional folk festivals was identified as a priority with the first grant made in 1967 to the National Folk Festival Association. Folklife festivals are celebrated around the world to encourage and support the education and community engagement of diverse ethnic communities. Regional folk arts ; African folk art Chinese folk art Mingei (Japanese folk art movement) Minhwa (Korean folk art) Mak Yong (Northern Malay Peninsular folk art dance) Mexican handcrafts and folk art Joget (Wider Malay folk art dance) North Malabar Theyyam Tribal art Warli painting (India) Folk arts of Karnataka (India) Folk Art and Ethnological Museum of Macedonia and Thrace Folk Art Museum of Patras, Greece Native American Art Folk art of the United States https://en.wikipedia.org/wiki/Folk_art	支援組織
		Associations; Folk Art Society of America IOV International Organization of Folk Art, in partnership with UNESCO National Endowment for the Arts CIOFF: International Council of Organizations of Folklore Festivals and Folk Arts Pennsylvania Folklore: Woven Together TV Program on textile arts National Folk Organization	協会
		Museum Collections; American Folk Art Museum Smithsonian American Art Museum Folk Art Center and Guild, Asheville NC Museum of International Folk Art American Folk Art Museum Abby Aldrich Rockefeller Folk Art Museum Shelburne Museum	美術館＆博物館

（プエルトリコにおけるポピュラーアート についても触れています）わたしのセンチメンタルジャーニー: Una panorama personal sobre el viaje para Puerto Rico

リンク

文献

その他の情報