フォーク・アート：Folk Art

フォーク・アート

Folk Art, 民俗芸術

☆ 民俗芸術（フォーク・アート）とは、民俗文化の文脈で制作されるあらゆる視覚芸術を指す。定義は様々だが、一般的にその作品は純粋に装飾的というよりは、何らかの実用的な用途を持つ。民俗芸術の制作者は、その文化における美術の伝統ではなく、大衆的な伝統の中で訓練を受けるのが通例だ。しばしば「ナイーブ・アート」と重なる部分や、境界が曖昧な領域[1]が存在する。「民俗芸術」という用語は、民族誌的芸術が現在も制作されている伝統社会に関しては用いられない。「民俗芸術」という用語が指す対象の種類は様々である。この芸術形態は「文化的生産における分岐した形態」と分類され、「その起源地であるヨーロッパにおける用法と、主に全く異なる方向で発展したアメリカ合衆国における用法によって理解される」[2]（→「アルテ・フォルクローリコ」「アルテ・ポプラール」）。

Folk art covers all forms of visual art made in the context of folk culture. Definitions vary, but generally the objects have practical utility of some kind, rather than being exclusively decorative. The makers of folk art are typically trained within a popular tradition, rather than in the fine art tradition of the culture. There is often overlap, or contested ground[1] with 'naive art'. "Folk art" is not used in regard to traditional societies where ethnographic art continue to be made. The types of objects covered by the term "folk art" vary. The art form is categorised as "divergent... of cultural production ... comprehended by its usage in Europe, where the term originated, and in the United States, where it developed for the most part along very different lines."[2] American sampler, 1831 From a European perspective, Edward Lucie-Smith described it as "Unsophisticated art, both fine and applied, which is supposedly rooted in the collective awareness of simple people. The concept of folk art is a distinctly 19th-century one. Today it carries with it a tinge of nostalgia for pre-industrial society."[3] Folk arts, which include both performance and tangible arts, reflect the cultural life of a community associated with the fields of folklore and cultural heritage. Tangible folk art can include objects which historically are crafted and used within a traditional community. Intangible folk arts can include such forms as music and art galleries, dance and narrative structures.	民俗芸術とは、民俗文化の文脈で制作されるあらゆる視覚芸術を指す。定義は様々だが、一般的にその作品は純粋に装飾的というよりは、何らかの実用的な用途を持つ。民俗芸術の制作者は、その文化における美術の伝統ではなく、大衆的な伝統の中で訓練を受けるのが通例だ。しばしば「ナイーブ・アート」と重なる部分や、境界が曖昧な領域[1]が存在する。「民俗芸術」という用語は、民族誌的芸術が現在も制作されている伝統社会に関しては用いられない。「民俗芸術」という用語が指す対象の種類は様々である。この芸術形態は「文化的生産における分岐した形態」と分類され、「その起源地であるヨーロッパにおける用法と、主に全く異なる方向で発展したアメリカ合衆国における用法によって理解される」[2]。アメリカン・サンプラー、1831年ヨーロッパの視点から、エドワード・ルーシー＝スミスはこれを「素朴な芸術、すなわち純粋美術と応用美術の両方であり、単純な人々の集合的意識に根ざしているとされる。フォークアートの概念は明らかに19世紀のものである。今日では、産業化以前の社会へのノスタルジーを帯びている」と説明している[3]。民俗芸術は、芸能と有形芸術の両方を含み、民俗学や文化遺産分野に関連する共同体の文化生活を反映する。有形の民俗芸術には、伝統的な共同体内で歴史的に制作・使用されてきた物品が含まれる。無形の民俗芸術には、音楽や美術ギャラリー、舞踊、物語構造などの形態が含まれる。
Characteristics of folk art objects Detail of 17th century calendar stick carved with national coat of arms, a common motif in Norwegian folk art. Main article: Concepts in folk art Objects of folk art are a subset of material culture and include objects which are experienced through the senses, by seeing and touching. Typical for material culture in art, these tangible objects can be handled, repeatedly re-experienced, and sometimes broken. They are considered works of art because of the technical execution of an existing form and design; the skill might be seen in the precision of the form, the surface decoration or in the beauty of the finished product.[4] As a folk art, these objects share several characteristics that distinguish them from other artifacts of material culture.	民芸品の特徴 17世紀のカレンダー棒の細部。国民章が彫られており、ノルウェーの民芸品でよく見られるモチーフである。主な記事：民芸の概念民芸品は物質文化の一分野であり、視覚や触覚といった感覚を通じて体験される物体を含む。物質文化における芸術の典型として、これらの有形物は手に取り、繰り返し体験でき、時には壊れることもある。既存の形態やデザインの技術的完成度によって芸術作品と見なされる。その技量は形態の精密さ、表面装飾、あるいは完成品の美しさに見られることがある[4]。民芸品として、これらの物品は物質文化の他の工芸品と区別されるいくつかの特徴を共有している。
Folk artists The object is created by a single artisan or team of artisans. The craft-person works within an established cultural framework. The folk art has a recognizable style and method in crafting its pieces, which allows products to be recognized and attributed to a single individual or workshop. This was originally articulated by Alois Riegl in his study of Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie, published in 1894. "Riegl ... stressed that the individual hand and intentions of the artist were significant, even in folk creativity. To be sure, the artist may have been obliged by group expectations to work within the norms of transmitted forms and conventions, but individual creativity – which implied personal aesthetic choices and technical virtuosity – saved received or inherited traditions from stagnating and permitted them to be renewed in each generation."[5] Individual innovation in the production process plays an important role in the continuance of these traditional forms. Many folk art traditions like quilting, ornamental picture framing, and decoy carving continue to be practiced, and new forms continue to emerge. Contemporary outsider artists are often self-taught, and their work is usually developed in isolation or in small communities across the country. The Smithsonian American Art Museum houses over 70 folk and self-taught artists.[6]	民芸作家作品は一人の職人、あるいは職人のチームによって制作される。職人は確立された文化的枠組みの中で活動する。民芸品には作品制作における明確な様式と手法があり、それによって製品が特定個人や工房に帰属することが可能となる。この概念はアロイス・リーグルが1894年に発表した研究『民芸、家内手工業、家内生産』において初めて明確に提唱された。「リーグルは…民間の創造性においても、作家の個々の手と意図が重要だと強調した。確かに作家は集団の期待により、伝承された形式や慣習の規範内で制作せざるを得なかったかもしれない。しかし個人の創造性——それは個人的な美的選択と技術的卓越性を意味した—— が、受け継がれた伝統を停滞から救い、各世代で刷新することを可能にしたのだ。」 [5] 制作過程における個人の革新は、こうした伝統的形態の継続に重要な役割を果たす。キルト作り、装飾的額縁、デコイ彫刻など多くの民芸伝統は今も実践され、新たな形態も生まれ続けている。現代のアウトサイダー・アーティストは往々にして独学であり、その作品は通常、国内の孤立した環境や小規模なコミュニティで発展する。スミソニアン・アメリカン・アート・ミュージアムには70人以上の民俗芸術家および独学の芸術家が収蔵されている。[6]
Hand crafted The taka is a type of paper mache art native to Paete in the Philippines. Folk art objects are usually produced in a one-off production process. Only one object is made at a time, either by hand or in a combination of hand and machine methods, and are not mass-produced. As a result of manual production, individual pieces are considered to be unique and usually can be differentiated from other objects of the same type. In his essay on "Folk Objects", folklorist Simon Bronner references preindustrial modes of production, but folk art objects continue to be made as unique crafted pieces by folk artisans. "The notion of folk objects tends to emphasize the handmade over machine manufactured. Folk objects imply a mode of production common to preindustrial communal society where knowledge and skills were personal and traditional."[7] Folk art does not need to be old; it continues to be hand-crafted today in many regions around the world.	手作りタカはフィリピンのパエテに伝わる紙粘土細工の一種だ。民芸品は通常、一点ものの制作過程で生み出される。手作業か、手作業と機械を組み合わせた方法で一度に一つだけ作られ、大量生産されない。手作業による生産の結果、個々の作品は唯一無二とされ、通常は同じ種類の他の作品と区別できる。民俗学者サイモン・ブロナーは「民俗工芸品」に関する論考で、産業革命以前の生産様式に言及しているが、民俗工芸品は今も民芸職人によって唯一無二の工芸品として制作され続けている。「民俗工芸品という概念は、機械製造よりも手作りの側面を強調する傾向がある。民俗工芸品は、知識と技能が個人的かつ伝統的な産業革命以前の共同体社会に共通する生産様式を暗示している」 [7] 民芸品は古いものである必要はない。今日でも世界中の多くの地域で手作りされ続けている。
Workshops and apprentices The design and production of folk art is learned and taught informally or formally; folk artists are not self-taught. [citation needed] Folk art does not aim for individualistic expression. Instead, "the concept of group art implies, indeed requires, that artists acquire their abilities, both manual and intellectual, at least in part from communication with others. The community has something, usually a great deal, to say about what passes for acceptable folk art."[8] Historically, the training in a handicraft was done as apprenticeships with local craftsmen, such as the blacksmith or the stonemason. As the equipment and tools needed were no longer readily available in the community, these traditional crafts moved into technical schools or applied arts schools. Teaching of the craft through informal means outside of institutions has opened the genre to artists who may face barrier to entry in other disciplines. Canadian folk artist Maud Lewis, for example, suffered from an undiagnosed congenital illness, making formal art schooling a challenge.[9] Despite barriers to formal education, Lewis became one of Canada's most famous folk artists, creating thousands of paintings of life in Nova Scotia.[9]	ワークショップと徒弟制度民芸品のデザインと制作は、非公式または公式に学び教えられる。民芸作家は独学ではない。[出典が必要] 民芸は個人主義的な表現を目的としない。むしろ「集団芸術の概念は、芸術家が手先の技術と知性の両方を、少なくとも部分的には他者との交流から習得することを示唆し、実際に要求するものである。地域社会は、何が受け入れられる民芸品であるかについて、通常はかなりの影響力を持つ。」[8] 歴史的に、手工芸の訓練は鍛冶屋や石工などの地元の職人に弟子入りする形でなされた。必要な設備や道具が地域社会で容易に入手できなくなったため、これらの伝統工芸は専門学校や応用美術学校へと移行した。制度外の非公式な手段による工芸の伝承は、他の分野では参入障壁に直面する可能性のある芸術家たちにこのジャンルを開いた。例えばカナダの民芸作家モード・ルイスは、診断されていない先天性疾患による苦悩を抱え、正式な美術教育を受けることが困難であった[9]。しかし、正規教育への障壁にもかかわらず、ルイスはカナダで最も有名な民芸作家の一人となり、ノバスコシアの生活を描いた数千点の絵画を生み出した[9]。
Owned by the community The object is recognizable within its cultural framework as being of a known type. Similar objects can be found in the environment made by other individuals which resemble this object. Individual pieces of folk art will reference other works in the culture, even as they show exceptional individual execution in form or design. If antecedents cannot be found for this object, it might still be a piece of art but it is not folk art. "While traditional society does not erase ego, it does focus and direct the choices that an individual can acceptably make… the well-socialized person will find the limits are not inhibiting but helpful… Where traditions are healthy the works of different artists are more similar than they are different; they are more uniform than personal."[10] Tradition in folk art emerges through the passing of information from one generation to another. Through generations of family lines, family members pass down the knowledge, information, skills and tools needed to continue the creation of one's folk art. Examples are Leon "Peck" Clark, a Mississippi basket maker, who learned his skills from a community member; George Lopez of Cordova, New Mexico, who is a sixth-generation santos carver whose children also carve; and the Yorok-Karok basket weavers, who explain that relatives generally taught them to weave.” [11]	コミュニティが所有するこの作品は、その文化的枠組みの中で既知の類型に属すると認識される。同様の作品は、他の個人が制作した環境内にも見出され、本作品と類似している。民芸品の一点一点は、形態やデザインにおいて卓越した個性を示しつつも、文化内の他の作品を参照している。この作品の前例が見つからなくても、それは芸術作品ではあるが、民芸品ではない。「伝統社会は自我を消し去るわけではないが、個人が受け入れられる選択を集中させ導く…社会化が進んだ者は、その限界が抑制ではなく助けとなることに気づくだろう…健全な伝統が存在する場所では、異なる芸術家の作品は差異よりも類似点が多く、個人的よりも統一性が強い。」 [10] 民芸の伝統は、世代から世代へと情報が受け継がれることで生まれる。何世代にもわたる家系の中で、家族は民芸の創作を継続するために必要な知識、情報、技術、道具を伝承する。その例としては、コミュニティのメンバーから技術を学んだミシシッピ州の籠職人、レオン・「ペック」・クラーク、6 代続くサントス彫刻家であり、その子供たちも彫刻家であるニューメキシコ州コルドバのジョージ・ロペス、そして、親戚から一般的に編み方を教わったと説明するヨロク・カロク族の籠編み職人がいる。[11]
Utility of the object The known type of the object must be, or have originally been, utilitarian; it was created to serve some function in the daily life of the household or the community. This is the reason the design continues to be made. Since the form itself had function and purpose, it was duplicated over time in various locations by different individuals. A book on the history of art states that "every man-made thing arises from a problem as a purposeful solution."[12] Written by George Kubler and published in 1962, "The Shape of Time: Remarks on the History of Things" describes an approach to historical change which places the history of objects and images in a larger continuum of time. The purpose of folk art is not purely decorative or aimed to have duplicated handicraft. However, since the form itself was a distinct type with its function and purpose, folk art has continued to be copied over time by different individuals.	物の有用性その物体の既知のタイプは、実用的なものでなければならない、あるいは元々そうであったものでなければならない。それは家庭や共同体の日常生活において何らかの機能を果たすために作られたものである。これがそのデザインが作り続けられる理由だ。その形態自体が機能と目的を持っていたため、時を経て様々な場所で異なる個人によって複製されてきた。美術史に関するある書物は「あらゆる人工物は、目的を持った解決策として問題から生じる」と述べている[12]。ジョージ・キューブラーが1962年に発表した『時間の形：物事の歴史に関する考察』は、物やイメージの歴史をより大きな時間の連続体の中に位置づける歴史的変化へのアプローチを記述している。民芸の目的は純粋に装飾的でも、複製された手工芸品を目指すものでもない。しかし、その形態自体が機能と目的を備えた明確な類型であったため、民芸は時代を経て異なる個人によって模倣され続けてきたのである。
Aesthetics of the genre The object is recognized as being exceptional in the form and decorative motifs. Being part of the community, the craftsperson is reflecting on the community's cultural aesthetics, and may take into consideration the community's response to the handicraft. An object can be created to match the community's expectations, and the artist may design the product with unspoken cultural biases to reflect this aim.[13] While the shared form indicates a shared culture, innovation can enable the individual artisan to embody their own vision. This can be a representation of manipulating collective and individual culture, within the traditional folk art production. "For art to progress, its unity must be dismantled so that certain of its aspects can be freed for exploration, while others shrink from attention."[14] This dichotomous representation of the culture is typically visible in the final product.[15]	ジャンルの美学その作品は形態と装飾モチーフにおいて特異であると認識される。コミュニティの一員である職人は、コミュニティの文化的審美観を反映し、手工芸に対するコミュニティの反応を考慮に入れることがある。作品はコミュニティの期待に合わせるために制作され、芸術家はこれを反映させるため、暗黙の文化的偏見を持って製品をデザインするかもしれない。[13] 共有された形態は共有された文化を示すが、革新によって個々の職人は自らのビジョンを具現化できる。これは伝統的な民俗芸術制作において、集団文化と個人文化を操作する表現となり得る。「芸術が進歩するためには、その統一性を解体し、特定の側面を探求のために解放しつつ、他の側面は注目から遠ざける必要がある」[14]。この文化の二分法的な表現は、通常、最終製品に顕著に現れる。[15]
Materials, forms, and crafts Folk art is designed in different shapes, sizes and forms. It traditionally uses the materials which are at hand in the locality and reproduces familiar shapes and forms. The Smithsonian Center for Folklife and Cultural Heritage has compiled a page of storied objects that have been part of one of their annual folklife festivals. The list below includes a sampling of different materials, forms, and artisans involved in the production of everyday and folk art objects.[16]	素材、形態、工芸民俗芸術は異なる形状、大きさ、形態でデザインされる。伝統的にその地域で手に入る素材を用い、身近な形状や形態を再現する。スミソニアン民俗生活・文化遺産センターは、毎年開催される民俗生活祭の一部となった歴史ある品々を紹介するページをまとめた。以下のリストには、日用品や民俗芸術品の制作に関わる異なる素材、形態、職人の例が挙げられている。[16]
Alebrije Armourer Basketry Bellmaker Blacksmith Boat building Brickmaker Broommaker Cabinetry Carpentry Ceramics Chillum Clockmaker Cooper Coppersmith Cutler Decoy carving Drystone mason Ex-voto Farrier Foodways Fraktur Furniture Gunsmith Harness maker Ironwork Jewelry Kuthiyottam Latin American Retablos Leather crafting Lei (garland) Ljuskrona Locksmith Lubok Madhubani painting Masonry Metalworking Millwright Miniatures or Models Nakshi Kantha Needlework Origami Painting Pewterer Phad painting Quilting Recycled materials Ropemaker Saddler Sawsmith Sculpture Shoemaker Spooner Stonemason Tanner Textiles Thatcher Tile maker Tinker Tinsmith Truck art in South Asia Tools Toys Treenwaren Turning Vernacular architecture Wainwright Weaver Wheelwright Whirligig Wood carving	アレブリヘ鎧師かご細工鐘職人鍛冶造船煉瓦職人ほうき職人家具職人大工陶芸チラム時計職人クーパー銅細工師刃物職人おとり彫刻乾式石積み奉納品蹄鉄師食文化フラクトゥール家具銃器職人馬具職人鉄細工ジュエリークティヤッタムラテンアメリカのレタブロ革細工レイ（花輪リュスクローナ錠前職人ルボックマドゥバニ絵画石積み金属加工製粉機工ミニチュアや模型ナクシ・カンタ針仕事折り紙絵画ピューター職人ファッド絵画キルトリサイクル素材ロープ職人鞍職人のこぎり職人彫刻靴職人スプーン職人石工皮なめし職人織物屋根葺き職人タイル職人修理工ブリキ職人南アジアのトラックアート道具おもちゃ木工品旋盤土着の建築車輪職人織物職人車輪職人回転木馬木彫り
Related terminology Listed below are a wide-ranging assortment of labels for an eclectic group of art works. All of these genres are created outside of the institutional structures of the art world, and are not considered "fine art". There is overlap between these labeled collections, such that an object might be listed under two or more labels.[2] Many of these groupings and individual objects might also resemble "folk art" in its aspects, however may not align to the defining characteristics outlined above. Americana Art brut Folk Environments Genre paintings Naïve art Outlier art[17] Outsider art Primitive art Tramp art Trench art Tribal art Vanguard art[17] Vernacular art Visionary art	関連用語以下に、多様な芸術作品の集合体に付けられた幅広いラベルを列挙する。これらのジャンルは全て、美術界の制度的構造の外で生み出され、「ファインアート」とは見なされない。これらのラベル付きコレクション間には重複があり、一つの作品が二つ以上のラベルに分類される場合がある。[2] これらの分類や個々の作品は「民俗芸術」の側面と似ている場合もあるが、上記で示した定義的特徴には必ずしも合致しない。アメリカーナアール・ブリュット民俗環境芸術風俗画ナイーブ・アートアウトライヤー・アート[17] アウトサイダー・アートプリミティブ・アートトランプ・アートトレンチ・アート部族芸術ヴァンガード・アート[17] ヴァーナキュラー・アートヴィジョナリー・アート
Influence on mainstream art Folk artworks, styles and motifs have inspired various artists. For example, Pablo Picasso was inspired by African tribal sculptures and masks. Natalia Goncharova and others were inspired by traditional Russian popular prints called luboks.[18] In 1951, artist, writer and curator Barbara Jones organised the exhibition Black Eyes and Lemonade at the Whitechapel Gallery in London as part of the Festival of Britain. This exhibition, along with her publication The Unsophisticated Arts, exhibited folk and mass-produced consumer objects alongside contemporary art in an early instance of the popularisation of pop art in Britain.[19]	主流芸術への影響民俗芸術作品や様式、モチーフは様々な芸術家に影響を与えてきた。例えばパブロ・ピカソはアフリカの部族彫刻や仮面から着想を得た。ナタリア・ゴンチャロワらはロシアの伝統的な大衆版画「ルボク」に影響を受けた。[18] 1951年、芸術家・作家・キュレーターのバーバラ・ジョーンズは、英国博覧会の一環としてロンドンのホワイトチャペル・ギャラリーで「黒い瞳とレモネード」展を企画した。この展覧会と彼女の著作『素朴な芸術』は、民芸品や大量生産された消費財を現代美術と並べて展示し、英国におけるポップアートの普及の先駆けとなった。[19]
Supporting organizations The United Nations recognizes and supports cultural heritage around the world,[20] in particular UNESCO in partnership with the International Organization of Folk Art (IOV). Their declared mission is to "further folk art, customs and culture around the world through the organization of festivals and other cultural events, … with emphasis on dancing, folk music, folk songs and folk art."[21] By supporting international exchanges of folk art groups as well as the organization of festivals and other cultural events, their goal is promote international understanding and world peace. In the United States, the National Endowment for the Arts works to promote greater understanding and sustainability of cultural heritage across the United States and around the world through research, education, and community engagement. As part of this, they identify and support NEA folk art fellows in quilting, ironwork, woodcarving, pottery, embroidery, basketry, weaving, along with other related traditional arts. The NEA guidelines define as criteria for this award a display of "authenticity, excellence, and significance within a particular tradition" for the artists selected. (NEA guidelines) .” In 1966, the NEA's first year of funding, support for national and regional folk festivals was identified as a priority with the first grant made in 1967 to the National Folk Festival Association. Folklife festivals are celebrated around the world to encourage and support the education and community engagement of diverse ethnic communities.	支援組織国連は世界中の文化遺産を認め支援している[20]。特にユネスコは国際民俗芸術機構（IOV）と提携している。彼らの公的な使命は「祭典やその他の文化イベントの開催を通じて、世界中の民俗芸術、習慣、文化を推進すること…特に舞踊、民俗音楽、民謡、民俗芸術に重点を置く」とされている。[21] 民俗芸術団体の国際交流や祭典・文化イベントの開催を支援することで、国際理解と世界平和の促進を目指している。米国では、国立芸術基金（NEA）が研究・教育・地域参加を通じて、米国内外における文化遺産の理解深化と持続可能性の促進に取り組んでいる。その一環として、キルト、鉄工、木彫り、陶芸、刺繍、籠細工、織物、その他関連する伝統芸術において、NEA民俗芸術フェローを選定し支援している。NEAのガイドラインでは、この賞の選考基準として、選ばれた芸術家が「特定の伝統における真正性、卓越性、重要性」を示すことを定めている（NEAガイドライン）。 1966年、NEAの資金提供開始初年度には、全国および地域の民俗祭への支援が優先課題と位置付けられ、1967年にナショナル・フォーク・フェスティバル協会へ初の助成金が交付された。民俗生活祭は世界中で開催され、多様な民族コミュニティの教育と地域参加を促進・支援している。
Regional folk arts African folk art Chinese folk art Mingei (Japanese folk art movement) Minhwa (Korean folk art) Mak Yong (Northern Malay Peninsular folk art dance) Mexican handcrafts and folk art Joget (Wider Malay folk art dance) North Malabar Theyyam Tribal art Warli painting (India) Folk arts of Karnataka (India) Folk Art and Ethnological Museum of Macedonia and Thrace Folk Art Museum of Patras, Greece Native American Art Folk art of the United States Appalachian folk art	地域別民俗芸術アフリカの民俗芸術中国の民俗芸術民芸（日本の民俗芸術運動）民話（韓国の民俗芸術）マキョン（マレー半島北部の民俗舞踊）メキシコの手工芸と民俗芸術ジョゲット（広域マレー民俗舞踊）北マラバルテイヤム部族芸術ワルリ絵画（インド）カルナータカ州の民俗芸術（インド）マケドニア・トラキア民俗芸術民族学博物館ギリシャ・パトラス民俗芸術博物館ネイティブアメリカン芸術アメリカ合衆国の民俗芸術アパラチア民俗芸術
Associations Folk Art Society of America IOV International Organization of Folk Art, in partnership with UNESCO National Endowment for the Arts CIOFF: International Council of Organizations of Folklore Festivals and Folk Arts Pennsylvania Folklore: Woven Together TV Program on textile arts National Folk Organization	協会アメリカ民俗芸術協会ユネスコと提携する国際民俗芸術機構（IOV）全米芸術基金国際民俗芸術祭・民俗芸術団体協議会（CIOFF）ペンシルベニア民俗：織りなすもの（テキスタイルアートに関するテレビ番組）全米民俗組織
Museum collections American Folk Art Museum Smithsonian American Art Museum Folk Art Center and Guild, Asheville NC Museum of International Folk Art Abby Aldrich Rockefeller Folk Art Museum Shelburne Museum	博物館のコレクションアメリカン・フォークアート博物館スミソニアン・アメリカンアート博物館フォークアートセンター・アンド・ギルド（ノースカロライナ州アッシュビル）国際フォークアート博物館アビー・アルドリッチ・ロックフェラー・フォークアート博物館シェルバーン博物館
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Alebrije African folk art American Folk Art Museum Chester Cornett Chillum Chinese folk art Ex-voto Guy Cobb John William "Uncle Jack" Dey Juliana R. Force Kuthiyottam Latin American Retablos Ljuskrona Lubok Madhubani painting Mingei (Japanese folk art movement) Minhwa (Korean folk art) Museum folklore Naïve art Nakshi Kantha Nose art North Malabar Outsider art Phad painting Pakistani vehicle art Pasaquan Rebecca Couch Rural crafts Theyyam Thidambu Nritham Tramp art Tribal art Vaillancourt Folk Art Warli painting Whirligig Wire craft Yakshagana Czech folklore	アレブリヘアフリカの民芸アメリカン・フォークアート博物館チェスター・コーネットチラム中国の民芸奉納品ガイ・コブジョン・ウィリアム「アンクル・ジャック」デイジュリアナ・R・フォースクティヨッタムラテンアメリカ・レタブロリュスクローナルボックマドゥバニ絵画民芸（日本の民芸運動）民画（韓国の民芸）博物館民俗学ナイーブアートナクシ・カンタノーズアート北マラバルアウトサイダーアートファド絵画パキスタン車両アートパサクアンレベッカ・カウチ農村工芸テイヤムティダンブ・ヌリタムトランプアート部族芸術ヴァイランクール・フォークアートワルリ絵画ウィールリギグワイヤー工芸ヤクシャガナチェコ民俗学
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https://en.wikipedia.org/wiki/Folk_art

リンク

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文献

現代の記念物崇拝 : その特質と起源 / アロイス・リーグル著 ; 尾関幸訳, 東京 : 中央公論美術出版 , 2007.12

その他の情報

Copyleft, CC, Mitzub'ixi Quq Chi'j, 1996-2099

Folk art covers all forms of visual art made in the context of folk culture. Definitions vary, but generally the objects have practical utility of some kind, rather than being exclusively decorative. The makers of folk art are typically trained within a popular tradition, rather than in the fine art tradition of the culture. There is often overlap, or contested ground[1] with 'naive art'. "Folk art" is not used in regard to traditional societies where ethnographic art continue to be made. The types of objects covered by the term "folk art" vary. The art form is categorised as "divergent... of cultural production ... comprehended by its usage in Europe, where the term originated, and in the United States, where it developed for the most part along very different lines."[2] American sampler, 1831 From a European perspective, Edward Lucie-Smith described it as "Unsophisticated art, both fine and applied, which is supposedly rooted in the collective awareness of simple people. The concept of folk art is a distinctly 19th-century one. Today it carries with it a tinge of nostalgia for pre-industrial society."[3] Folk arts, which include both performance and tangible arts, reflect the cultural life of a community associated with the fields of folklore and cultural heritage. Tangible folk art can include objects which historically are crafted and used within a traditional community. Intangible folk arts can include such forms as music and art galleries, dance and narrative structures.	民俗芸術とは、民俗文化の文脈で制作されるあらゆる視覚芸術を指す。定義は様々だが、一般的にその作品は純粋に装飾的というよりは、何らかの実用的な用途を持つ。民俗芸術の制作者は、その文化における美術の伝統ではなく、大衆的な伝統の中で訓練を受けるのが通例だ。しばしば「ナイーブ・アート」と重なる部分や、境界が曖昧な領域[1]が存在する。「民俗芸術」という用語は、民族誌的芸術が現在も制作されている伝統社会に関しては用いられない。「民俗芸術」という用語が指す対象の種類は様々である。この芸術形態は「文化的生産における分岐した形態」と分類され、「その起源地であるヨーロッパにおける用法と、主に全く異なる方向で発展したアメリカ合衆国における用法によって理解される」[2]。アメリカン・サンプラー、1831年ヨーロッパの視点から、エドワード・ルーシー＝スミスはこれを「素朴な芸術、すなわち純粋美術と応用美術の両方であり、単純な人々の集合的意識に根ざしているとされる。フォークアートの概念は明らかに19世紀のものである。今日では、産業化以前の社会へのノスタルジーを帯びている」と説明している[3]。民俗芸術は、芸能と有形芸術の両方を含み、民俗学や文化遺産分野に関連する共同体の文化生活を反映する。有形の民俗芸術には、伝統的な共同体内で歴史的に制作・使用されてきた物品が含まれる。無形の民俗芸術には、音楽や美術ギャラリー、舞踊、物語構造などの形態が含まれる。
Characteristics of folk art objects Detail of 17th century calendar stick carved with national coat of arms, a common motif in Norwegian folk art. Main article: Concepts in folk art Objects of folk art are a subset of material culture and include objects which are experienced through the senses, by seeing and touching. Typical for material culture in art, these tangible objects can be handled, repeatedly re-experienced, and sometimes broken. They are considered works of art because of the technical execution of an existing form and design; the skill might be seen in the precision of the form, the surface decoration or in the beauty of the finished product.[4] As a folk art, these objects share several characteristics that distinguish them from other artifacts of material culture.	民芸品の特徴 17世紀のカレンダー棒の細部。国民章が彫られており、ノルウェーの民芸品でよく見られるモチーフである。主な記事：民芸の概念民芸品は物質文化の一分野であり、視覚や触覚といった感覚を通じて体験される物体を含む。物質文化における芸術の典型として、これらの有形物は手に取り、繰り返し体験でき、時には壊れることもある。既存の形態やデザインの技術的完成度によって芸術作品と見なされる。その技量は形態の精密さ、表面装飾、あるいは完成品の美しさに見られることがある[4]。民芸品として、これらの物品は物質文化の他の工芸品と区別されるいくつかの特徴を共有している。
Folk artists The object is created by a single artisan or team of artisans. The craft-person works within an established cultural framework. The folk art has a recognizable style and method in crafting its pieces, which allows products to be recognized and attributed to a single individual or workshop. This was originally articulated by Alois Riegl in his study of Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie, published in 1894. "Riegl ... stressed that the individual hand and intentions of the artist were significant, even in folk creativity. To be sure, the artist may have been obliged by group expectations to work within the norms of transmitted forms and conventions, but individual creativity – which implied personal aesthetic choices and technical virtuosity – saved received or inherited traditions from stagnating and permitted them to be renewed in each generation."[5] Individual innovation in the production process plays an important role in the continuance of these traditional forms. Many folk art traditions like quilting, ornamental picture framing, and decoy carving continue to be practiced, and new forms continue to emerge. Contemporary outsider artists are often self-taught, and their work is usually developed in isolation or in small communities across the country. The Smithsonian American Art Museum houses over 70 folk and self-taught artists.[6]	民芸作家作品は一人の職人、あるいは職人のチームによって制作される。職人は確立された文化的枠組みの中で活動する。民芸品には作品制作における明確な様式と手法があり、それによって製品が特定個人や工房に帰属することが可能となる。この概念はアロイス・リーグルが1894年に発表した研究『民芸、家内手工業、家内生産』において初めて明確に提唱された。「リーグルは…民間の創造性においても、作家の個々の手と意図が重要だと強調した。確かに作家は集団の期待により、伝承された形式や慣習の規範内で制作せざるを得なかったかもしれない。しかし個人の創造性——それは個人的な美的選択と技術的卓越性を意味した—— が、受け継がれた伝統を停滞から救い、各世代で刷新することを可能にしたのだ。」 [5] 制作過程における個人の革新は、こうした伝統的形態の継続に重要な役割を果たす。キルト作り、装飾的額縁、デコイ彫刻など多くの民芸伝統は今も実践され、新たな形態も生まれ続けている。現代のアウトサイダー・アーティストは往々にして独学であり、その作品は通常、国内の孤立した環境や小規模なコミュニティで発展する。スミソニアン・アメリカン・アート・ミュージアムには70人以上の民俗芸術家および独学の芸術家が収蔵されている。[6]
Hand crafted The taka is a type of paper mache art native to Paete in the Philippines. Folk art objects are usually produced in a one-off production process. Only one object is made at a time, either by hand or in a combination of hand and machine methods, and are not mass-produced. As a result of manual production, individual pieces are considered to be unique and usually can be differentiated from other objects of the same type. In his essay on "Folk Objects", folklorist Simon Bronner references preindustrial modes of production, but folk art objects continue to be made as unique crafted pieces by folk artisans. "The notion of folk objects tends to emphasize the handmade over machine manufactured. Folk objects imply a mode of production common to preindustrial communal society where knowledge and skills were personal and traditional."[7] Folk art does not need to be old; it continues to be hand-crafted today in many regions around the world.	手作りタカはフィリピンのパエテに伝わる紙粘土細工の一種だ。民芸品は通常、一点ものの制作過程で生み出される。手作業か、手作業と機械を組み合わせた方法で一度に一つだけ作られ、大量生産されない。手作業による生産の結果、個々の作品は唯一無二とされ、通常は同じ種類の他の作品と区別できる。民俗学者サイモン・ブロナーは「民俗工芸品」に関する論考で、産業革命以前の生産様式に言及しているが、民俗工芸品は今も民芸職人によって唯一無二の工芸品として制作され続けている。「民俗工芸品という概念は、機械製造よりも手作りの側面を強調する傾向がある。民俗工芸品は、知識と技能が個人的かつ伝統的な産業革命以前の共同体社会に共通する生産様式を暗示している」 [7] 民芸品は古いものである必要はない。今日でも世界中の多くの地域で手作りされ続けている。
Workshops and apprentices The design and production of folk art is learned and taught informally or formally; folk artists are not self-taught. [citation needed] Folk art does not aim for individualistic expression. Instead, "the concept of group art implies, indeed requires, that artists acquire their abilities, both manual and intellectual, at least in part from communication with others. The community has something, usually a great deal, to say about what passes for acceptable folk art."[8] Historically, the training in a handicraft was done as apprenticeships with local craftsmen, such as the blacksmith or the stonemason. As the equipment and tools needed were no longer readily available in the community, these traditional crafts moved into technical schools or applied arts schools. Teaching of the craft through informal means outside of institutions has opened the genre to artists who may face barrier to entry in other disciplines. Canadian folk artist Maud Lewis, for example, suffered from an undiagnosed congenital illness, making formal art schooling a challenge.[9] Despite barriers to formal education, Lewis became one of Canada's most famous folk artists, creating thousands of paintings of life in Nova Scotia.[9]	ワークショップと徒弟制度民芸品のデザインと制作は、非公式または公式に学び教えられる。民芸作家は独学ではない。[出典が必要] 民芸は個人主義的な表現を目的としない。むしろ「集団芸術の概念は、芸術家が手先の技術と知性の両方を、少なくとも部分的には他者との交流から習得することを示唆し、実際に要求するものである。地域社会は、何が受け入れられる民芸品であるかについて、通常はかなりの影響力を持つ。」[8] 歴史的に、手工芸の訓練は鍛冶屋や石工などの地元の職人に弟子入りする形でなされた。必要な設備や道具が地域社会で容易に入手できなくなったため、これらの伝統工芸は専門学校や応用美術学校へと移行した。制度外の非公式な手段による工芸の伝承は、他の分野では参入障壁に直面する可能性のある芸術家たちにこのジャンルを開いた。例えばカナダの民芸作家モード・ルイスは、診断されていない先天性疾患による苦悩を抱え、正式な美術教育を受けることが困難であった[9]。しかし、正規教育への障壁にもかかわらず、ルイスはカナダで最も有名な民芸作家の一人となり、ノバスコシアの生活を描いた数千点の絵画を生み出した[9]。
Owned by the community The object is recognizable within its cultural framework as being of a known type. Similar objects can be found in the environment made by other individuals which resemble this object. Individual pieces of folk art will reference other works in the culture, even as they show exceptional individual execution in form or design. If antecedents cannot be found for this object, it might still be a piece of art but it is not folk art. "While traditional society does not erase ego, it does focus and direct the choices that an individual can acceptably make… the well-socialized person will find the limits are not inhibiting but helpful… Where traditions are healthy the works of different artists are more similar than they are different; they are more uniform than personal."[10] Tradition in folk art emerges through the passing of information from one generation to another. Through generations of family lines, family members pass down the knowledge, information, skills and tools needed to continue the creation of one's folk art. Examples are Leon "Peck" Clark, a Mississippi basket maker, who learned his skills from a community member; George Lopez of Cordova, New Mexico, who is a sixth-generation santos carver whose children also carve; and the Yorok-Karok basket weavers, who explain that relatives generally taught them to weave.” [11]	コミュニティが所有するこの作品は、その文化的枠組みの中で既知の類型に属すると認識される。同様の作品は、他の個人が制作した環境内にも見出され、本作品と類似している。民芸品の一点一点は、形態やデザインにおいて卓越した個性を示しつつも、文化内の他の作品を参照している。この作品の前例が見つからなくても、それは芸術作品ではあるが、民芸品ではない。「伝統社会は自我を消し去るわけではないが、個人が受け入れられる選択を集中させ導く…社会化が進んだ者は、その限界が抑制ではなく助けとなることに気づくだろう…健全な伝統が存在する場所では、異なる芸術家の作品は差異よりも類似点が多く、個人的よりも統一性が強い。」 [10] 民芸の伝統は、世代から世代へと情報が受け継がれることで生まれる。何世代にもわたる家系の中で、家族は民芸の創作を継続するために必要な知識、情報、技術、道具を伝承する。その例としては、コミュニティのメンバーから技術を学んだミシシッピ州の籠職人、レオン・「ペック」・クラーク、6 代続くサントス彫刻家であり、その子供たちも彫刻家であるニューメキシコ州コルドバのジョージ・ロペス、そして、親戚から一般的に編み方を教わったと説明するヨロク・カロク族の籠編み職人がいる。[11]
Utility of the object The known type of the object must be, or have originally been, utilitarian; it was created to serve some function in the daily life of the household or the community. This is the reason the design continues to be made. Since the form itself had function and purpose, it was duplicated over time in various locations by different individuals. A book on the history of art states that "every man-made thing arises from a problem as a purposeful solution."[12] Written by George Kubler and published in 1962, "The Shape of Time: Remarks on the History of Things" describes an approach to historical change which places the history of objects and images in a larger continuum of time. The purpose of folk art is not purely decorative or aimed to have duplicated handicraft. However, since the form itself was a distinct type with its function and purpose, folk art has continued to be copied over time by different individuals.	物の有用性その物体の既知のタイプは、実用的なものでなければならない、あるいは元々そうであったものでなければならない。それは家庭や共同体の日常生活において何らかの機能を果たすために作られたものである。これがそのデザインが作り続けられる理由だ。その形態自体が機能と目的を持っていたため、時を経て様々な場所で異なる個人によって複製されてきた。美術史に関するある書物は「あらゆる人工物は、目的を持った解決策として問題から生じる」と述べている[12]。ジョージ・キューブラーが1962年に発表した『時間の形：物事の歴史に関する考察』は、物やイメージの歴史をより大きな時間の連続体の中に位置づける歴史的変化へのアプローチを記述している。民芸の目的は純粋に装飾的でも、複製された手工芸品を目指すものでもない。しかし、その形態自体が機能と目的を備えた明確な類型であったため、民芸は時代を経て異なる個人によって模倣され続けてきたのである。
Aesthetics of the genre The object is recognized as being exceptional in the form and decorative motifs. Being part of the community, the craftsperson is reflecting on the community's cultural aesthetics, and may take into consideration the community's response to the handicraft. An object can be created to match the community's expectations, and the artist may design the product with unspoken cultural biases to reflect this aim.[13] While the shared form indicates a shared culture, innovation can enable the individual artisan to embody their own vision. This can be a representation of manipulating collective and individual culture, within the traditional folk art production. "For art to progress, its unity must be dismantled so that certain of its aspects can be freed for exploration, while others shrink from attention."[14] This dichotomous representation of the culture is typically visible in the final product.[15]	ジャンルの美学その作品は形態と装飾モチーフにおいて特異であると認識される。コミュニティの一員である職人は、コミュニティの文化的審美観を反映し、手工芸に対するコミュニティの反応を考慮に入れることがある。作品はコミュニティの期待に合わせるために制作され、芸術家はこれを反映させるため、暗黙の文化的偏見を持って製品をデザインするかもしれない。[13] 共有された形態は共有された文化を示すが、革新によって個々の職人は自らのビジョンを具現化できる。これは伝統的な民俗芸術制作において、集団文化と個人文化を操作する表現となり得る。「芸術が進歩するためには、その統一性を解体し、特定の側面を探求のために解放しつつ、他の側面は注目から遠ざける必要がある」[14]。この文化の二分法的な表現は、通常、最終製品に顕著に現れる。[15]
Materials, forms, and crafts Folk art is designed in different shapes, sizes and forms. It traditionally uses the materials which are at hand in the locality and reproduces familiar shapes and forms. The Smithsonian Center for Folklife and Cultural Heritage has compiled a page of storied objects that have been part of one of their annual folklife festivals. The list below includes a sampling of different materials, forms, and artisans involved in the production of everyday and folk art objects.[16]	素材、形態、工芸民俗芸術は異なる形状、大きさ、形態でデザインされる。伝統的にその地域で手に入る素材を用い、身近な形状や形態を再現する。スミソニアン民俗生活・文化遺産センターは、毎年開催される民俗生活祭の一部となった歴史ある品々を紹介するページをまとめた。以下のリストには、日用品や民俗芸術品の制作に関わる異なる素材、形態、職人の例が挙げられている。[16]
Alebrije Armourer Basketry Bellmaker Blacksmith Boat building Brickmaker Broommaker Cabinetry Carpentry Ceramics Chillum Clockmaker Cooper Coppersmith Cutler Decoy carving Drystone mason Ex-voto Farrier Foodways Fraktur Furniture Gunsmith Harness maker Ironwork Jewelry Kuthiyottam Latin American Retablos Leather crafting Lei (garland) Ljuskrona Locksmith Lubok Madhubani painting Masonry Metalworking Millwright Miniatures or Models Nakshi Kantha Needlework Origami Painting Pewterer Phad painting Quilting Recycled materials Ropemaker Saddler Sawsmith Sculpture Shoemaker Spooner Stonemason Tanner Textiles Thatcher Tile maker Tinker Tinsmith Truck art in South Asia Tools Toys Treenwaren Turning Vernacular architecture Wainwright Weaver Wheelwright Whirligig Wood carving	アレブリヘ鎧師かご細工鐘職人鍛冶造船煉瓦職人ほうき職人家具職人大工陶芸チラム時計職人クーパー銅細工師刃物職人おとり彫刻乾式石積み奉納品蹄鉄師食文化フラクトゥール家具銃器職人馬具職人鉄細工ジュエリークティヤッタムラテンアメリカのレタブロ革細工レイ（花輪リュスクローナ錠前職人ルボックマドゥバニ絵画石積み金属加工製粉機工ミニチュアや模型ナクシ・カンタ針仕事折り紙絵画ピューター職人ファッド絵画キルトリサイクル素材ロープ職人鞍職人のこぎり職人彫刻靴職人スプーン職人石工皮なめし職人織物屋根葺き職人タイル職人修理工ブリキ職人南アジアのトラックアート道具おもちゃ木工品旋盤土着の建築車輪職人織物職人車輪職人回転木馬木彫り
Related terminology Listed below are a wide-ranging assortment of labels for an eclectic group of art works. All of these genres are created outside of the institutional structures of the art world, and are not considered "fine art". There is overlap between these labeled collections, such that an object might be listed under two or more labels.[2] Many of these groupings and individual objects might also resemble "folk art" in its aspects, however may not align to the defining characteristics outlined above. Americana Art brut Folk Environments Genre paintings Naïve art Outlier art[17] Outsider art Primitive art Tramp art Trench art Tribal art Vanguard art[17] Vernacular art Visionary art	関連用語以下に、多様な芸術作品の集合体に付けられた幅広いラベルを列挙する。これらのジャンルは全て、美術界の制度的構造の外で生み出され、「ファインアート」とは見なされない。これらのラベル付きコレクション間には重複があり、一つの作品が二つ以上のラベルに分類される場合がある。[2] これらの分類や個々の作品は「民俗芸術」の側面と似ている場合もあるが、上記で示した定義的特徴には必ずしも合致しない。アメリカーナアール・ブリュット民俗環境芸術風俗画ナイーブ・アートアウトライヤー・アート[17] アウトサイダー・アートプリミティブ・アートトランプ・アートトレンチ・アート部族芸術ヴァンガード・アート[17] ヴァーナキュラー・アートヴィジョナリー・アート
Influence on mainstream art Folk artworks, styles and motifs have inspired various artists. For example, Pablo Picasso was inspired by African tribal sculptures and masks. Natalia Goncharova and others were inspired by traditional Russian popular prints called luboks.[18] In 1951, artist, writer and curator Barbara Jones organised the exhibition Black Eyes and Lemonade at the Whitechapel Gallery in London as part of the Festival of Britain. This exhibition, along with her publication The Unsophisticated Arts, exhibited folk and mass-produced consumer objects alongside contemporary art in an early instance of the popularisation of pop art in Britain.[19]	主流芸術への影響民俗芸術作品や様式、モチーフは様々な芸術家に影響を与えてきた。例えばパブロ・ピカソはアフリカの部族彫刻や仮面から着想を得た。ナタリア・ゴンチャロワらはロシアの伝統的な大衆版画「ルボク」に影響を受けた。[18] 1951年、芸術家・作家・キュレーターのバーバラ・ジョーンズは、英国博覧会の一環としてロンドンのホワイトチャペル・ギャラリーで「黒い瞳とレモネード」展を企画した。この展覧会と彼女の著作『素朴な芸術』は、民芸品や大量生産された消費財を現代美術と並べて展示し、英国におけるポップアートの普及の先駆けとなった。[19]
Supporting organizations The United Nations recognizes and supports cultural heritage around the world,[20] in particular UNESCO in partnership with the International Organization of Folk Art (IOV). Their declared mission is to "further folk art, customs and culture around the world through the organization of festivals and other cultural events, … with emphasis on dancing, folk music, folk songs and folk art."[21] By supporting international exchanges of folk art groups as well as the organization of festivals and other cultural events, their goal is promote international understanding and world peace. In the United States, the National Endowment for the Arts works to promote greater understanding and sustainability of cultural heritage across the United States and around the world through research, education, and community engagement. As part of this, they identify and support NEA folk art fellows in quilting, ironwork, woodcarving, pottery, embroidery, basketry, weaving, along with other related traditional arts. The NEA guidelines define as criteria for this award a display of "authenticity, excellence, and significance within a particular tradition" for the artists selected. (NEA guidelines) .” In 1966, the NEA's first year of funding, support for national and regional folk festivals was identified as a priority with the first grant made in 1967 to the National Folk Festival Association. Folklife festivals are celebrated around the world to encourage and support the education and community engagement of diverse ethnic communities.	支援組織国連は世界中の文化遺産を認め支援している[20]。特にユネスコは国際民俗芸術機構（IOV）と提携している。彼らの公的な使命は「祭典やその他の文化イベントの開催を通じて、世界中の民俗芸術、習慣、文化を推進すること…特に舞踊、民俗音楽、民謡、民俗芸術に重点を置く」とされている。[21] 民俗芸術団体の国際交流や祭典・文化イベントの開催を支援することで、国際理解と世界平和の促進を目指している。米国では、国立芸術基金（NEA）が研究・教育・地域参加を通じて、米国内外における文化遺産の理解深化と持続可能性の促進に取り組んでいる。その一環として、キルト、鉄工、木彫り、陶芸、刺繍、籠細工、織物、その他関連する伝統芸術において、NEA民俗芸術フェローを選定し支援している。NEAのガイドラインでは、この賞の選考基準として、選ばれた芸術家が「特定の伝統における真正性、卓越性、重要性」を示すことを定めている（NEAガイドライン）。 1966年、NEAの資金提供開始初年度には、全国および地域の民俗祭への支援が優先課題と位置付けられ、1967年にナショナル・フォーク・フェスティバル協会へ初の助成金が交付された。民俗生活祭は世界中で開催され、多様な民族コミュニティの教育と地域参加を促進・支援している。
Regional folk arts African folk art Chinese folk art Mingei (Japanese folk art movement) Minhwa (Korean folk art) Mak Yong (Northern Malay Peninsular folk art dance) Mexican handcrafts and folk art Joget (Wider Malay folk art dance) North Malabar Theyyam Tribal art Warli painting (India) Folk arts of Karnataka (India) Folk Art and Ethnological Museum of Macedonia and Thrace Folk Art Museum of Patras, Greece Native American Art Folk art of the United States Appalachian folk art	地域別民俗芸術アフリカの民俗芸術中国の民俗芸術民芸（日本の民俗芸術運動）民話（韓国の民俗芸術）マキョン（マレー半島北部の民俗舞踊）メキシコの手工芸と民俗芸術ジョゲット（広域マレー民俗舞踊）北マラバルテイヤム部族芸術ワルリ絵画（インド）カルナータカ州の民俗芸術（インド）マケドニア・トラキア民俗芸術民族学博物館ギリシャ・パトラス民俗芸術博物館ネイティブアメリカン芸術アメリカ合衆国の民俗芸術アパラチア民俗芸術
Associations Folk Art Society of America IOV International Organization of Folk Art, in partnership with UNESCO National Endowment for the Arts CIOFF: International Council of Organizations of Folklore Festivals and Folk Arts Pennsylvania Folklore: Woven Together TV Program on textile arts National Folk Organization	協会アメリカ民俗芸術協会ユネスコと提携する国際民俗芸術機構（IOV）全米芸術基金国際民俗芸術祭・民俗芸術団体協議会（CIOFF）ペンシルベニア民俗：織りなすもの（テキスタイルアートに関するテレビ番組）全米民俗組織
Museum collections American Folk Art Museum Smithsonian American Art Museum Folk Art Center and Guild, Asheville NC Museum of International Folk Art Abby Aldrich Rockefeller Folk Art Museum Shelburne Museum	博物館のコレクションアメリカン・フォークアート博物館スミソニアン・アメリカンアート博物館フォークアートセンター・アンド・ギルド（ノースカロライナ州アッシュビル）国際フォークアート博物館アビー・アルドリッチ・ロックフェラー・フォークアート博物館シェルバーン博物館
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Alebrije African folk art American Folk Art Museum Chester Cornett Chillum Chinese folk art Ex-voto Guy Cobb John William "Uncle Jack" Dey Juliana R. Force Kuthiyottam Latin American Retablos Ljuskrona Lubok Madhubani painting Mingei (Japanese folk art movement) Minhwa (Korean folk art) Museum folklore Naïve art Nakshi Kantha Nose art North Malabar Outsider art Phad painting Pakistani vehicle art Pasaquan Rebecca Couch Rural crafts Theyyam Thidambu Nritham Tramp art Tribal art Vaillancourt Folk Art Warli painting Whirligig Wire craft Yakshagana Czech folklore	アレブリヘアフリカの民芸アメリカン・フォークアート博物館チェスター・コーネットチラム中国の民芸奉納品ガイ・コブジョン・ウィリアム「アンクル・ジャック」デイジュリアナ・R・フォースクティヨッタムラテンアメリカ・レタブロリュスクローナルボックマドゥバニ絵画民芸（日本の民芸運動）民画（韓国の民芸）博物館民俗学ナイーブアートナクシ・カンタノーズアート北マラバルアウトサイダーアートファド絵画パキスタン車両アートパサクアンレベッカ・カウチ農村工芸テイヤムティダンブ・ヌリタムトランプアート部族芸術ヴァイランクール・フォークアートワルリ絵画ウィールリギグワイヤー工芸ヤクシャガナチェコ民俗学
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