歌唱
Singing, canto
ハ
リー・ベラフォンテ／エディット・ピアフ
☆歌は声を使って音楽を創り出す芸術[技芸やわざ]である。 歌唱の定義は資料によって異なる[1]。ある資料では、歌唱を「声で楽音を作り出す行為」と定義している[2][3][4]。その他の一般的な定義として は、「調子の良い連続した言葉や音を発すること」[1]、「人間の声によって楽音を作り出すこと」[5]などがある。 歌唱を職業とする人格は歌手または（ジャズやポピュラー音楽における）ヴォーカリストと呼ばれる[6][7]。歌手は楽器の伴奏の有無にかかわらず歌える 音楽（アリア、レチタティーブ、歌など）を演奏する。歌はしばしば合唱団のような音楽家のアンサンブルの中で行われる。歌手はソロで演奏することもあれ ば、単一の楽器（芸術歌曲やいくつかのジャズ・スタイルのように）からシンフォニー・オーケストラやビッグバンドまで、あらゆる楽器の伴奏で演奏すること もある。歌のスタイルは世界中に数多く存在する。 歌にはフォーマルなもの、インフォーマルなもの、アレンジされたもの、即興的なものがある。宗教的な奉納として、趣味として、喜びや安らぎの源として、儀 式の一環として、音楽教育の一環として、あるいは職業として行われることもある。優れた歌唱には、時間、献身、指導、定期的な練習が必要だ。プロの歌手は 通常、クラシックやロックなど特定の音楽ジャンルを中心にキャリアを築いていくが、クロスオーバー（複数のジャンルで歌うこと）で成功する歌手もいる。プ ロの歌手は通常、キャリアを通じてヴォイス・ティーチャーやヴォーカル・コーチによるヴォイス・トレーニングを受ける。 音楽学者でラップ史家のマーティン・E・コナーによれば、「ラップはしばしば歌と対立することで定義される」[12]。歌声音楽の一形態でもあるが、ラップが歌と異なるのは、同じように調性に関与せず、音程の正確さを必要としない点である。 [10]グローブ・ミュージック・オンラインは、「アメリカにおけるポピュラー音楽の歴史的文脈の中で、ラップはアフリカ系アメリカ人の英語における文体的な発話習慣と直接結びつく可能性のある歌唱の代替手段として見ることができる」と述べている。
| Singing is the art
of creating music with the voice. It is the oldest form of musical
expression, and the human voice can be considered the first musical
instrument.[1] The definition of singing varies across sources.[1] Some
sources define singing as the act of creating musical sounds with the
voice.[2][3][4] Other common definitions include "the utterance of
words or sounds in tuneful succession"[1] or "the production of musical
tones by means of the human voice".[5] A person whose profession is singing is called a singer or a vocalist (in jazz or popular music).[6][7] Singers perform music (arias, recitatives, songs, etc.) that can be sung with or without accompaniment by musical instruments. Singing is often done in an ensemble of musicians, such as a choir. Singers may perform as soloists or accompanied by anything from a single instrument (as in art songs or some jazz styles) up to a symphony orchestra or big band. Many styles of singing exist throughout the world. Singing can be formal or informal, arranged, or improvised. It may be done as a form of religious devotion, as a hobby, as a source of pleasure, comfort, as part of a ritual, during music education or as a profession. Excellence in singing requires time, dedication, instruction, and regular practice. If practice is done regularly then the sounds can become clearer and stronger.[8] Professional singers usually build their careers around one specific musical genre, such as classical or rock, although there are singers with crossover success (singing in more than one genre). Professional singers usually take voice training provided by voice teachers or vocal coaches throughout their careers. Singing should not be confused with rapping as they are not the same.[9][10][11] According to music scholar and rap historian Martin E. Connor, "Rap is often defined by its very opposition to singing."[12] While also a form of vocal music, rap differs from singing in that it does not engage with tonality in the same way and does not require pitch accuracy.[10] Like singing, rap does use rhythm in connection to words but these are spoken rather than sung on specific pitches.[10] Grove Music Online states that "Within the historical context of popular music in the United States, rap can be seen as an alternative to singing that could connect directly with stylistic speech practices in African American English."[9] However, some rap artists do employ singing as well as rapping in their music; using the switch between the rhythmic speech of rapping and the sung pitches of singing as a striking contrast to grab the attention of the listener.[13] |
歌は声を使って音楽を創り出す芸術である。歌唱の定義は資料によって異
なる[1]。ある資料では、歌唱を「声で楽音を作り出す行為」と定義している[2][3][4]。その他の一般的な定義としては、「調子の良い連続した言
葉や音を発すること」[1]、「人間の声によって楽音を作り出すこと」[5]などがある。 歌唱を職業とする人格は歌手または（ジャズやポピュラー音楽における）ヴォーカリストと呼ばれる[6][7]。歌手は楽器の伴奏の有無にかかわらず歌える 音楽（アリア、レチタティーブ、歌など）を演奏する。歌はしばしば合唱団のような音楽家のアンサンブルの中で行われる。歌手はソロで演奏することもあれ ば、単一の楽器（芸術歌曲やいくつかのジャズ・スタイルのように）からシンフォニー・オーケストラやビッグバンドまで、あらゆる楽器の伴奏で演奏すること もある。歌のスタイルは世界中に数多く存在する。 歌にはフォーマルなもの、インフォーマルなもの、アレンジされたもの、即興的なものがある。宗教的な奉納として、趣味として、喜びや安らぎの源として、儀 式の一環として、音楽教育の一環として、あるいは職業として行われることもある。優れた歌唱には、時間、献身、指導、定期的な練習が必要だ。プロの歌手は 通常、クラシックやロックなど特定の音楽ジャンルを中心にキャリアを築いていくが、クロスオーバー（複数のジャンルで歌うこと）で成功する歌手もいる。プ ロの歌手は通常、キャリアを通じてヴォイス・ティーチャーやヴォーカル・コーチによるヴォイス・トレーニングを受ける。 音楽学者でラップ史家のマーティン・E・コナーによれば、「ラップはしばしば歌と対立することで定義される」[12]。歌声音楽の一形態でもあるが、ラッ プが歌と異なるのは、同じように調性に関与せず、音程の正確さを必要としない点である。 [10]グローブ・ミュージック・オンラインは、「アメリカにおけるポピュラー音楽の歴史的文脈の中で、ラップはアフリカ系アメリカ人の英語における文体 的な発話習慣と直接結びつく可能性のある歌唱の代替手段として見ることができる」と述べている。 |
Voices In its physical aspect, singing has a well-defined technique that depends on the use of the lungs, which act as an air supply or bellows; on the larynx, which acts as a reed or vibrator; on the chest, head cavities and the skeleton, which have the function of an amplifier, as the tube in a wind instrument; and on the tongue, which together with the palate, teeth, and lips articulate and impose consonants and vowels on the amplified sound. Though these four mechanisms function independently, they are nevertheless coordinated in the establishment of a vocal technique and are made to interact upon one another.[14] During passive breathing, air is inhaled with the diaphragm while exhalation occurs without any effort. Exhalation may be aided by the abdominal, internal intercostal and lower pelvis/pelvic muscles. Inhalation is aided by use of external intercostals, scalenes, and sternocleidomastoid muscles. The pitch is altered with the vocal cords. With the lips closed, this is called humming. The sound of each individual's singing voice is entirely unique not only because of the actual shape and size of an individual's vocal cords, but also due to the size and shape of the rest of that person's body. Humans have vocal folds which can loosen, tighten, or change their thickness, and over which breath can be transferred at varying pressures. The shape of the chest and neck, the position of the tongue, and the tightness of otherwise unrelated muscles can be altered. Any one of these actions results in a change in pitch, volume (loudness), timbre, or tone of the sound produced. Sound also resonates within different parts of the body and an individual's size and bone structure can affect the sound produced by an individual. Singers can also learn to project sound in certain ways so that it resonates better within their vocal tract. This is known as vocal resonation. Another major influence on vocal sound and production is the function of the larynx which people can manipulate in different ways to produce different sounds. These different kinds of laryngeal function are described as different kinds of vocal registers.[15] The primary method for singers to accomplish this is through the use of the singer's formant; which has been shown to match particularly well to the most sensitive part of the ear's frequency range.[16][17] It has also been shown that a more powerful voice may be achieved with a fatter and fluid-like vocal fold mucosa.[18][19] The more pliable the mucosa, the more efficient the transfer of energy from the airflow to the vocal folds.[20] |
声 その物理的な側面において、歌唱には明確なテクニックがあり、それは、空気供給装置またはふいごとして機能する肺、リードまたはバイブレーターとして機能 する喉頭、管楽器の管のように増幅器の機能を持つ胸部、頭部腔および骨格、そして口蓋、歯、唇とともに、増幅された音に調音し、子音と母音を付与する舌の 使用に依存している。これら4つの機構はそれぞれ独立して機能するが、それでも発声法を確立するために調整され、互いに作用し合うようになっている [14]。受動呼吸では、横隔膜を使って空気を吸い込むが、呼気は何の努力もせずに行われる。呼気は腹筋、内肋間筋、骨盤下部/骨盤筋によって補助され る。吸気は、外肋間筋、頭頂筋、胸鎖乳突筋によって補助される。ピッチは声帯で変化させる。唇を閉じた状態ではハミングと呼ばれる。 各個人の歌声は、声帯の実際の形や大きさだけでなく、その人格の体の他の部分の大きさや形によっても全く異なるものとなる。人間には声帯があり、その声帯 は緩んだり締まったり、厚みを変えたりすることができ、様々な圧力で息を伝えることができる。胸や首の形、舌の位置、それとは無関係な筋肉の硬さも変える ことができる。これらの動作のいずれかが、発生する音のピッチ、音量（ラウドネス）、音色、トーンに変化をもたらす。また、音は身体の異なる部分で共鳴 し、個人の体格や骨の構造も、個人の出す音に影響を与える。 歌手はまた、自分の声道内で音がよりよく共鳴するように、特定の方法で音を出すことを学ぶことができる。これは声の共鳴として知られている。発声や音作り に大きな影響を与えるもう一つの要因は喉頭の機能であり、喉頭を様々な方法で操作することで、様々な音を出すことができる。このような異なる種類の喉頭機 能は、異なる種類の声域と表現される[15]。歌手がこれを達成するための主な方法は、歌手のフォルマントを使用することである。 また、声帯粘膜がより柔軟で流動的であればあるほど、気流から声帯へのエネルギー伝達がより効率的になり、よりパワフルな声が得られることが示されている[18][19]。 |
| Vocal classification Main articles: Voice type and Voice classification in non-classical music In European classical music and opera, voices are treated like musical instruments. Composers who write vocal music must have an understanding of the skills, talents, and vocal properties of singers. Voice classification is the process by which human singing voices are evaluated and are thereby designated into voice types. These qualities include but are not limited to vocal range, vocal weight, vocal tessitura, vocal timbre, and vocal transition points such as breaks and lifts within the voice. Other considerations are physical characteristics, speech level, scientific testing, and vocal registration.[21] The science behind voice classification developed within European classical music has been slow in adapting to more modern forms of singing. Voice classification is often used within opera to associate possible roles with potential voices. There are currently several different systems in use within classical music including the German Fach system and the choral music system among many others. No system is universally applied or accepted.[22] However, most classical music systems acknowledge seven different major voice categories. Women are typically divided into three groups: soprano, mezzo-soprano, and contralto. Men are usually divided into four groups: countertenor, tenor, baritone, and bass. With regard to voices of pre-pubescent children, an eighth term, treble, can be applied. Within each of these major categories, several sub-categories identify specific vocal qualities like coloratura facility and vocal weight to differentiate between voices.[23] Within choral music, singers' voices are divided solely on the basis of vocal range. Choral music most commonly divides vocal parts into high and low voices within each sex (SATB, or soprano, alto, tenor, and bass). As a result, the typical choral situation gives many opportunities for misclassification to occur.[23] Since most people have medium voices, they must be assigned to a part that is either too high or too low for them; the mezzo-soprano must sing soprano or alto and the baritone must sing tenor or bass. Either option can present problems for the singer, but for most singers, there are fewer dangers in singing too low than in singing too high.[24] Within contemporary forms of music (sometimes referred to as contemporary commercial music), singers are classified by the style of music they sing, such as jazz, pop, blues, soul, country, folk, and rock styles. There is currently no authoritative voice classification system within non-classical music. Attempts have been made to adopt classical voice type terms to other forms of singing but such attempts have been met with controversy.[25] The development of voice categorizations were made with the understanding that the singer would be using classical vocal technique within a specified range using unamplified (no microphones) vocal production. Since contemporary musicians use different vocal techniques and microphones and are not forced to fit into a specific vocal role, applying such terms as soprano, tenor, baritone, etc. can be misleading or even inaccurate.[26] |
声の分類 主な記事 声のタイプ 、 非クラシック音楽における声の分類 ヨーロッパのクラシック音楽やオペラでは、声楽は楽器のように扱われる。声楽曲を作曲する作曲家は、歌手の技術や才能、声の特性を理解していなければなら ない。声質分類とは、人間の歌声を評価し、それによって声種を指定するプロセスである。声質には、声域、声の重さ、声のテッシトゥーラ、声色、声の切れ目 や立ち上がりといった声部の変化点などが含まれるが、これらに限定されるものではない。その他の考慮事項としては、身体的特徴、発声レベル、科学的テス ト、発声登録などがある[21]。ヨーロッパのクラシック音楽で発達した声質分類の背後にある科学は、より現代的な歌唱形態への適応が遅れている。声質分 類は、オペラの中で、可能性のある役柄と可能性のある声質を関連付けるためによく使われる。現在、クラシック音楽では、ドイツのファッハ・システムや合唱 音楽システムなど、いくつかの異なるシステムが使用されている。普遍的に適用され、受け入れられているシステムはない[22]。 しかし、ほとんどのクラシック音楽のシステムは、7つの異なる主要な声楽カテゴリーを認めている。女性は通常、ソプラノ、メゾ・ソプラノ、コントラルトの 3つのグループに分けられる。男性は通常、カウンターテナー、テナー、バリトン、バスの4つのグループに分けられる。思春期前の子供の声に関しては、8番 目の用語である高音を適用することができる。これらの大カテゴリーのそれぞれにおいて、声楽を区別するために、コロラトゥーラの設備や声の重さといった特 定の声質を特定するいくつかの小カテゴリーがある[23]。 合唱音楽の中では、歌手の声楽は声域のみに基づいて分けられる。合唱音楽では、各声部（SATB、すなわちソプラノ、アルト、テノール、バス）を高声部と 低声部に分けるのが最も一般的である。メゾ・ソプラノはソプラノかアルト、バリトンはテノールかバスを歌わなければならない。メゾ・ソプラノはソプラノか アルトを歌わなければならず、バリトンはテノールかバスを歌わなければならない。どちらの選択肢も歌手に問題をもたらすが、ほとんどの歌手にとって、高す ぎる歌よりも低すぎる歌の方が危険は少ない[24]。 現代音楽（現代商業音楽と呼ばれることもある）の中では、歌手はジャズ、ポップス、ブルース、ソウル、カントリー、フォーク、ロックなど、歌う音楽のスタ イルによって分類される。現在のところ、非クラシック音楽には権威ある声楽分類システムはない。クラシックのボイス・タイプの用語を他の歌唱形態に採用し ようとする試みがなされているが、そのような試みは論争にさらされている[25]。ボイス・カテゴライズの開発は、歌い手が非増幅（マイクなし）のボーカ ル・プロダクションを使用して、指定された音域内でクラシックのボーカル・テクニックを使用しているという理解のもとに行われた。現代の音楽家は異なる発 声法やマイクを使用し、特定の声楽の役割に適合することを強制されていないため、ソプラノ、テノール、バリトンなどの用語を適用することは誤解を招いた り、不正確であったりすることさえある[26]。 |
| Vocal registration Main articles: Vocal registration and Passagio Vocal registration refers to the system of vocal registers within the voice. A register in the voice is a particular series of tones, produced in the same vibratory pattern of the vocal folds, and possessing the same quality. Registers originate in laryngeal function. They occur because the vocal folds are capable of producing several different vibratory patterns.[27] Each of these vibratory patterns appears within a particular range of pitches and produces certain characteristic sounds.[28] The occurrence of registers has also been attributed to the effects of the acoustic interaction between the vocal fold oscillation and the vocal tract.[29] The term "register" can be somewhat confusing as it encompasses several aspects of the voice. The term register can be used to refer to any of the following:[23] A particular part of the vocal range such as the upper, middle, or lower registers. A resonance area such as chest voice or head voice. A phonatory process (phonation is the process of producing vocal sound by the vibration of the vocal folds that is in turn modified by the resonance of the vocal tract) A certain vocal timbre or vocal "color" A region of the voice which is defined or delimited by vocal breaks. In linguistics, a register language is a language which combines tone and vowel phonation into a single phonological system. Within speech pathology, the term vocal register has three constituent elements: a certain vibratory pattern of the vocal folds, a certain series of pitches, and a certain type of sound. Speech pathologists identify four vocal registers based on the physiology of laryngeal function: the vocal fry register, the modal register, the falsetto register, and the whistle register. This view is also adopted by many vocal pedagogues.[23] |
ボーカル登録 主な記事 声帯登録とパッサージョ 声帯登録とは、声の中の声域のシステムのことである。声の音域とは、声帯の同じ振動パターンで生成され、同じ音質を持つ、特定の一連の音色のことである。 音域は喉頭機能に由来する。音域の発生は、声帯振動と声道との間の音響的相互作用の影響にも起因している[28]。音域という用語は、以下のいずれかを指 すために使用されることがある[23]。 高音域、中音域、低音域などの声域の特定の部分。 チェストボイスやヘッドボイスなどの共鳴領域。 発音プロセス（発音とは、声道の共鳴によって変化する声帯の振動によって発声音を生成するプロセスのことである）。 特定の声質または声色。 発声の区切りによって定義または区切られる声の領域。 言語学では、音域言語とは、声調と母音の発音を一つの音韻体系にまとめた言語のことである。言語病理学では、声域という言葉には3つの構成要素がある。す なわち、声帯の特定の振動パターン、特定の一連の音程、特定の種類の音である。言語聴覚士は、喉頭機能の生理学に基づき、4つの声域を特定する。すなわ ち、ボーカル・フライ・レジスター、モーダル・レジスター、ファルセット・レジスター、ホイッスル・レジスターである。この見解は、多くの声楽教育学者も 採用している[23]。 |
| Vocal resonation Main article: Vocal resonation  Cross-section of the head and neck Vocal resonation is the process by which the basic product of phonation is enhanced in timbre or intensity by the air-filled cavities through which it passes on its way to the outside air. Various terms related to the resonation process include amplification, enrichment, enlargement, improvement, intensification, and prolongation, although in strictly scientific usage acoustic authorities would question most of them. The main point to be drawn from these terms by a singer or speaker is that the result of resonation is, or should be, to make a better sound.[23] There are seven areas that may be listed as possible vocal resonators. In sequence from the lowest within the body to the highest, these areas are the chest, the tracheal tree, the larynx itself, the pharynx, the oral cavity, the nasal cavity, and the sinuses.[30] |
声の共鳴 主な記事 声の共鳴 頭部と頸部の断面図 声帯共鳴とは、発声の基本的な産物が、外気に向かう途中で通過する空洞によって、音色や強度が増強される過程を指す。共鳴プロセスに関連する様々な用語に は、増幅、強化、拡大、改善、強化、延長などがあるが、厳密に科学的に使用する場合、音響学の権威はそのほとんどに疑問を呈するだろう。歌い手や話し手が これらの用語から導き出すべき主なポイントは、共鳴の結果は、より良い音を出すことである、またはそうあるべきであるということである[23]。体内で最 も低いところから順に、胸部、気管、喉頭、咽頭、口腔、鼻腔、副鼻腔である[30]。 |
| Chest voice and head voice Main articles: Chest voice, Head voice, and Passagio Chest voice and head voice are terms used within vocal music. The use of these terms varies widely within vocal pedagogical circles and there is currently no one consistent opinion among vocal music professionals in regards to these terms. Chest voice can be used in relation to a particular part of the vocal range or type of vocal register; a vocal resonance area; or a specific vocal timbre.[23] Head voice can be used in relation to a particular part of the vocal range or type of vocal register or a vocal resonance area.[23] In Men, the head voice is commonly referred to as the falsetto. The transition from and combination of chest voice and head voice is referred to as vocal mix or vocal mixing in the singer's performance.[31] Vocal mixing can be inflected in specific modalities of artists who may concentrate on smooth transitions between chest voice and head voice, and those who may use a "flip"[32] to describe the sudden transition from chest voice to head voice for artistic reasons and enhancement of vocal performances. |
チェストボイスとヘッドボイス 主な記事 チェスト・ヴォイス、ヘッド・ヴォイス、パッサージョ チェスト・ヴォイスとヘッド・ヴォイスは声楽の用語である。これらの用語の使い方は声楽教育界で大きく異なっており、声楽専門家の間でも、これらの用語に 関して一貫した意見は今のところない。チェスト・ヴォイスは、声域の特定の部分や声域のタイプ、声帯の共鳴領域、または特定の声色に関連して使われること がある[23]。ヘッド・ヴォイスは、声域の特定の部分や声域のタイプ、または声帯の共鳴領域に関連して使われることがある[23]。チェストボイスと ヘッドボイスの移行や組み合わせは、歌手のパフォーマンスにおいてボーカルミックスまたはボーカルミキシングと呼ばれる[31]。ボーカルミキシングは、 チェストボイスとヘッドボイスの間のスムーズな移行に集中するアーティストや、芸術的な理由やボーカルパフォーマンスの向上のためにチェストボイスから ヘッドボイスへの突然の移行を表現する「フリップ」[32]を使用するアーティストの特定の様式において屈折することがある。 |
| History and development The first recorded mention of the terms chest voice and head voice was around the 13th century when it was distinguished from the "throat voice" (pectoris, guttoris, capitis—at this time it is likely that head voice referred to the falsetto register) by the writers Johannes de Garlandia and Jerome of Moravia.[33] The terms were later adopted within bel canto, the Italian opera singing method, where chest voice was identified as the lowest and head voice the highest of three vocal registers: the chest, passagio, and head registers.[22] This approach is still taught by some vocal pedagogists today. Another current popular approach that is based on the bel canto model is to divide both men and women's voices into three registers. Men's voices are divided into "chest register", "head register", and "falsetto register" and woman's voices into "chest register", "middle register", and "head register". Such pedagogists teach that the head register is a vocal technique used in singing to describe the resonance felt in the singer's head.[34] However, as knowledge of physiology has increased over the past two hundred years, so has the understanding of the physical process of singing and vocal production. As a result, many vocal pedagogists, such as Ralph Appelman at Indiana University and William Vennard at the University of Southern California, have redefined or even abandoned the use of the terms chest voice and head voice.[22] In particular, the use of the terms chest register and head register have become controversial since vocal registration is more commonly seen today as a product of laryngeal function that is unrelated to the physiology of the chest, lungs, and head. For this reason, many vocal pedagogists argue that it is meaningless to speak of registers being produced in the chest or head. They argue that the vibratory sensations which are felt in these areas are resonance phenomena and should be described in terms related to vocal resonance, not to registers. These vocal pedagogists prefer the terms chest voice and head voice over the term register. This view believes that the problems which people identify as register problems are really problems of resonance adjustment. This view is also in alignment with the views of other academic fields that study vocal registration including speech pathology, phonetics, and linguistics. Although both methods are still in use, current vocal pedagogical practice tends to adopt the newer more scientific view. Also, some vocal pedagogists take ideas from both viewpoints.[23] The contemporary use of the term chest voice often refers to a specific kind of vocal coloration or vocal timbre. In classical singing, its use is limited entirely to the lower part of the modal register or normal voice. Within other forms of singing, chest voice is often applied throughout the modal register. Chest timbre can add a wonderful array of sounds to a singer's vocal interpretive palette.[35] However, the use of an overly strong chest voice in the higher registers in an attempt to hit higher notes in the chest can lead to forcing. Forcing can lead consequently to vocal deterioration.[36] |
歴史と発展 チェスト・ヴォイスとヘッド・ヴォイスという用語が初めて記録されたのは13世紀頃で、作家のヨハネス・デ・ガルランディアとモラヴィアのジェロームに よって「喉声」（pectoris, guttoris, capitis-この当時はヘッド・ヴォイスがファルセット音域を指していたと思われる）と区別された [33] 。 [この用語は後にイタリアのオペラ歌唱法であるベルカントで採用され、胸声、パッサージオ、頭声という3つの声域のうち、胸声が最も低く、頭声が最も高い とされた[22]。ベルカント・モデルに基づくもう一つの現在人気のあるアプローチは、男女両方の声を3つの音域に分けることである。男性の声は「胸部音 域」、「頭部音域」、「ファルセット音域」に分けられ、女性の声は「胸部音域」、「中間音域」、「頭部音域」に分けられる。このような教育学者は、頭声域 は歌唱において、歌手の頭で感じる響きを表現するために使われる発声法であると教えている[34]。 しかし、過去200年の間に生理学の知識が増えるにつれて、歌唱と発声の物理的なプロセスに対する理解も深まった。その結果、インディアナ大学のラルフ・ アッペルマンや南カリフォルニア大学のウィリアム・ヴェナードなど、多くの声楽教育学者がチェストボイスやヘッドボイスという用語の再定義や使用を放棄す るようになった。このため、多くの声楽教育学者は、胸や頭で音域が作られるという言い方は無意味だと主張している。彼らは、これらの領域で感じられる振動 感覚は共鳴現象であり、音域ではなく、声の共鳴に関連する用語で説明されるべきであると主張する。これらの声楽教育学者は、音域という用語よりも、チェス トボイスやヘッドボイスという用語を好む。この見解は、人々が音域の問題として認識する問題は、実際には共鳴調整の問題であると考えている。この見解は、 音声病理学、音声学、言語学など、声域を研究する他の学問分野の見解とも一致している。どちらの方法も現在も使用されているが、現在の発声教育実践では、 より新しい科学的な見解が採用される傾向にある。また、声楽教育学者の中には両方の視点からアイデアを取り入れている者もいる[23]。 チェストボイスという用語の現代的な用法は、特定の種類の声色や声質を指すことが多い。クラシック歌唱では、チェスト・ヴォイスの使用はモーダル音域の低 音部またはノーマル・ヴォイスに限定される。他の歌唱法では、チェスト・ヴォイスはモード音域全体に適用されることが多い。チェスト・ヴォイスは、歌手の 声楽解釈のパレットに素晴らしいサウンドの数々を加えることができる[35]。しかし、高音域でチェスト・ヴォイスを過度に強く使い、より高い音を出そう とすると、強要につながることがある。無理な発声は、結果的に声の劣化につながる可能性がある[36]。 |
| Vocal registers: General discussion of transitions Passaggio (Italian pronunciation: [pasˈsaddʒo]) is a term used in classical singing to describe the transition area between the vocal registers. The passaggi (plural) of the voice lie between the different vocal registers, such as the chest voice, where any singer can produce a powerful sound, the middle voice, and the head voice, where a penetrating sound is accessible, but usually only through vocal training. The historic Italian school of singing describes a primo passaggio and a secondo passaggio connected through a zona di passaggio in the male voice and a primo passaggio and secondo passaggio in the female voice. A major goal of classical voice training in classical styles is to maintain an even timbre throughout the passaggio. Through proper training, it is possible to produce a resonant and powerful sound. |
声域： 声域移行部の一般的な議論 パッサッジョ（イタリア語発音：[pasˈsadd↪Ll_292o]）は、クラシック歌唱において、声域間の移行部を表す用語である。パッサージ（複数 形）とは、異なる声域の間にある声域のことで、例えばチェストボイスはどんな歌手でも力強い音を出すことができ、ミドルボイスやヘッドボイスは浸透力のあ る音を出すことができるが、通常は発声訓練によってのみ可能である。イタリアの歴史的な歌唱流派では、男声ではプリモ・パサージオとセコンド・パサージオ がゾーナ・ディ・パサージオを介してつながり、女声ではプリモ・パサージオとセコンド・パサージオがつながるとされている。クラシック・スタイルのボイ ス・トレーニングの主な目標は、パッサッジョ全体を通して均一な音色を維持することである。適切なトレーニングによって、響きのある力強い音を出すことが できる。 |
| Vocal registers and transitions One cannot adequately discuss the vocal passaggio without having a basic understanding of the different vocal registers. In his book The Principles of Voice Production, Ingo Titze states, "The term register has been used to describe perceptually distinct regions of vocal quality that can be maintained over some ranges of pitch and loudness."[37] Discrepancies in terminology exist between different fields of vocal study, such as teachers and singers, researchers, and clinicians. As Marilee David points out, "Voice scientists see registration primarily as acoustic events."[38] For singers, it is more common to explain registration events based on the physical sensations they feel when singing. Titze also explains that there are discrepancies in the terminology used to talk about vocal registration between speech pathologists and singing teachers.[39] Since this article discusses the passaggio, which is a term used by classical singers, the registers will be discussed as they are in the field of singing rather than speech pathology and science. The three main registers, described as head, middle (mixed), and chest voice, are described as having a rich timbre, because of the overtones due to the sympathetic resonance within the human body. Their names are derived from the area in which the singer feels these resonant vibration in the body. The chest register, more commonly referred to as the chest voice, is the lowest of the registers. When singing in the chest voice the singer feels sympathetic vibration in the chest. This is the register that people most commonly use while speaking. The middle voice falls in between the chest voice and head voice. The head register, or the head voice, is the highest of the main vocal registers. When singing in the head voice, the singer may feel sympathetic vibration occurring in the face or another part of the head. Where these registers lie in the voice is dependent on sex and the voice type within each sex.[40] There are an additional two registers called falsetto and flageolet register, which lie above their head register.[41][42] Training is often required to access the pitches within these registers. Men and women with lower voices rarely sing in these registers. Lower-voiced women in particular receive very little if any training in the flageolet register. Men have one more additional register called the strohbass, which lies below the chest voice. Singing in this register is hard on the vocal cords, and therefore, is hardly ever used.[43] |
声域とトランジション 異なる声域についての基本的な理解なくして、声楽のパサージオを適切に論じることはできない。インゴ・ティッツェ（Ingo Titze）は著書『The Principles of Voice Production（発声原理）』の中で、「音域という用語は、ピッチとラウドネスのいくつかの範囲にわたって維持できる声質の知覚的に異なる領域を表 すために使用されてきた」と述べている[37]。Marilee Davidが指摘するように、「声楽科学者はレジストレーションを主に音響的な事象として捉えている」[38]。ティッツェはまた、言語病理学者と歌唱指 導者の間では、発声レジストレーションについて話す際に使用される用語に相違があると説明している[39]。この記事では、クラシック歌手が使用する用語 であるパサージオについて論じるので、レジスターについては、言語病理学や科学というよりもむしろ歌唱の分野でそのまま論じることにする。 ヘッドボイス、ミドルボイス（ミックスボイス）、チェストボイスと表現される3つの主な音域は、人体内の交感神経共鳴による倍音のため、豊かな音色を持つ と表現される。これらの名称は、歌い手が体内でこれらの共鳴振動を感じる部位に由来する。一般的にチェストボイスと呼ばれるチェスト音域は、最も低い音域 である。チェストボイスで歌うとき、歌い手は胸に共鳴振動を感じる。これは、人が話すときに最もよく使う音域である。ミドルボイスはチェストボイスとヘッ ドボイスの中間に位置する。ヘッド・ボイスは、主な声域の中で最も高い声域である。ヘッド・ボイスで歌うとき、歌い手は顔や頭の別の部分に起こる交感神経 の振動を感じることがある。これらの声域が声のどこに位置するかは、性別とそれぞれの性別の中の声種に依存する[40]。 ファルセット音域とフラジオレット音域と呼ばれるさらに2つの音域があり、これらは頭部音域の上に位置する[41][42]。これらの音域内の音程にアク セスするためには、しばしば訓練が必要とされる。声の低い男女がこれらの音域で歌うことはほとんどない。特に低い声の女性は、フラジオレット音域の訓練を 受けたとしても、ほとんど受けない。男性にはもう一つ、胸声より下にあるストローバスと呼ばれる音域がある。この音域で歌うことは声帯に負担がかかるた め、ほとんど使われない[43]。 |
| Vocal pedagogy Main article: Vocal pedagogy  Ercole de' Roberti: Concert, c. 1490 Vocal pedagogy is the study of the teaching of singing. The art and science of vocal pedagogy has a long history that began in Ancient Greece[44] and continues to develop and change today. Professions that practice the art and science of vocal pedagogy include vocal coaches, choral directors, vocal music educators, opera directors, and other teachers of singing. Vocal pedagogy concepts are a part of developing proper vocal technique. Typical areas of study include the following:[45][46] Anatomy and physiology as it relates to the physical process of singing Vocal health and voice disorders related to singing Breathing and air support for singing Phonation Vocal resonation or Voice projection Vocal registration: a particular series of tones, produced in the same vibratory pattern of the vocal folds, and possessing the same quality, which originate in laryngeal function, because each of these vibratory patterns appears within a particular range of pitches and produces certain characteristic sounds. Voice classification Vocal styles: for classical singers, this includes styles ranging from Lieder to opera; for pop singers, styles can include "belted out" a blues ballads; for jazz singers, styles can include Swing ballads and scatting. Techniques used in styles such as sostenuto and legato, range extension, tone quality, vibrato, and coloratura |
声楽教育学 主な記事 声楽教育学 エルコーレ・デ・ロベルティ コンサート、1490年頃 声楽教育学とは、歌唱指導に関する学問である。声楽教育学の歴史は古く、古代ギリシャに始まり[44]、現在も発展・変化し続けている。声楽教育学の芸術と科学を実践する職業には、声楽コーチ、合唱監督、声楽教育者、オペラ監督、その他の歌唱指導者が含まれる。 声楽教育学の概念は、適切な発声テクニックを身につけるための一部である。代表的な研究分野は以下の通りである[45][46]。 歌唱の物理的プロセスに関連する解剖学および生理学 歌唱に関連する声の保健と声の障害 歌うための呼吸と空気のサポート 発音 ボーカルの共鳴または声の投射 声帯登録：声帯の同じ振動パターンで生成され、同じ音質を持つ、喉頭機能に由来する特定の一連の音。 声の分類 ボーカル・スタイル：クラシック歌手の場合、リートからオペラまでのスタイルが含まれる。ポップス歌手の場合、ブルース・バラードを「口ずさむ」スタイルが含まれる。 ソステヌートとレガート、音域の拡大、音質、ビブラート、コロラトゥーラなど、スタイルで使われるテクニック。 |
| Vocal technique Singing when done with proper vocal technique is an integrated and coordinated act that effectively coordinates the physical processes of singing. There are four physical processes involved in producing vocal sound: respiration, phonation, resonation, and articulation. These processes occur in the following sequence: Breath is taken Sound is initiated in the larynx The vocal resonators receive the sound and influence it The articulators shape the sound into recognizable units Although these four processes are often considered separately when studied, in actual practice, they merge into one coordinated function. With an effective singer or speaker, one should rarely be reminded of the process involved as their mind and body are so coordinated that one only perceives the resulting unified function. Many vocal problems result from a lack of coordination within this process.[26] Since singing is a coordinated act, it is difficult to discuss any of the individual technical areas and processes without relating them to others. For example, phonation only comes into perspective when it is connected with respiration; the articulators affect resonance; the resonators affect the vocal folds; the vocal folds affect breath control; and so forth. Vocal problems are often a result of a breakdown in one part of this coordinated process which causes voice teachers to frequently focus intensively on one area of the process with their student until that issue is resolved. However, some areas of the art of singing are so much the result of coordinated functions that it is hard to discuss them under a traditional heading like phonation, resonation, articulation, or respiration. Once the voice student has become aware of the physical processes that make up the act of singing and of how those processes function, the student begins the task of trying to coordinate them. Inevitably, students and teachers will become more concerned with one area of the technique than another. The various processes may progress at different rates, with a resulting imbalance or lack of coordination. The areas of vocal technique which seem to depend most strongly on the student's ability to coordinate various functions are:[23] Extending the vocal range to its maximum potential Developing consistent vocal production with a consistent tone quality Developing flexibility and agility Achieving a balanced vibrato A blend of chest and head voice on every note of the range[47] |
ヴォーカル・テクニック 適切な発声法で歌うことは、歌うための物理的プロセスを効果的に調整する、統合された協調的な行為である。発声には、呼吸、発音、共鳴、調音という4つの物理的プロセスがある。これらのプロセスは以下の順序で行われる： 息を吸う。 喉頭で音が発せられる。 声帯共鳴器が音を受け取り、その音に影響を与える。 調音器が音を認識可能な単位に形成する。 これらの4つのプロセスは、研究される際には別々に考えられることが多いが、実際の練習では、1つの協調的な機能に統合される。効果的な歌手やスピーカー の場合、そのプロセスを意識することはほとんどない。多くの発声の問題は、このプロセスにおける調整の欠如から生じる[26]。 歌うことは協調的な行為であるため、個々の技術的な領域やプロセスを他と関連付けずに論じることは難しい。例えば、発音は呼吸と結びついて初めて視野に入 るものであり、調音器は共鳴に影響し、共鳴器は声帯に影響し、声帯はブレスコントロールに影響するなどである。発声の問題は、多くの場合、この調整された プロセスの一部分の故障の結果であり、そのため声楽教師は、その問題が解決するまで、生徒と一緒にプロセスのある部分に集中的に焦点を当てることが頻繁に ある。しかし、歌唱芸術のいくつかの領域は、非常に協調的な機能の結果であるため、発音、共鳴、調音、呼吸といった伝統的な見出しで論じるのは難しい。 声楽を学ぶ生徒は、歌うという行為を構成する物理的なプロセスと、それらのプロセスがどのように機能するかを認識した後、それらを調整しようとする作業に 取りかかる。必然的に、生徒も教師も、テクニックのある分野に他の分野よりも関心を持つようになる。様々なプロセスは異なる速度で進行し、その結果、バラ ンスが崩れたり、協調性が欠けたりする。ボーカル・テクニックの中で、生徒の様々な機能を調整する能力に最も強く依存していると思われる分野は、次のよう なものである[23]。 声域を最大限に広げる 一貫した音質で安定した発声をする。 柔軟性と敏捷性を身につける バランスの取れたビブラートを実現する 音域のすべての音でチェストボイスとヘッドボイスをブレンドする[47]。 |
| Developing the singing voice Singing is a skill that requires highly developed muscle reflexes. Singing does not require much muscle strength but it does require a high degree of muscle coordination. Individuals can develop their voices further through the careful and systematic practice of both songs and vocal exercises. Vocal exercises have several purposes, including[23] warming up the voice; extending the vocal range; "lining up" the voice horizontally and vertically; and acquiring vocal techniques such as legato, staccato, control of dynamics, rapid figurations, learning to sing wide intervals comfortably, singing trills, singing melismas and correcting vocal faults. Vocal pedagogists instruct their students to exercise their voices in an intelligent manner. Singers should be thinking constantly about the kind of sound they are making and the kind of sensations they are feeling while they are singing.[26] Learning to sing is an activity that benefits from the involvement of an instructor. A singer does not hear the same sounds inside his or her head that others hear outside. Therefore, having a guide who can tell a student what kinds of sounds he or she is producing guides a singer to understand which of the internal sounds correspond to the desired sounds required by the style of singing the student aims to re-create.[citation needed] |
歌声を開発する 歌うことは、高度に発達した筋肉反射を必要とする技術である。歌はそれほど筋力を必要としないが、高度な筋肉の協調性を必要とする。歌と発声練習の両方を 注意深く体系的に練習することで、歌声をさらに発達させることができる。発声練習には、声を温める、声域を広げる、声を水平・垂直に「並べる」、レガー ト、スタッカート、ダイナミクスのコントロール、急速なフィギュレーション、広い音程を楽に歌えるようになる、トリルを歌う、メリスマを歌う、声の欠点を 直すなどの発声テクニックを身につけるなどの目的がある[23]。 声楽教育者は、知的な方法で声を鍛えるよう生徒に指導する。歌い手は、自分がどんな音を出しているのか、歌っているときにどんな感覚を感じているのかを常に考えていなければならない[26]。 歌を学ぶことは、指導者の関与から恩恵を受ける活動である。歌い手は、他の人が外で聞いているのと同じ音を頭の中で聞いているわけではない。したがって、 生徒がどのような音を出しているのかを教えてくれる指導者がいることで、生徒が再現しようとする歌唱スタイルが求める望ましい音に、どの内部音が対応して いるのかを理解できるように歌い手を導いてくれる[要出典]。 |
| Extending vocal range An important goal of vocal development is to learn to sing to the natural limits[48] of one's vocal range without any obvious or distracting changes of quality or technique. Vocal pedagogists teach that a singer can only achieve this goal when all of the physical processes involved in singing (such as laryngeal action, breath support, resonance adjustment, and articulatory movement) are effectively working together. Most vocal pedagogists believe in coordinating these processes by (1) establishing good vocal habits in the most comfortable tessitura of the voice, and then (2) slowly expanding the range.[15] There are three factors that significantly affect the ability to sing higher or lower: The energy factor – "energy" has several connotations. It refers to the total response of the body to the making of sound; to a dynamic relationship between the breathing-in muscles and the breathing-out muscles known as the breath support mechanism; to the amount of breath pressure delivered to the vocal folds and their resistance to that pressure; and to the dynamic level of the sound. The space factor – "space" refers to the size of the inside of the mouth and the position of the palate and larynx. Generally speaking, a singer's mouth should be opened wider the higher he or she sings. The internal space or position of the soft palate and larynx can be widened by relaxing the throat. Vocal pedagogists describe this as feeling like the "beginning of a yawn". The depth factor – "depth" has two connotations. It refers to the actual physical sensations of depth in the body and vocal mechanism, and to mental concepts of depth that are related to tone quality. McKinney says, "These three factors can be expressed in three basic rules: (1) As you sing higher, you must use more energy; as you sing lower, you must use less. (2) As you sing higher, you must use more space; as you sing lower, you must use less. (3) As you sing higher, you must use more depth; as you sing lower, you must use less."[23] |
声域を広げる 声楽上達の重要な目標は、声質やテクニックを明らかに変えたり、気を散らしたりすることなく、自分の声域の自然な限界[48]まで歌えるようになることで ある。声楽教育学者は、歌唱に関わるすべての身体的プロセス（喉頭動作、息の支え、共鳴の調整、調音動作など）が効果的に連動して初めて、歌唱者はこの目 標を達成できると教えている。ほとんどの声楽教育学者は、(1)声の最も快適なテッシトゥーラで良い発声習慣を確立し、(2)徐々に音域を広げることに よって、これらのプロセスを調整することを信じている[15]。 高く歌ったり低く歌ったりする能力に大きく影響する3つの要素がある： エネルギー要因 - 「エネルギー」にはいくつかの意味合いがある。それは、音を出すことに対する身体の総合的な反応、ブレスサポート機構として知られる息を吸う筋肉と息を吐 く筋肉との間の動的な関係、声帯に送られる息の圧力量とその圧力に対する抵抗、そして音の動的なレベルを指す。 スペース・ファクター - 「スペース 」とは、口の中の大きさ、口蓋と喉頭の位置を指す。一般的に、歌手の口は高く歌うほど大きく開くはずである。軟口蓋と喉頭の内部空間や位置は、喉をリラッ クスさせることで広げることができる。発声教育学者はこれを「あくびの始まり」のように感じると表現する。 深さの要素 - 「深さ」には2つの意味合いがある。身体と発声メカニズムにおける深さの実際の物理的感覚と、音色に関係する深さの精神的概念を指す。 マッキニーは、「これら3つの要素は、3つの基本的なルールで表すことができる。(2) 高く歌うほど、より多くのスペースを使わなければならず、低く歌うほど、より少ないスペースを使わなければならない。(3) 高く歌うほど、より深みを使わなければならず、低く歌うほど、より少なく使わなければならない」[23]。 |
| Posture The singing process functions best when certain physical conditions of the body are put in place. The ability to move air in and out of the body freely and to obtain the needed quantity of air can be seriously affected by the posture of the various parts of the breathing mechanism. A sunken chest position will limit the capacity of the lungs, and a tense abdominal wall will inhibit the downward travel of the diaphragm. Good posture allows the breathing mechanism to fulfill its basic function efficiently without any undue expenditure of energy. Good posture also makes it easier to initiate phonation and to tune the resonators as proper alignment prevents unnecessary tension in the body. Vocal pedagogists have also noted that when singers assume good posture it often provides them with a greater sense of self-assurance and poise while performing. Audiences also tend to respond better to singers with good posture. Habitual good posture also ultimately improves the overall health of the body by enabling better blood circulation and preventing fatigue and stress on the body.[15] There are eight components of the ideal singing posture: Feet slightly apart Legs straight but knees slightly bent Hips facing straight forward Spine aligned Abdomen flat Chest comfortably forward Shoulders down and back Head facing straight forward |
姿勢 歌唱プロセスは、身体の特定の物理的条件が整ったときに最もよく機能する。空気を自由に出し入れし、必要な量の空気を得る能力は、呼吸メカニズムの様々な 部分の姿勢によって深刻な影響を受ける。沈んだ胸の位置は肺の容量を制限し、緊張した腹壁は横隔膜の下方への移動を阻害する。良い姿勢は、呼吸メカニズム がエネルギーを過度に消費することなく、基本的な機能を効率的に果たすことを可能にする。また、良い姿勢は、適切なアライメントが身体の不必要な緊張を防 ぐため、発音の開始や共鳴器の調整を容易にする。声楽教育学者も、歌手が良い姿勢をとることで、演奏中に自己肯定感が高まり、落ち着くことが多いと指摘し ている。聴衆もまた、良い姿勢の歌手により良い反応を示す傾向がある。習慣的な良い姿勢はまた、より良い血液循環を可能にし、身体への疲労やストレスを防 ぐことによって、最終的に身体全体の保健を改善する[15]。 理想的な歌唱姿勢には8つの要素がある： 足は少し開く 脚はまっすぐだが、膝は少し曲げる 腰はまっすぐ前を向く 背骨を一直線にする 腹部を平らにする 胸を楽に前に出す 肩が下がり、後ろに下がっている 頭がまっすぐ前を向いている |
| Breathing and breath support Natural breathing has three stages: a breathing-in period, breathing out period, and a resting or recovery period; these stages are not usually consciously controlled. Within singing, there are four stages of breathing: a breathing-in period (inhalation); a setting up controls period (suspension); a controlled exhalation period (phonation); and a recovery period. These stages must be under conscious control by the singer until they become conditioned reflexes. Many singers abandon conscious controls before their reflexes are fully conditioned which ultimately leads to chronic vocal problems.[49] |
呼吸と呼吸サポート 自然な呼吸には3つの段階がある：息を吸う期間、息を吐く期間、休息または回復の期間。歌唱の場合、呼吸には4つの段階がある：息を吸い込む期間（吸気）、コントロールを設定する期間（懸垂）、コントロールされた息を吐き出す期間（発音）、そして回復期間である。 これらの段階は、条件反射になるまで、歌手が意識的にコントロールしなければならない。多くの歌手は、反射が完全に条件付けされる前に意識的なコントロールを放棄し、最終的に慢性的な発声の問題につながる[49]。 |
| Vibrato Vibrato is a technique in which a sustained note wavers very quickly and consistently between a higher and a lower pitch, giving the note a slight quaver. Vibrato is the pulse or wave in a sustained tone. Vibrato occurs naturally and is the result of proper breath support and a relaxed vocal apparatus.[50] Some studies have shown that vibrato is the result of a neuromuscular tremor in the vocal folds. In 1922 Max Schoen was the first to make the comparison of vibrato to a tremor due to change in amplitude, lack of automatic control and it being half the rate of normal muscular discharge.[51] Some singers use vibrato as a means of expression. Many successful artists can sing a deep, rich vibrato. |
ヴィブラート ヴィブラートとは、持続音が高い音と低い音の間を非常に速く一貫して揺れ動くテクニックのことで、音にわずかな震えを与える。ビブラートは持続音における パルスや波のようなものである。ビブラートは自然に発生し、適切な息の支えとリラックスした声帯の結果である[50]。いくつかの研究では、ビブラートは 声帯の神経筋の震えの結果であることが示されている。1922年、マックス・シェーンは、振幅の変化、自動制御の欠如、通常の筋放電の半分の速度であるこ とから、ビブラートを震えと比較した最初の人物である[51]。成功したアーティストの多くは、深く豊かなビブラートをかけることができる。 |
| Extended vocal technique Extended vocal techniques include rapping, screaming, growling, overtones, sliding, falsetto, yodeling, belting, use of vocal fry register, using sound reinforcement systems, among others. A sound reinforcement system is the combination of microphones, signal processors, amplifiers, and loudspeakers. The combination of such units may also use reverb, echo chambers and Auto-Tune among other devices. |
拡張ボーカルテクニック 拡張ボーカル・テクニックには、ラップ、スクリーム、うなり声、倍音、スライディング、ファルセット、ヨーデル、ベルティング、ボーカル・フライ音域の使 用、サウンド・リインフォースメント・システムの使用などがある。サウンド・リインフォースメント・システムとは、マイクロフォン、シグナル・プロセッ サー、アンプ、ラウドスピーカーの組み合わせのことである。このようなユニットの組み合わせには、リバーブ、エコーチェンバー、オートチューンなども使わ れる。 |
| Vocal music Main article: Vocal music Vocal music is music performed by one or more singers, which are typically called songs, and which may be performed with or without instrumental accompaniment, in which singing provides the main focus of the piece. Vocal music is probably the oldest form of music since it does not require any instrument or equipment besides the voice. All musical cultures have some form of vocal music and there are many long-standing singing traditions throughout the world's cultures. Music which employs singing but does not feature it prominently is generally considered instrumental music. For example, some blues rock songs may have a short, simple call-and-response chorus, but the emphasis in the song is on the instrumental melodies and improvisation. Vocal music typically features sung words called lyrics, although there are notable examples of vocal music that are performed using non-linguistic syllables or noises, sometimes as musical onomatopoeia. A short piece of vocal music with lyrics is broadly termed a song, although, in classical music, terms such as aria are typically used. |
声楽 主な記事 声楽 声楽は、一人または複数の歌い手によって演奏される音楽で、一般的に歌曲と呼ばれ、楽器の伴奏付きで演奏される場合と伴奏なしで演奏される場合がある。声 楽は、声以外の楽器や道具を必要としないため、おそらく最も古い音楽形態である。すべての音楽文化には何らかの形の声楽があり、世界の文化圏には古くから 歌い継がれてきた伝統が数多く存在する。歌唱を用いるが、歌唱を大きくフィーチャーしない音楽は、一般的に器楽音楽とみなされる。例えば、ブルース・ロッ クの曲の中には、短くてシンプルなコール・アンド・レスポンスのコーラスがあるものもあるが、曲の中で強調されているのは楽器のメロディーと即興演奏であ る。ヴォーカル・ミュージックは通常、歌詞と呼ばれる言葉を歌うのが特徴だが、非言語的な音節や雑音を使って演奏されるヴォーカル・ミュージックの顕著な 例もあり、音楽的オノマトペとして使われることもある。歌詞のある短い声楽曲は広く歌曲と呼ばれるが、クラシック音楽では一般的にアリアなどの用語が使わ れる。 |
| Genres of vocal music Main article: Music genre  A trio of female singers performing at the Berwald Hall in 2016 Vocal music is written in many different forms and styles which are often labeled within a particular genre of music. These genres include popular music, art music, religious music, secular music, and fusions of such genres. Within these larger genres are many subgenres. For example, popular music would encompass blues, jazz, country music, easy listening, hip hop, rock music, and several other genres. There may also be a subgenre within a subgenre such as vocalese and scat singing in jazz. |
声楽のジャンル 主な記事 音楽ジャンル 2016年、ベルワルド・ホールで演奏する女性歌手トリオ 声楽音楽は多くの異なる形式やスタイルで作曲されており、それらはしばしば特定の音楽ジャンルに分類される。これらのジャンルには、ポピュラー音楽、芸術 音楽、宗教音楽、世俗音楽、そしてそれらの融合が含まれる。これらの大きなジャンルの中には、多くのサブジャンルがある。例えば、ポピュラー音楽には、ブ ルース、ジャズ、カントリーミュージック、イージーリスニング、ヒップホップ、ロックミュージック、その他いくつかのジャンルが含まれる。また、ジャズに おけるヴォーカルやスキャットのように、サブジャンルの中にサブジャンルがある場合もある。 |
| Popular and traditional music In many modern pop musical groups, a lead singer performs the primary vocals or melody of a song, as opposed to a backing singer who sings backup vocals or the harmony of a song. Backing vocalists sing some, but usually, not all, parts of the song often singing only in a song's refrain or humming in the background. An exception is five-part gospel a cappella music, where the lead is the highest of the five voices and sings a descant and not the melody. Some artists may sing both the lead and backing vocals on audio recordings by overlapping recorded vocal tracks. Popular music includes a range of vocal styles. Hip hop uses rapping, the rhythmic delivery of rhymes in a rhythmic speech over a beat or without accompaniment. Some types of rapping consist mostly or entirely of speech and chanting, like the Jamaican "toasting". In some types of rapping, the performers may interpolate short sung or half-sung passages. Blues singing is based on the use of the blue notes – notes sung at a slightly lower pitch than that of the major scale for expressive purposes. In heavy metal and hardcore punk subgenres, vocal styles can include techniques such as screams, shouts, and unusual sounds such as the "death growl". One difference between live performances in the popular and Classical genres is that whereas Classical performers often sing without amplification in small- to mid-size halls, in popular music, a microphone and PA system (amplifier and speakers) are used in almost all performance venues, even a small coffee house. The use of the microphone has had several impacts on popular music. For one, it facilitated the development of intimate, expressive singing styles such as "crooning" which would not have enough projection and volume if done without a microphone. As well, pop singers who use microphones can do a range of other vocal styles that would not project without amplification, such as making whispering sounds, humming, and mixing half-sung and sung tones. As well, some performers use the microphone's response patterns to create effects, such as bringing the mic very close to the mouth to get an enhanced bass response, or, in the case of hip-hop beatboxers, doing plosive "p" and "b" sounds into the mic to create percussive effects. In the 2000s, controversy arose over the widespread use of electronic Auto-Tune pitch correction devices with recorded and live popular music vocals. Controversy has also arisen due to cases where pop singers have been found to be lip-syncing to a pre-recorded recording of their vocal performance or, in the case of the controversial act Milli Vanilli, lip-syncing to tracks recorded by other uncredited singers. While some bands use backup singers who only sing when they are on stage, it is common for backup singers in popular music to have other roles. In many rock and metal bands, the musicians doing backup vocals also play instruments, such as rhythm guitar, electric bass, or drums. In Latin or Afro-Cuban groups, backup singers may play percussion instruments or shakers while singing. In some pop and hip hop groups and in musical theater, the backup singers may be required to perform elaborately choreographed dance routines while they sing through headset microphones. |
ポピュラー音楽と伝統音楽 現代の多くのポップミュージック・グループでは、リード・シンガーが曲の主要なボーカルやメロディーを担当し、バック・ボーカルや曲のハーモニーを歌う バック・シンガーとは対照的である。バッキング・ヴォーカリストは曲の一部を歌うが、通常は曲のリフレイン部分のみを歌ったり、バックで鼻歌を歌ったりす ることが多い。5声のゴスペル・アカペラは例外で、リード・ヴォーカルは5声の中で最も高い声で、メロディではなくデサントを歌う。録音されたヴォーカ ル・トラックを重ねて、リード・ヴォーカルとバッキング・ヴォーカルの両方を歌うアーティストもいる。 ポピュラー音楽には様々なヴォーカル・スタイルがある。ヒップホップでは、ビートに乗せて、あるいは伴奏なしで、リズミカルに韻を踏むラップが使われる。 ラップの種類によっては、ジャマイカの「乾杯」のように、ほとんど、あるいは完全に話し声と詠唱で構成されているものもある。ラップの種類によっては、パ フォーマーが短い歌や半歌のパッセージを挿入することもある。ブルース・シンガーは、ブルーノート（長音階の音よりもわずかに低い音程で歌う音）を使って 表現する。ヘヴィメタルやハードコア・パンクのサブジャンルでは、ヴォーカル・スタイルにはスクリームやシャウト、「デス・グロール」のような珍しいサウ ンドなどのテクニックが含まれる。 ポピュラー音楽とクラシックのライブ・パフォーマンスの違いのひとつは、クラシックのパフォーマティが小中規模のホールでアンプなしで歌うことが多いのに 対し、ポピュラー音楽では、小さな喫茶店であっても、ほとんどすべての演奏会場でマイクとPAシステム（アンプとスピーカー）が使われることだ。マイクの 使用は、ポピュラー音楽にいくつかの影響を与えた。ひとつは、「クルーニング」のような親密で表現力豊かな歌唱スタイルの発展を促したことである。また、 マイクを使うポップス歌手は、囁くような音を出したり、ハミングをしたり、半歌半歌のトーンをミヘしたりと、増幅なしでは映し出せないような様々なボーカ ルスタイルができるようになった。また、マイクを口に近づけて低音のレスポンスを高めたり、ヒップホップ・ビートボクサーの場合は、マイクに向かって 「プ」や「ブ」の音を出してパーカッシブなエフェクトをかけるなど、マイクのレスポンス・パターンを使ってエフェクトをかけるパフォーマティもいる。 2000年代には、録音されたポピュラー音楽のヴォーカルやライブのヴォーカルに、電子的なオートチューンのピッチ補正装置が広く使用されたことで、論争 が起こった。また、ポップ・シンガーが、事前に録音された自分のボーカル・パフォーマンスをリップシンク（口パク）していたり、物議を醸したミリ・ヴァニ リのように、クレジットされていない他のシンガーが録音したトラックをリップシンクしていることが発覚し、物議を醸したこともある。 ステージにいるときだけ歌うバック・シンガーを起用するバンドもあるが、ポピュラー音楽のバック・シンガーには他の役割もあるのが普通だ。多くのロックバ ンドやメタルバンドでは、バックボーカルを務めるミュージシャンはリズムギター、エレキベース、ドラムなどの楽器も演奏する。ラテンやアフロキューバンの グループでは、バックアップシンガーが歌いながら打楽器やシェイカーを演奏することもある。ポップスやヒップホップのグループやミュージカル・シアターで は、バック・シンガーがヘッドセット・マイクを通して歌いながら、入念に振り付けされたダンスを披露することもある。 |
| Careers The salaries and working conditions for vocalists vary a great deal. While jobs in other music fields such as music education choir conductors tend to be based on full-time, salaried positions, singing jobs tend to be based on contracts for individual shows or performances, or for a sequence of shows. Aspiring singers and vocalists must have musical skills, an excellent voice, the ability to work with people, and a sense of showmanship and drama. Additionally, singers need to have the ambition and drive to continually study and improve.[52] Professional singers continue to seek out vocal coaching to hone their skills, extend their range, and learn new styles. As well, aspiring singers need to gain specialized skills in the vocal techniques used to interpret songs, learn about the vocal literature from their chosen style of music, and gain skills in choral music techniques, sight singing and memorizing songs, and vocal exercises. Some singers learn other music jobs, such as the composing, music producing and songwriting. Some singers put videos on YouTube and streaming apps. Singers market themselves to buyers of vocal talent, by doing auditions in front of a music director. Depending on the style of vocal music that a person has trained in, the "talent buyers" that they seek out may be record company, A&R representatives, music directors, choir directors, nightclub managers, or concert promoters. A CD or DVD with excerpts of vocal performances is used to demonstrate a singer's skills. Some singers hire an agent or manager to help them to seek out paid engagements and other performance opportunities; the agent or manager is often paid by receiving a percentage of the fees that the singer gets from performing onstage. |
キャリア 声楽家の給与や労働条件は実にさまざまだ。音楽教育や合唱指揮者など他の音楽分野の仕事は、フルタイムの有給職を基本とする傾向があるが、歌の仕事は、個々のショーや公演、あるいは一連のショーの契約を基本とする傾向がある。 歌手やヴォーカリスト志望者は、音楽的なスキル、優れた声、人と協調する能力、ショーマンシップやドラマのセンスを持っていなければならない。さらに、歌手には絶えず勉強し、上達しようとする野心と意欲が必要である[52]。 プロの歌手は、技術を磨き、音域を広げ、新しいスタイルを学ぶために、ヴォーカル・コーチングを求め続けている。また、歌手志望者は、歌の解釈に使われる 発声法の専門的なスキルを身につけ、自分が選んだ音楽スタイルの声楽文献について学び、合唱のテクニック、視唱や暗譜、発声練習のスキルを身につける必要 がある。 作曲、音楽プロデュース、作詞など、他の音楽の仕事を学ぶ歌手もいる。YouTubeやストリーミングアプリに動画をアップする歌手もいる。シンガーは、 音楽ディレクターの前でオーディションを受けることで、ボーカル・タレントのバイヤーに自分自身を売り込む。人格が訓練を受けてきた声楽のスタイルにもよ るが、彼らが求める「才能の買い手」は、レコード会社、A&R担当者、音楽ディレクター、合唱団のディレクター、ナイトクラブのマネージャー、コ ンサート・プロモーターかもしれない。ボーカル・パフォーマンスの抜粋を収録したCDやDVDは、歌手のスキルを示すために使われる。歌手の中には、エー ジェントやマネージャーを雇い、有料の契約やその他のパフォーマンスの機会を探す手助けをする者もいる。エージェントやマネージャーは、歌手がステージで パフォーマンスすることで得たギャラの何割かを受け取ることで報酬を得ている場合が多い。 |
| Singing competitions See also: Music competition There are several television shows that showcase singing. American Idol was launched in 2002. The first singing reality show was Sa Re Ga Ma Pa launched by Zee TV in 1995.[53] At the American Idol Contestants audition in front of a panel of judges to see if they can move on to the next round in Hollywood, from then, the competition begins. The field of contestants is narrowed down week by week until a winner is chosen. To move on to the next round, the contestants' fate is determined by a vote by viewers. The Voice is another singing competition program. Similar to American Idol, the contestants audition in front of a panel of judges, however, the judges' chairs are faced towards the audience during the performance. If the coaches are interested in the artist, they will press their button signifying they want to coach them. Once the auditions conclude, coaches have their team of artists and the competition begins. Coaches then mentor their artists and they compete to find the best singer. Other well-known singing competitions include The X Factor, America's Got Talent, Rising Star and The Sing-Off. A different example of a singing competition is Don't Forget the Lyrics!, where the show's contestants compete to win cash prizes by correctly recalling song lyrics from a variety of genres. The show contrasts to many other music-based game shows in that artistic talent (such as the ability to sing or dance in an aesthetically pleasing way) is irrelevant to the contestants' chances of winning; in the words of one of their commercials prior to the first airing, "You don't have to sing it well; you just have to sing it right." In a similar vein, The Singing Bee combines karaoke singing with a spelling bee-style competition, with the show featuring contestants trying to remember the lyrics to popular songs. |
歌唱コンクール こちらも参照のこと： 音楽コンクール 歌を紹介するテレビ番組はいくつかある。アメリカン・アイドルは2002年に始まった。最初の歌謡リアリティ番組は、1995年にZee TVが開始したSa Re Ga Ma Paだった[53]。アメリカン・アイドルでは、出場者が審査員の前でオーディションを受け、ハリウッドでの次のラウンドに進めるかどうかを確認する。出 場者のフィールドは、勝者が選ばれるまで、週ごとに絞り込まれる。次のラウンドに進むために、出場者の運命は視聴者の投票によって決定される。ザ・ヴォイ ス』も歌のコンテスト番組である。アメリカン・アイドルと同様、出場者は審査員の前でオーディションを受けるが、審査員の椅子はパフォーマンス中、観客の 方を向いている。もしコーチ陣がそのアーティストに興味を持ったら、コーチングを希望することを示すボタンを押す。オーディションが終わると、コーチは アーティストのチームを編成し、コンペティションが始まる。コーチはアーティストを指導し、彼らは最高の歌手を見つけるために競い合う。他の有名な歌のコ ンテストには、『Xファクター』、『アメリカズ・ゴット・タレント』、『ライジング・スター』、『ザ・シングオフ』などがある。 この番組では、出場者が様々なジャンルの曲の歌詞を正しく思い出して賞金を獲得することを競う。この番組は、他の多くの音楽ベースのゲーム番組とは対照的 に、芸術的才能（美的に美しい歌い方やダンスの能力など）は出場者の勝算には無関係である。似たような番組として、『The Singing Bee』はカラオケ歌唱とスペリング大会風の競技を組み合わせたもので、出場者が人気曲の歌詞を覚えようとする番組である。 |
| Singing and language Every spoken language, natural or non-natural language has its own intrinsic musicality which affects singing by means of pitch, phrasing, and accent. American Sign Language: Artistic Song Signing An artistic signer, a signer who translates the lyrics of a song into American Sign Language (ASL), can modify existing signs, create new signs from the three basic parameters of sign language, and manipulate the typical signing space, thus deliberately expressing "rhythm, pitch, phrasing, and timbre."[54] Moreover, an artistic signer can be a person who is "Deaf, hearing, or hard of hearing" such as Justina Miles, a Deaf performer who used ASL to interpret Rihanna's 2023 Super Bowl Halftime Show performance, and Stephen Torrence, a hearing person who created signed songs on YouTube.[54] [55] |
歌と言語 自然言語であれ非自然言語であれ、あらゆる話し言葉には固有の音楽性があり、それはピッチ、フレージング、アクセントによって歌唱に影響を与える。 アメリカ手話： アーティスティック・ソング・サイン アーティスティック・シンガーは、歌の歌詞をアメリカ手話（ASL）に翻訳するシンガーであり、既存の手話を修正したり、手話の3つの基本パラメータから 新しい手話を創作したり、典型的な手話空間を操作したりすることができる。 「さらに、アーティスティック・シンガーは、リアーナの2023年のスーパーボウル・ハーフタイムショーのパフォーマンスをASLで通訳したろう者パ フォーマーのジャスティナ・マイルズや、YouTubeで手話ソングを制作した聴者のスティーブン・トーレンスなど、「ろう者、聴者、難聴者」の人格であ ることもある[54] [55]。 |
| Neurological aspects Much research has been done recently on the link between music and language, especially singing. It is becoming increasingly clear that these two processes are very much alike, and yet also different. Levitin describes how, beginning with the eardrum, sound waves are translated into pitch, or a tonotopic map, and then shortly thereafter "speech and music probably diverge into separate processing circuits" (130).[56] There is evidence that neural circuits used for music and language may start out in infants undifferentiated. There are several areas of the brain that are used for both language and music. For example, Brodmann area 47, which has been implicated in the processing of syntax in oral and sign languages, as well as musical syntax and semantic aspects of language. Levitin recounts how in certain studies, "listening to music and attending its syntactic features", similar to the syntactic processes in language, activated this part of the brain. In addition, "musical syntax ... has been localized to ... areas adjacent to and overlapping with those regions that process speech syntax, such as Broca's area" and "the regions involved in musical semantics ... appear to be [localized] near Wernicke's area." Both Broca's area and Wernicke's area are important steps in language processing and production. Singing has been shown to help stroke victims recover speech. According to neurologist Gottfried Schlaug, there is a corresponding area to that of speech, which resides in the left hemisphere, on the right side of the brain.[57] This is casually known as the "singing center". By teaching stroke victims to sing their words, this can help train this area of the brain for speech. In support of this theory, Levitin asserts that "regional specificity", such as that for speech, "may be temporary, as the processing centers for important mental functions actually move to other regions after trauma or brain damage."[56] Thus in the right hemisphere of the brain, the "singing center" may be retrained to help produce speech.[58] |
神経学的側面 最近、音楽と言語、特に歌唱の関連性について多くの研究がなされている。この2つのプロセスは非常によく似ているが、同時に異なるものでもあることが明ら かになりつつある。レヴィティンは、鼓膜から始まり、音波が音高、つまりトノトピックマップに変換され、その後まもなく「音声と音楽はおそらく別々の処理 回路に分岐する」(130)と述べている[56]。音楽と言語に使われる神経回路は、乳児のうちは未分化のまま始まる可能性があるという証拠がある。脳に は言語と音楽の両方に使われる領域がいくつかある。例えば、ブロドマン野47は、口話言語や手話言語における構文の処理だけでなく、音楽的構文や言語の意 味的側面の処理にも関与している。レヴィティンは、ある研究では「音楽を聴き、その構文の特徴に注目する」ことで、言語における構文処理と同様に、脳のこ の部分が活性化したと語っている。さらに、「音楽の構文は......ブローカ野のような音声の構文を処理する領域に隣接し、重なり合う領域に局在してい る」「音楽の意味論に関わる領域は......ウェルニッケ野の近くにあるようだ」。ブローカ野もウェルニッケ野も、言語処理と言語生成の重要なステップ である。 歌うことは脳卒中患者の言語回復を助けることが示されている。神経学者のゴットフリート・シュラウグによると、脳の右側の左半球に、発声に対応する領域が ある[57]。脳卒中患者に自分の言葉を歌うことを教えることで、脳のこの領域を発話のために訓練することができる。この説を支持するものとして、レヴィ ティンは、発話のような「領域特異性」は、「外傷や脳損傷の後、重要な精神機能の処理中枢が実際には他の領域に移動するため、一時的なものである可能性が ある」と主張している[56]。したがって、脳の右半球では、「歌唱中枢」が発話のために再教育される可能性がある[58]。 |
| Accents and singing [icon] This section needs expansion. You can help by adding to it. (January 2013) The speaking dialect or accent of a person may differ greatly from the general singing accent that a person uses while singing. When people sing, they generally use the accent or neutral accent that is used in the style of music they are singing in, rather than a regional accent or dialect; the style of music and the popular center/region of the style has more influence on the singing accent of a person than where they come from. For example, in the English language, British singers of rock or popular music often sing in an American accent or neutral accent instead of an English accent.[59][60] |
アクセントと歌 [アイコン］ このセクションは拡張が必要だ。追加することで手助けができる。(2013年1月） ある人格が話すときの方言やアクセントは、その人格が歌うときに使う一般的なアクセントとは大きく異なる場合がある。人は歌うとき、地域のアクセントや方 言ではなく、歌っている音楽のスタイルで使われているアクセントやニュートラルなアクセントを使うのが一般的だ。音楽のスタイルや、そのスタイルの人気の 中心地・地域は、その人格の出身地よりも歌のアクセントに大きな影響を与える。例えば、英語では、ロックやポピュラー音楽のイギリス人歌手は、英語訛りで はなく、アメリカ訛りや中性的な訛りで歌うことが多い[59][60]。 |
| List of multilingual bands and artists Sign singing Art music A cappella Aria Bel canto Chanson Chiaroscuro (music) Choral music Fach Group singing Musician Opera Overtone singing Recitative Singer-songwriter Sprechgesang Throat singing Voice pedagogy Voice projection Voice type Yodeling Winsingad Other music Beat boxing Belt (music) Death growl Humming Isicathamiya Kulning Lead vocalist Mbube Rapping Screaming (music) Songwriter Vocoder Physiology N-acylethanolamine (NAE) |
多言語バンドとアーティストのリスト 手話歌唱 アート音楽 アカペラ アリア ベルカント シャンソン キアロスクーロ 合唱曲 ファッハ 集団歌唱 音楽家 オペラ 倍音唱法 レチタティーヴォ シンガーソングライター シュプレヒゲザング 喉歌唱 声楽教育学 声の投射 声のタイプ ヨーデル ウィンシンガド その他の音楽 ビート・ボクシング ベルト（音楽） デスグロール ハミング イシカタミヤ クルニング リードボーカル ムブベ ラップ スクリーミング（音楽） ソングライター ボコーダー 生理学 N-アシルエタノールアミン（NAE） |
| Blackwood, Alan. The Performing
World of the Singer. London: Hamish Hamilton, 1981. 113 p., amply ill.
(mostly with photos.). ISBN 0-241-10588-9 Platte, S. L.; et al. (2024). "Breathing with the Conductor? A Prospective, Quasi-Experimental Exploration of Breathing Habits in Choral Singers". Journal of Voice. 38 (1): 152–160. doi:10.1016/j.jvoice.2021.07.020. PMID 34551860. S2CID 237608913. Reid, Cornelius. A Dictionary of Vocal Terminology: an Analysis. New York: J. Patelson Music House, 1983. ISBN 0-915282-07-0 |
ブラックウッド、アラン 歌手のパフォーマティビティの世界。London: Hamish Hamilton, 1981. 113 p., 豊富な図版（ほとんどが写真）。ISBN 0-241-10588-9 Platte, S. L.; et al. 「指揮者と一緒に呼吸する？A Prospective, Quasi-Experimental Exploration of Breathing Habits in Choral Singers」. Journal of Voice. 38 (1): 152–160. doi:10.1016/j.jvoice.2021.07.020. PMID 34551860. S2CID 237608913. Reid, Cornelius. A Dictionary of Vocal Terminology: an Analysis. New York： J. Patelson Music House, 1983. ISBN 0-915282-07-0 |
| https://en.wikipedia.org/wiki/Singing |
リ ンク
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