音楽と政治
Music and politics
☆ 音楽と政治の結びつきは、多くの文化に見られる。古今東西の人々、特に政治家、政治に関わる音楽家、そしてリスナーは、音楽は、体制に対する拒絶（「反体 制」）や、反戦歌による戦争を含む国家や個人の行動に対する抗議といった政治的な思想やイデオロギーを「表現」することができると考えている。人々が政治 的だと考える音楽にはこうした意味や効果があるため、音楽は政治運動やデモ行進、国家的儀式において重要な役割を果たす。政治的とみなされる、あるいは政 治に関連する音楽の多くは（すべてではないが）歌謡曲であり、その多くは時事的な歌謡曲、すなわち特定の時代や場所に向けて作られた時事的な歌詞を持つ歌 謡曲である。
| The connection
between music and politics has been seen in many cultures. People in
the past and present – especially politicians, politically-engaged
musicians and listeners – hold that music can 'express' political ideas
and ideologies, such as rejection of the establishment
('anti-establishment') or protest against state or private actions,
including war through anti-war songs, but also energize national
sentiments and nationalist ideologies through national anthems and
patriotic songs. Because people attribute these meanings and effects to
the music they consider political, music plays an important role in
political campaigns, protest marches as well as state ceremonies. Much
(but not all) of the music that is considered political or related to
politics are songs, and many of these are topical songs, i.e. songs
with topical lyrics, made for a particular time and place.[1] |
音楽と政治の結びつきは、多くの文化に見られる。古今東西の人々、特に
政治家、政治に関わる音楽家、そしてリスナーは、音楽は、体制に対する拒絶（「反体制」）や、反戦歌による戦争を含む国家や個人の行動に対する抗議といっ
た政治的な思想やイデオロギーを「表現」することができると考えている。人々が政治的だと考える音楽にはこうした意味や効果があるため、音楽は政治運動や
デモ行進、国家的儀式において重要な役割を果たす。政治的とみなされる、あるいは政治に関連する音楽の多くは（すべてではないが）歌謡曲であり、その多く
は時事的な歌謡曲、すなわち特定の時代や場所に向けて作られた時事的な歌詞を持つ歌謡曲である[1]。 |
| Introduction Although the use of music to mobilise political activists (and their audiences) as well as to enhance the impact of political rituals on political actors and people observing the rituals from the outside suggests that music in political contexts has an impact on participants and audiences, it is not clear how or to what extent general audiences relate to music in political contexts.[2] Songs can be used to "transport" (or more precisely: accompany) lyrics with a political message. Like any political message, the political message of a song text set to music cannot be understood independently of its contemporary political context. It may have been clear to contemporaries, but historians studying past texts (with or without music) need to reconstruct the political 'content' of the lyrics and the political contexts in order to fully understand the texts (here: lyrics). In this everyday musical discourse, participants use the term "political music" to refer to songs (i.e. a combination of music with lyrics the latter set to the music and performed vocally). The political lyrics of such songs can in turn refer to an unlimited spectrum of political subjects, i.e. articulate both state-affirming and partisan opinions, or call for concrete political action. Additionally, a distinction can be made between the use of lyrics that raise awareness and support the formation of a certain political 'consciousness' and lyrics 'as advocacy'.[3] Participants in the informed discourse about music are aware that music itself is not political. If music listeners (including performers, composers, politicians and authorities who know music because they listen to it) "see" a relationship between certain music and politics, this is because, as a result of consequential logic, they attribute to this music the capacity to initiate certain (political) beliefs or behaviours in listeners. This relationship is also due to the specific functioning of music as a sign system, which is primarily based on similarities, structural analogies and associations that listeners construct between the music they listen to and non-musical things and phenomena.[4][5] Furthermore, some forms of music may be deemed political by cultural association, irrespective of political content, as evidenced by the way Western pop/rock bands such as The Beatles were censored by the State in the Eastern Bloc in the 1960s and 1970s, while being embraced by younger people as symbolic of social change.[6] This points to the possibilities for discrepancy between the political intentions of musicians (if any), and reception of their music by wider society. Conversely, there is the possibility of the meaning of deliberate political content being missed by its intended audience, reasons for which could include obscurity or delivery of message, or audience indifference or antipathy. It is difficult to predict how audiences will respond to political music, in terms of aural or even visual cues.[2] For example, Bleich and Zillmann found that "counter to expectations, highly rebellious students did not enjoy defiant rock videos more than did their less rebellious peers, nor did they consume more defiant rock music than did their peers",[2] suggesting there may be little connection between behaviour and musical taste. Pedelty and Keefe argue that "It is not clear to what extent the political messages in and around music motivate fans, become a catalyst for discussion, [or] function aesthetically". However, in contrast they cite research that concludes, based on interpretive readings of lyrics and performances with a strong emphasis on historical contexts and links to social groups, that "given the right historical circumstances, cultural conditions, and aesthetic qualities, popular music can help bring people together to form effective political communities".[2] Recent research has also suggested that in many schools around the world, including in modern democratic nations, music education has sometimes been used for the ideological purpose of instilling patriotism in children, and that particularly during wartime patriotic singing can escalate to inspire destructive jingoism.[7] Plato wrote: "musical innovation is full of danger to the whole state, and ought to be prohibited. When modes of music change, the fundamental laws of the state always change with them;"[8] although this was written as a warning it can be taken as a revolutionary statement that music is much more than just melodies and harmonies but an important movement in the life of all human beings. |
はじめに 政治活動家（とその聴衆）を動員するためや、政治的儀式が政治関係者や儀式を外部から観察する人々に与える影響を高めるために音楽が使われることは、政治 的文脈における音楽が参加者や聴衆に影響を与えることを示唆しているが、一般の聴衆が政治的文脈における音楽にどのように、あるいはどの程度関係している かは明らかでない[2]。どのような政治的メッセージもそうであるように、音楽に乗せた歌のテキストの政治的メッセージも、その現代の政治的文脈から独立 して理解することはできない。同時代の人々にとっては明確であったかもしれないが、（音楽の有無にかかわらず）過去のテキストを研究する歴史家は、テキス ト（ここでは歌詞）を完全に理解するために、歌詞の政治的「内容」と政治的文脈を再構築する必要がある。このような日常的な音楽談義において、参加者は 「政治的音楽」という用語を歌曲（すなわち、音楽と歌詞の組み合わせ、後者は音楽に合わせて設定され、ボーカルで演奏される）を指すために使用する。その ような歌の政治的歌詞は、無限の政治的主題を指すことができる。つまり、国家肯定の意見と党派的意見の両方を明確にしたり、具体的な政治的行動を呼びかけ たりする。さらに、意識を高め、ある種の政治的な「意識」の形成を支援する歌詞の使用と、「主張としての」歌詞とは区別することができる[3]。 音楽に関する情報に基づいた言説の参加者は、音楽そのものが政治的なものではないことを認識している。音楽の聴き手（演奏家、作曲家、政治家、音楽を聴い ているからこそ音楽を知っている権威者を含む）が、ある音楽と政治との関係を「見る」とすれば、それは結果論的な論理の結果として、聴き手に特定の（政治 的な）信念や行動を起こさせる能力をこの音楽に帰結させるからである。この関係はまた、聴き手が聴く音楽と音楽以外の事物や現象との間に構築する類似性、 構造的類推、連想に主に基づく、記号体系としての音楽の特異な機能によるものである[4][5]。 さらに、ビートルズのような西洋のポップ／ロックバンドが、1960年代と1970年代に東欧圏で国家によって検閲された一方で、若い人々には社会変革の 象徴として受け入れられたことからもわかるように、音楽の形態によっては、政治的な内容とは関係なく、文化的な連想によって政治的とみなされることもある [6]。逆に、意図的な政治的内容の意味が、意図された聴衆によって聞き逃される可能性もある。その理由としては、メッセージの不明瞭さや伝わりにくさ、 聴衆の無関心や反感などが考えられる。 例えば、BleichとZillmannは、「予想に反して、反抗的な生徒は、反抗的でない生徒よりも反抗的なロック・ビデオを楽しむことはなく、反抗的 なロック・ミュージックを消費することもなかった」[2]ことを発見し、行動と音楽的嗜好の間にはほとんど関連性がない可能性を示唆している。 PedeltyとKeefeは、「音楽の中やその周辺にある政治的メッセージが、どの程度ファンを動機づけたり、議論のきっかけになったり、[あるいは] 美学的に機能するかは明らかではない」と論じている。 しかし、対照的に彼らは、歴史的文脈や社会集団とのつながりを強く重視した歌詞やパフォーマンスの解釈的読解に基づき、「適切な歴史的状況、文化的条件、 美的特質があれば、ポピュラー音楽は人々を効果的な政治的共同体を形成するために結びつけるのに役立つ」と結論づける研究を引用している[2]。 また最近の研究では、現代の民主主義国家を含む世界中の多くの学校において、音楽教育が子どもたちに愛国心を植え付けるというイデオロギー的な目的のため に使われることがあり、特に戦時中には愛国的な歌唱がエスカレートして破壊的なジンゴイズムを鼓舞することがあることが示唆されている[7]。 プラトンは「音楽の革新は国家全体に対する危険に満ちており、禁止されるべきである」と書いている。これは警告として書かれたものだが、音楽は単なるメロ ディーやハーモニー以上のものであり、すべての人間の生活における重要な運動であるという革命的な声明として受け取ることができる。 |
| Folk music American folk revival The song "We Shall Overcome" is perhaps the best-known example of political folk music, in this case a rallying-cry for the US Civil Rights Movement. Pete Seeger was involved in the popularisation of the song, as was Joan Baez.[9] During the early part of the 20th century, poor working conditions and class struggle lead to the growth of the Labour movement and numerous songs advocating social and political reform. The most famous songwriter of the early 20th century "Wobblies" was Joe Hill. Later, from the 1940s through the 1960s, groups like the Almanac Singers and The Weavers were influential in reviving this type of socio-political music. Woody Guthrie's "This Land Is Your Land" is one of the most famous American folk songs and its lyrics exemplify Guthrie's socialistic patriotism.[10] Pete Seeger's "Where Have All the Flowers Gone?", was a popular anti-war protest song.[11] Many of these types of songs became popular during the Vietnam War era. "Blowin' in the Wind", by Bob Dylan, was a hit for Peter, Paul and Mary, and suggested that a younger generation was becoming more aware of global problems than many of the older generation.[12] In 1964, Joan Baez had a top-ten hit in the UK[13] with "There but for Fortune" (by Phil Ochs); it was a plea for the innocent victim of prejudice or inhumane policies.[14] Many topical songwriters with social and political messages emerged from the folk music revival of the 1960s, including Bob Dylan, Joan Baez, Phil Ochs,[15] Tom Paxton, Buffy Sainte-Marie, Judy Collins, Arlo Guthrie, and others. The folk revival can be considered as a political re-invention of traditional song, a development encouraged by Left-leaning folk record labels and magazines such as Sing Out! and Broadside. The revival began in the 1930s[16] and continued after World War II. Folk songs of this time gained popularity by using old hymns and songs but adapting the lyrics to fit the current social and political conditions.[17] Archivists and artists such as Alan Lomax, Lead Belly and Woody Guthrie were crucial in popularising folk music, and the latter began to be known as the Lomax singers.[18] This was an era of folk music in which some artists and their songs expressed clear political messages with the intention of swaying public opinion and recruiting support.[19] In the UK, Ewan MacColl[20] and A. L. Lloyd performed similar roles, with Lloyd as folklorist[21] and MacColl (often with Peggy Seeger) releasing dozens of albums which blended traditional songs with newer political material influenced by their Communist activism.[22][23][24] In the later, post-war revival, folk music found a new audience with college students, partly since universities provided the organisation necessary for sustaining music trends and an expanded, impressionable audience looking to rebel against the older generation.[25] Nevertheless, the rhetoric of the United States government during the Cold War era was very powerful and in some ways overpowered the message of folk artists, such as in relation to public opinion regarding Communist-backed political causes. Various Gallup Polls that were conducted during this time suggest that Americans consistently saw Communism as a threat; for example, a 1954 poll shows that at the time 51% of Americans said that admitted Communists should be arrested, and in relation to music 64% of respondents said that if a radio singer is an admitted Communist he should be fired.[26] Leading figures in the American folk revival such as Seeger, Earl Robinson and Irwin Silber were or had been members of the Communist Party, while others such as Guthrie (who had written a column for CPUSA magazine New Masses), Lee Hays and Paul Robeson were considered fellow travellers. As McCarthyism began to dominate the United States population and government, it was more difficult for folk artists to travel and perform since folk was pushed out of mainstream music.[27] Artists were blacklisted, denounced by politicians and the media, and in the case of the 1949 Peekskill Riots, subject to mob attack. In general, the significance of lyrics within folk music reduced as it became influenced by rock and roll.[28] However, during the popular folk revival's last phase in the early 1960s, new folk artists such as Bob Dylan and Phil Ochs began writing their own, original topical music, as opposed to mainly adapting traditional folksong.[29] Contemporary Western folk music Although public attention shifted to rock music from the mid-1960s, folk singers such as Joan Baez and Tom Paxton continued to address political concerns in their music and activism. Baez's 1974 Gracias a la Vida[30] album was a response to events in Chile and included versions of songs by Nueva Canción Chilena singer-songwriters Violeta Parra and Victor Jara. Paxton albums such as Outward Bound[31] and Morning Again[32] continued to highlight political issues. They were joined by other activist musicians such as Holly Near,[33] Ray Korona, Charlie King, Anne Feeney, Jim Page, Utah Phillips and more recently David Rovics. In Ireland, the Wolfe Tones is perhaps the best known band in the folk protest/rebel music tradition, recording political material since the late 1960s including songs by Dominic Behan on albums such as Let the People Sing and Rifles of the I.R.A. Christy Moore has also recorded much political material, including on debut solo album Paddy on the Road, produced by and featuring songs by Dominic Behan, and on albums such as Ride On (including "Viva la Quinta Brigada"), Ordinary Man and various artists LP H Block to which Moore contributed "Ninety Miles from Dublin", in response to the Republican prisoners' blanket protest of the late 1970s. Earlier in the decade, The Barleycorn had held the #1 spot on the Irish charts for five weeks in 1972 with their first release "The Men Behind the Wire", about internment, with all profits going to the families of internees; Republican label R&O Records likewise released several records around this time to fundraise for the same cause, including the live album Smash Internment,[34] recorded in Long Kesh, and The Wolfhounds' recording of Paddy McGuigan's "The Boys of the Old Brigade".[35] In the UK, the Ewan MacColl tradition of political folk has been continued since the 1960s by singer-songwriters such as Roy Bailey,[36] Leon Rosselson[37] and Dick Gaughan.[38] Since the 1980s, a number of artists have blended folk protest with influences from punk and elsewhere to produce topical and political songs for a modern independent rock music audience, including Billy Bragg,[39] Attila the Stockbroker,[40] Robb Johnson,[41] Alistair Hulett,[42] The Men They Couldn't Hang,[43] TV Smith,[44] Chumbawamba[45] and more recently Chris T-T[46] and Grace Petrie.[47] Chicano folk Chicano folk music has long been a platform for political resistance and social commentary. From the 1960s and onward, Chicano musicians used their music to express their personal experiences of discrimination and oppression faced as Mexican-Americans in the United States. Political themes like the fight for immigrant rights, labor struggles, Chicano identity, and police brutality have been common subjects of their music. Through their music, Chicano musicians have also encouraged community empowerment, activism, and unity throughout the development of the Chicano Movement. Joan Baez is the most recognized figure of this movement.[48] Folk music around the world Folk music had a strong connection with politics internationally. Hungary, for instance, experimented with a form of liberal Communism in the late Cold War era, which was reflected in much of their folk music.[49] During the late twentieth century folk music was crucial in Hungary, Romania, Czechoslovakia and Yugoslavia as it allowed ethnicities to express their national identity in a time of political uncertainty and chaos.[50] In Communist China, exclusively national music was promoted. A flautist named Zhao Songtim – a member of the Zhejiang Song-and-Dance Troupe – attended an Arts festival in 1957 in Mexico but was punished for his international outlook by being expelled from the Troupe, and from 1966 to 1970 underwent "re-education". In 1973 he returned to the Troupe but was expelled again following accusations.[51] An example of folk music being used for conservative, rather than radical, political ends is shown by the cultural activities of Edward Lansdale, a CIA chief who dedicated part of his career to counter-insurgency in the Philippines and Vietnam. Lansdale believed that the government's best weapon against Communist rebellion was the support and trust of the population. In 1953 he arranged for the release of a campaign song widely credited with helping to elect Philippine president Ramon Magsaysay, an important US anti-communist ally.[52] In 1965, intrigued by local Vietnamese customs and traditions, and the potential use of 'applied folklore' as a technique of raising consciousness, he began to record and curate tapes of folk songs for intelligence purposes. He also urged performers such as Phạm Duy to write and perform patriotic songs to raise morale in South Vietnam. Duy had written topical songs popular during the anti-French struggle but then broke with the Communist-dominated Viet Minh.[52] |
フォーク音楽 アメリカン・フォーク・リバイバル ウィー・シャル・オーヴァーカム（We Shall Overcome）」という歌は、政治的フォーク音楽の最もよく知られた例であろう。ピート・シーガーは、ジョーン・バエズと同様にこの曲の普及に関わっ た[9]。20世紀初頭には、劣悪な労働条件と階級闘争によって労働運動が発展し、社会改革や政治改革を提唱する歌が数多く生まれた。20世紀初頭の 「ウォブリーズ」で最も有名なソングライターはジョー・ヒルである。その後、1940年代から1960年代にかけては、アルマナック・シンガーズやウィー バーズのようなグループが、この種の社会政治的な音楽の復活に影響を与えた。ウディ・ガスリーの "This Land Is Your Land "は最も有名なアメリカン・フォークソングのひとつであり、その歌詞はガスリーの社会主義的愛国主義を象徴している[10]。ボブ・ディランの "Blowin' in the Wind "は、ピーター・ポール・アンド・メアリーのヒット曲であり、若い世代が上の世代よりも世界的な問題を意識するようになっていることを示唆した[12]。 1964年には、ジョーン・バエズが "There but for Fortune"（フィル・オックス作）をイギリスでトップ10ヒットさせた[13]。 [14] ボブ・ディラン、ジョーン・バエズ、フィル・オックス、トム・パクストン[15]、バフィ・サント＝マリー、ジュディ・コリンズ、アーロ・ガスリーなど、 1960年代のフォーク音楽復興からは、社会的・政治的メッセージを持つ多くの話題性のあるソングライターが登場した。 フォーク・リバイバルは伝統的な歌の政治的な再発明と考えることができ、左派寄りのフォーク・レコード・レーベルや『シング・アウト！』や『ブロードサイ ド』といった雑誌によって奨励された発展であった。リバイバルは1930年代に始まり[16]、第二次世界大戦後も続いた。アラン・ローマックス、リー ド・ベリー、ウディ・ガスリーといったアーキビストやアーティストはフォーク・ミュージックを普及させる上で極めて重要であり、後者はローマックス歌手と して知られるようになった。 [18] この時代はフォーク音楽の時代であり、一部のアーティストとその歌は、世論を動かして支持を集めることを意図して明確な政治的メッセージを表現していた [19]。 英国ではユアン・マッコール（Ewan MacColl）[20]とA・L・ロイド（A. L. Lloyd）が同様の役割を果たし、ロイドは民俗学者として[21]、マッコールは（しばしばペギー・シーガー（Peggy Seeger）と共に）伝統的な歌と彼らの共産主義活動から影響を受けた新しい政治的題材を融合させたアルバムを何十枚も発表した[22][23] [24]。 戦後の復興期において、フォーク音楽は大学生に新たな聴衆を見出したが、これは大学が音楽の流行を維持するために必要な組織と、古い世代に反抗しようとす る拡大した多感な聴衆を提供したためでもあった[25]。それにもかかわらず、冷戦時代のアメリカ政府のレトリックは非常に強力であり、共産主義者の支持 する政治的大義に関する世論との関係など、ある意味ではフォーク・アーティストのメッセージを圧倒した。例えば1954年の世論調査によると、当時アメリ カ人の51％が共産主義者を逮捕すべきだと回答しており、音楽に関連しては回答者の64％がラジオ歌手が共産主義者であることを認めたら解雇すべきだと回 答している。 [26]シーガー、アール・ロビンソン、アーウィン・シルバーといったアメリカン・フォーク・リバイバルの代表的な人物は共産党員であったか、そうであっ たことがあり、ガスリー（CPUSAの雑誌『ニュー・マス』にコラムを書いていた）、リー・ヘイズ、ポール・ロベソンといった人物は仲間だと考えられてい た。マッカーシズムが米国の人口と政府を支配し始めると、フォークが主流音楽から押し出されるようになったため、フォーク・アーティストが旅行したり演奏 したりすることはより難しくなった。 一般的に、フォーク音楽がロックンロールの影響を受けるようになるにつれて、フォーク音楽における歌詞の重要性は低下した[28]。 しかし、1960年代初頭のポピュラー・フォーク・リバイバルの最終局面では、ボブ・ディランやフィル・オックスといった新しいフォーク・アーティスト が、主に伝統的なフォークソングを翻案するのとは対照的に、独自の時事的な音楽を書き始めた[29]。 現代の西洋フォーク音楽 世間の注目は1960年代半ばからロック音楽に移っていったが、ジョーン・バエズやトム・パクストンなどのフォーク歌手は、その音楽や活動において政治的 な懸念を訴え続けた。バエズの1974年のアルバム『Gracias a la Vida』[30]は、チリの出来事への応答であり、ヌエバ・カンシオン・チレーナのシンガー・ソングライター、ヴィオレタ・パラとヴィクター・ハラの曲 のヴァージョンを含んでいた。アウトワード・バウンド』[31]や『モーニング・アゲイン』[32]などのパクストンのアルバムは、政治的な問題を強調し 続けた。彼らには、ホリー・ニア[33]、レイ・コロナ、チャーリー・キング、アン・フィーニー、ジム・ペイジ、ユタ・フィリップス、最近ではデヴィッ ド・ロヴィックスといった活動家のミュージシャンも参加している。 アイルランドでは、ウルフ・トーンズがフォーク・プロテスト／リベル・ミュージックの伝統の中でおそらく最もよく知られたバンドであり、1960年代後半 から『レット・ザ・ピープル・シング』や『ライフルズ・オブ・ザ・I.R.A.』といったアルバムでドミニク・ビーハンの曲を含む政治的な曲を録音してい る。クリスティ・ムーアもまた、ドミニク・ビーハンがプロデュースし、ドミニク・ビーハンの曲をフィーチャーしたソロ・デビュー・アルバム『Paddy on the Road』や、『Ride On』（「Viva la Quinta Brigada」を含む）、『Ordinary Man』、さまざまなアーティストのLP『H Block』など、政治的な楽曲を数多くレコーディングしてきた。その10年前、ザ・バーリーコーンは1972年に抑留をテーマにした初リリース『The Men Behind the Wire』でアイルランドのチャート1位を5週にわたって獲得し、利益はすべて抑留者の家族に寄付された。 英国では、ユアン・マッコルのポリティカル・フォークの伝統が、1960年代以降、ロイ・ベイリー、[36]レオン・ロッセルソン、[37]ディック・ ゴーガンといったシンガー・ソングライターによって受け継がれている。 [1980年代以降、ビリー・ブラッグ、[39] アッティラ・ザ・ストックブローカー、[40] ロブ・ジョンソン、[41] アリスター・ヒューレット、[42] ザ・メン・ゼイ・キャント・ハング、[43] テレビ・スミス、[44] チュンバワンバ、[45] そして最近ではクリス・T・T、[46] グレース・ペトリ、[47] など、多くのアーティストがフォーク・プロテストとパンクなどからの影響を融合させ、現代のインディペンデント・ロック音楽の聴衆のために話題性のある政 治的な楽曲を生み出している。］ チカーノ・フォーク チカーノ・フォーク・ミュージックは長い間、政治的抵抗や社会批判のためのプラットフォームであった。1960年代以降、チカーノ・ミュージシャンたち は、アメリカでメキシコ系アメリカ人として直面した差別や抑圧の個人的な経験を音楽で表現した。移民の権利のための闘い、労働闘争、チカーノのアイデン ティティ、警察の残虐行為といった政治的テーマは、彼らの音楽の共通の主題であった。また、チカーノ・ミュージシャンたちは、チカーノ・ムーブメントの発 展を通して、彼らの音楽を通してコミュニティのエンパワーメント、アクティビズム、団結を促してきた。ジョーン・バエズはこの運動の最も有名な人物である [48]。 世界のフォーク音楽 フォーク音楽は国際的に政治と強いつながりがあった。例えばハンガリーでは、冷戦時代後期に自由主義的な共産主義の実験が行われ、それは彼らの民族音楽の 多くに反映されていた[49]。20世紀後半、民族音楽はハンガリー、ルーマニア、チェコスロバキア、ユーゴスラビアにおいて、政治的な不確実性と混乱の 時代に民族のアイデンティティを表現することを可能にしたため、極めて重要であった[50]。 共産主義の中国では、もっぱら民族音楽が奨励された。趙松彤というフルート奏者（浙江歌舞団のメンバー）は、1957年にメキシコで開催された芸術祭に参 加したが、国際的な視野を持ったために団から追放され、1966年から1970年まで「再教育」を受けた。1973年に劇団に復帰したが、告発を受けて再 び追放された[51]。 民俗音楽が急進的というよりはむしろ保守的な政治的目的のために利用された例としては、フィリピンとベトナムにおける対反乱作戦にそのキャリアの一部を捧 げたCIA長官エドワード・ランズデールの文化活動が挙げられる。ランズデールは、共産主義者の反乱に対する政府の最良の武器は、住民の支持と信頼である と考えていた。1953年、彼は米国の重要な反共同盟国であったフィリピンのラモン・マグサイサイ大統領を当選させるのに役立ったと広く信じられている キャンペーンソングのリリースを手配した[52]。1965年、彼はベトナムの地元の風習や伝統、および意識を高める手法としての「応用フォークロア」の 潜在的利用法に興味を持ち、諜報活動の目的でフォークソングの録音とテープのキュレーションを始めた。彼はまた、南ベトナムの士気を高めるため、ファム・ ズイ（Phạm Duy）のような演奏家に愛国的な歌を作って演奏するよう促した。デュイは反フランス闘争の際に流行した話題性のある歌を歌っていたが、その後共産党が支 配するベトミンと決別した[52]。 |
| Blues and African-American music Blues songs have the reputation of being resigned to fate rather than fighting against misfortune, but there have been exceptions. Bessie Smith recorded protest song "Poor Man Blues" in 1928. Josh White recorded "When Am I Going to be Called a Man" in 1936 – at this time it was common for white men to address black men as "boy" – before releasing two albums of explicitly political material, 1940's Chain Gang and 1941's Southern Exposure: An Album of Jim Crow Blues.[53] Lead Belly's "Bourgeois Blues" and Big Bill Broonzy's "Black, Brown and White" (aka "Get Back") protested racism. Billie Holiday recorded and popularized the song "Strange Fruit" in 1939. Written by Communist Lewis Allan, and also recorded by Josh White and Nina Simone, it addressed Southern racism, specifically the lynching of African-Americans, and was performed as a protest song in New York venues, including Madison Square Gardens. In the post-war era, J.B. Lenoir gained a reputation for political and social comment; his record label pulled the planned release of 1954 single "Eisenhower Blues" due to its title[54] and later material protested civil rights, racism and the Vietnam War.[55] John Lee Hooker also sang 'I Don't Wanna Go to Vietnam" on 1969 album Simply the Truth.[56] Paul Robeson, singer, actor, athlete, and civil rights activist, was investigated by the FBI and was called before the House Un-American Activities Committee (HUAC) for his outspoken political views. The State Department denied Robeson a passport and issued a "stop notice" at all ports, effectively confining him to the United States. In a symbolic act of defiance against the travel ban, labour unions in the U.S. and Canada organised a concert at the International Peace Arch on the border between Washington state and the Canadian province of British Columbia on May 18, 1952.[57] Robeson stood on the back of a flat bed truck on the U.S. side of the border and performed a concert for a crowd on the Canadian side, variously estimated at between 20,000 and 40,000 people. He returned to perform a second concert at the Peace Arch in 1953,[58] and over the next two years two further concerts were scheduled. Jazz The development of new genres of jazz through experimentation was inherently connected to the social movements of their respective times, especially during the Civil Rights and Black Power movements of the '60's and '70's. The development of avant-garde, free, and Afrofuturist jazz was heavily connected to the desire to break free from societal norms and express the desire for a free voice. The music was also grounded in the Black Nationalists movements, and through their music, artists sought to reconnect African Americans with the traditional sounds of their ancestors. In the development of avant-garde jazz, mainstream jazz magazines and critics (predominantly owned and operated by White people) harshly criticized the music and framed it as incoherent.[59] Unlike earlier forms of jazz, improvisation was central to avant-garde and many artists did not notate their music so that it followed a free expression of their emotions. However, as the mainstream jazz apparatus looked down upon Black musicians it praised White artists like John Cage. Cage and other musicians were heavily influenced by avant-garde sound, but their music was highly regarded by the media and hailed as genius.[60] Black musicians strived to break new grounds in music through the development of jazz to create methods of expression and autonomy. Meanwhile, structures of power within the jazz industry continuously placed pressures on this "new thing" so that it would assimilate in to normalized cultural standards, thus destroying its significance as a call for social and political change.[61] The experimentation of certain artists, like Sun Ra, directly called for the liberation of the African American and a return to African traditions. In his Afrofuturist science fiction film, Space is the Place, Sun Ra creates a colony for Black people on a distant planet in the cosmos far away from the antagonisms of white society. This messaging remained consistent through Afrofuturist music as it contradicted Euro-American musical rules. Unfortunately, the politics of jazz replicated the patriarchy of general society. Along with the portrayals of jazz as black music, it followed the belief that jazz experimentalism was masculine. Throughout jazz music and academia, women are left behind and forgotten despite the crucial role they play. For example, Alice Coltrane had a largely successful career by paving the way of new sounds through Far Eastern influences and spiritualism.[62] Yet, many of her accomplishments were overlooked because her husband, John Coltrane, had a more "relevant" career. Gender and womanhood are simple social constructs, similar to race, that have been replicated to create a hierarchy in jazz and academia.[63] Recently there have been calls to recognize the importance of Black women in the development of jazz as authors like Sherrie Tucker encourage readers to listen to the stylistic differences to understanding the role gender plays in jazz. |
ブルースとアフリカ系アメリカ人の音楽 ブルースの歌は、不幸と戦うというよりは運命に身を任せるという評判があるが、例外もある。ベッシー・スミスは1928年にプロテスト・ソング「Poor Man Blues」を録音している。ジョシュ・ホワイトは1936年に「When Am I Going to be Called a Man」（この当時、白人男性は黒人男性を「ボーイ」と呼ぶのが一般的だった）をレコーディングし、その後1940年の『Chain Gang』と1941年の『Southern Exposure』という、明確に政治的な内容の2枚のアルバムをリリースした： リード・ベリーの "Bourgeois Blues "とビッグ・ビル・ブルーンジーの "Black, Brown and White"（別名 "Get Back"）は人種差別に抗議するものだった[53]。ビリー・ホリデイは1939年に「Strange Fruit」をレコーディングし、世に広めた。共産主義者のルイス・アランによって書かれ、ジョシュ・ホワイトやニーナ・シモンもレコーディングしたこの 曲は、南部の人種差別、特にアフリカ系アメリカ人へのリンチを取り上げ、マディソン・スクエア・ガーデンを含むニューヨークの会場でプロテスト・ソングと して演奏された。戦後、J.B.レノワールは政治的、社会的なコメントで評判になり、彼のレコード・レーベルは1954年のシングル「アイゼンハワー・ブ ルース」のリリース予定を、そのタイトルを理由に取りやめた[54]。 ポール・ロベソン（歌手、俳優、スポーツ選手、公民権運動家）は、その率直な政治的見解のためにFBIの調査を受け、下院非米活動委員会（HUAC）に呼 ばれた。国務省はロベソンのパスポートの発給を拒否し、すべての港で「入国停止通告」を出し、事実上ロベソンを米国内に閉じ込めた。渡航禁止令に反抗する 象徴的な行為として、アメリカとカナダの労働組合は1952年5月18日、ワシントン州とカナダのブリティッシュ・コロンビア州の国境にあるインターナ ショナル・ピース・アーチでコンサートを開催した[57]。ロベソンは国境のアメリカ側で平台トラックの荷台に立ち、カナダ側で2万人とも4万人とも言わ れる観衆を前にコンサートを行った。1953年にはピース・アーチで2度目のコンサートを行い[58]、その後2年間にさらに2回のコンサートが予定され ていた。 ジャズ 実験によるジャズの新しいジャンルの発展は、それぞれの時代の社会運動、特に60年代と70年代の公民権運動とブラックパワー運動と本質的に結びついてい た。アヴァンギャルド、フリー、アフロフューチャリスティックなジャズの発展は、社会規範から脱却し、自由な声を表現したいという願望と大きく結びついて いた。音楽はまた、黒人民族主義運動にも根ざしており、アーティストたちは彼らの音楽を通じて、アフリカ系アメリカ人と彼らの祖先の伝統的な音とを再び結 びつけようとした。 アヴァンギャルド・ジャズの発展において、主流派のジャズ雑誌や批評家（主に白人によって所有され、運営されていた）は、この音楽を厳しく批判し、支離滅 裂なものとして枠にはめた。しかし、主流のジャズ組織が黒人ミュージシャンを見下すと、ジョン・ケージのような白人アーティストを賞賛した。ケージや他の ミュージシャンたちは、前衛的なサウンドから多大な影響を受けていたが、彼らの音楽はメディアから高く評価され、天才と賞賛された[60]。黒人ミュージ シャンたちは、ジャズの発展を通じて音楽の新たな地平を切り開こうと努力し、表現方法や自律性を生み出した。その一方で、ジャズ産業内の権力構造は、この 「新しいもの」が正常化された文化水準に同化するように圧力をかけ続け、社会的・政治的変革の呼びかけとしての意義を破壊した[61]。 サン・ラーのような特定のアーティストの実験は、アフリカ系アメリカ人の解放とアフリカの伝統への回帰を直接的に呼びかけた。彼のアフロフューチャー主義 のSF映画『Space is the Place』では、サン・ラーは白人社会の反感から遠く離れた宇宙の惑星に黒人のためのコロニーを作る。このメッセージは、ヨーロッパ・アメリカの音楽的 ルールに反するアフロフューチャー音楽を通して一貫していた。 残念なことに、ジャズの政治性は一般社会の家父長制を複製していた。黒人音楽としてのジャズの描写とともに、ジャズの実験主義は男性的であるという信念に 従った。ジャズ音楽と学問を通じて、女性は重要な役割を果たしているにもかかわらず、取り残され、忘れ去られている。例えば、アリス・コルトレーンは、極 東の影響とスピリチュアリズムを通して新しいサウンドの道を切り開き、大成功を収めた。最近、ジャズの発展における黒人女性の重要性を認識しようという声 が高まっており、シェリー・タッカーのような著者は、ジャズにおいてジェンダーが果たす役割を理解するために、スタイルの違いに耳を傾けるよう読者に勧め ている。 |
| Dance music Disco Disco, contrary to popular belief, originated in Black queer communities and offered these communities a form of salvation or safe haven from social turmoil during the 1970s, in the Bronx and other parts of New York. It was agreed by many members prominent in the Disco scene that the music was about love and the vitality of "absorbing the feeling", but the question regarding its political import received mixed responses. Although the songs themselves may not have explicitly made political claims, it's important to note that disco, for many, was a "form of escape" and noted a "dissolve of restrictions on black/gay people".[64] The spirit of the 60s as well as the experience of Vietnam and black/gay liberation spurred the almost-frenzied energy pertinent in these discotheques. Not only did discos allow marginalized individuals an opportunity to express their sexuality and appreciate one another's diversity, they had the ability to influence popular music. Although once mutually exclusive, discotheques allowed for the coming together of black music and pop; this shows how disco music not only led to a social appreciation for diversity, but offered a platform on which Black artists could succeed. The eventual commercialization of disco set in motion its decline. This new commodified disco, very different than its diverse and queer roots, idealized the white individual and favored heteronormative relations. This not only allowed for the roots of such a diverse movement to be lost, but the erasure of the liberation and escapism it offered many minorities.[citation needed] |
ダンスミュージック ディスコ ディスコは、一般に信じられているのとは逆に、黒人のクィア・コミュニティに端を発し、1970年代のブロンクスやニューヨークの他の地域で、これらのコ ミュニティに社会的混乱からの救いと安息の形を提供した。ディスコ・シーンの著名なメンバーの多くは、この音楽が愛と「フィーリングを吸収する」ことの活 力について歌ったものであることに同意していたが、その政治的な重要性についての質問にはさまざまな反応があった。曲そのものが明確に政治的な主張をして いたわけではないかもしれないが、多くの人にとってディスコが「逃避の形」であり、「黒人／同性愛者に対する規制の解消」であったことは重要である [64]。60年代の精神、そしてベトナムや黒人／同性愛者の解放の経験が、こうしたディスコでのほとんど熱狂的なエネルギーに拍車をかけた。ディスコ は、社会から疎外された人々が自分たちのセクシュアリティを表現し、互いの多様性を認め合う機会を与えただけでなく、ポピュラー音楽に影響を与える力を 持っていた。かつては互いに排他的であったが、ディスコは黒人音楽とポップスの融合を可能にした。このことは、ディスコ・ミュージックがいかに多様性に対 する社会的評価をもたらしただけでなく、黒人アーティストが成功するためのプラットフォームを提供したかを示している。最終的にディスコは商業化され、衰 退の道をたどることになる。この新しい商品化されたディスコは、その多様でクィアなルーツとはまったく異なり、白人個人を理想化し、ヘテロ規範的な関係を 好んだ。これにより、このような多様なムーブメントのルーツが失われただけでなく、多くのマイノリティに提供した解放と逃避が消去された[要出典]。 |
| Latin American music Latin American music has been intertwined with politics across the years. 1950s, 1960s, and 1970s protest songs played a critical role in the fight against authoritarian regimes in countries like Chile, Argentina, and Brazil. Today, Latin American musicians continue to tackle pressing social and political issues like immigration, inequality, and corruption through their work. As economist and musician Sumangala Damodaran explains, lyrics intertwined with activism are shaping the vast region's political landscape, creating a repertoire of new genres, and inspiring new generations of artists to do the same.[65] Some notable political issues across the region include discrimination, toxic masculinity, and colonization. Musical artists from across Latin America have contributed to the fight political issues occurring in their specific countries, like Bad Bunny for Puerto Rico and Los Tigres del Norte for Mexico. Throughout history, artists across Latin America have used music as a political tool to bring awareness to social issues. Nueva Canción Nueva canción or "New Song" is a musical movement that emerged in Latin America in the late 1950s and early 1960s. In a Remezcla article, Julyssa Lopez discloses that the genre focused on socially and politically conscious lyrics, often addressing the oppression and inequality experienced by marginalized communities, especially the Indigenous culture.[66] Global languages and cultures professor Robert Neustadt affirms that artists like Violeta Parra, Victor Jara, and Inti-Ilimani used their music to speak out against censorship, state violence, and human rights abuses. Nueva canción was relevant because it gave voice and visibility to social and political issues and provided a platform for marginalized communities to express their struggles and resistance through music. It also played a significant role in the fight against oppressive regimes and contributed to the development of cultural identity and social consciousness in Latin America. Salsa Main article: Salsa music Salsa is most known for its rhythm and inclusion of various instruments. Cumbia is characterized by its energetic rhythm and fusion of African, Indigenous, and European influences. It has evolved over time, incorporating various musical styles and instruments, and continues to dominate dance floors in Latin America and beyond. Cumbia's relevance lies in its ability to bring people together, celebrate hybridity of the Latin American culture, while also serving as a marker of race and class differences in Latin American countries like Puerto, Rico, and Venezuela.[67][68] Political themes in salsa have included racial discrimination, white supremacy, colonialism, sexism, homophobia, environmental disaster.[69][70] Reggaeton Main article: Reggaeton As a musical genre born out of the Caribbean and Latin American regions, Reggaeton frequently engages with the tropes of other popular musical genres like love, money, and sexual conquests; but has also been used as a form of social commentary and has played a significant role in promoting social change. Reggaeton often addresses issues such as poverty, racism, police brutality, and political corruption in its lyrics. Additionally, many Reggaeton artists use their platforms to speak out against inequalities and social issues by organizing concerts, rallies, and charity events to raise awareness and funds for various social justice causes. Reggaeton also serves as a vehicle for empowering marginalized communities, particularly Black communities, Latin American people, women, and the LGBTQ+ community. Throughout its history, people have come to believe Reggaeton has become more than just a music genre but a voice for social justice and activism.[70] Bad Bunny Bad Bunny, whose real name is Benito Antonio Martinez Ocasio, is a Puerto Rican singer, rapper, and songwriter. He is known for his multiple chart-topping hits like “Titi Me Pregunto,” “DÁKITI”, “Yonaguni,” and “Callaita.” He also was the most listened to artists in 2022.[71] Additionally, Bad Bunny is recognized for his various awards, record-breaking achievement, and collaborations with major artist around the world. One of his music video, "Yo Perreo Sola", translating to I twerk alone, from his second album YHLQMDLG caused controversy as he dressed up in 3 drag outfits. His music video became the most-watched Latin music video in 2020.[72] In his most recent album, Un Verano Sin Ti, released May 2022, the 16th track was named “El Apagón,” translated to "The Blackout." Rather than just releasing a music video, he worked with Puerto Rican reporter Bianca Graulau to produce a 18-minute documentary about the impact of US colonialism on the island and the displacement of Puerto Ricans.[73] The documentary, “El Apagón" functions as a political statement from Puerto Rico about the ongoing modern-day colonization of the island, which has been happening since 1917. The song was inspired by Act 22, which is a law passed in the United States after Hurricane Maria which offered tax incentives to people in the US relocating to Puerto Rico. The law allows U.S. citizens to avoid paying taxes on their property, income, and wealth in Puerto Rico if they become bona fide residents. To qualify as a bona fide resident, a person must be a U.S. citizen who actively earns income from another country, has no intention of moving back to the United States, and has a permanent address in the other country. It caused many millionaires and investors to buy multiple properties on the island, which has led to the displacement of many Puerto Ricans from their homes. The law was intended to improve the economy, but it has failed to do so. Ivy Queen Ivy Queen, also known as "La Reina del Reggaetón" (The Queen of Reggaeton), has been a prominent figure in Latin music since the beginning of her musical career in 1995. Throughout her career, she has produced hits like “Quiero Bailar” and “Quiero Saber” while also using her platform to advocate for social justice, particularly by crating narrative-based lyrics and videos exploring topics mentioning femininity, domestic violence, inequality, and sexuality. Gender and Women's studies scholar Dana E. Goldman explains that Ivy Queen's engagement with gender throughout her lyrics encourages dialogue to challenge gender norms, especially since male singers tend to perform Reggaeton more frequently and often express a desire for unattainable women or lament heartbreak.[74] 74. Goldman, Dara E. (2017-11-01). "Walk like a woman, talk like a man: Ivy Queen's troubling of gender". Latino Studies. 15 (4): 439–457. doi:10.1057/s41276-017-0088-5. ISSN 1476-3443. S2CID 256517140. Regional Mexican Music Regional Mexican music encompasses diverse Spanish language genres originating in Mexico, such as mariachi, banda, duranguense, nortenos, grupo, corridos, and more.[75] These genres hold significant popularity among Spanish-speaking audiences.[76] They are deeply rooted in Mexican identity and cultural traditions. Each genre serves as a platform for various forms of activism, addressing issues such as gun violence, immigration, drug crime, governmental matters in Mexico and the United States, and corruption through their powerful lyrics. Los Tigres Del Norte Los Tigres Del Norte is California-based norteño musical group that has used their platform on a variety of issues. The group consisted of four brothers and their cousin. Originally undocumented immigrants, they formed the group in 1968 while residing in San Jose, California.[77] They initially arrived in the United States with temporary visas to perform for incarcerated individuals, which marked the beginning of their journey as a grupo. In 2013, Los Tigres del Norte, the renowned musical group, took the spotlight at a significant immigration rally in Washington D.C., advocating for immigration reform.[78] During the rally, they performed their popular songs "La Jaula de Oro," "Vivir En Las Sombras," and "Tres Veces Mojado." It's worth noting that this rally was not their only one, as they also organized an immigration rally at the National Mall in Hollywood in October of the same year. During the rally, their aim was to consistently address their themes. After each song, they engaged in discussions to reflect upon the messages conveyed.[79] One of their biggest hits is "La Jaula de Oro," meaning "The Gilded Cage." This song has been performed numerous times and delves into the life of an immigrant and their American-born child who feels disconnected from their cultural heritage. The powerful message conveyed is, "What value does money hold when I feel trapped in this promising nation?" Los Tigres Del Norte also tackle the topic of prison reform in their music. In 2019, they gave a memorable performance inside Folsom Prison, located in California, which led to the creation of a song called "La Prisión de Folsom" (Folsom Prison).[80] This performance was influenced by the legendary musician Johnny Cash. It is worth noting that the majority of the inmates present during the performance were Hispanic and Black, reflecting the demographic composition of the entire prison system. Los Tigres Del Norte documented their experience at Folsom Prison in a Netflix documentary titled "Los Tigres del Norte at Folsom Prison." The documentary explores the grupo's impact on inmates, both prior to and following their time in prison. |
ラテンアメリカ音楽 ラテンアメリカの音楽は、長年にわたって政治と絡み合ってきた。1950年代、1960年代、1970年代のプロテスト・ソングは、チリ、アルゼンチン、 ブラジルといった国々における権威主義体制との戦いで重要な役割を果たした。今日、ラテンアメリカのミュージシャンたちは、移民、不平等、汚職といった差 し迫った社会的・政治的問題に、作品を通して取り組み続けている。経済学者でありミュージシャンでもあるスマンガラ・ダモダランが説明するように、アク ティビズムと絡み合った歌詞は、広大な地域の政治的景観を形成し、新しいジャンルのレパートリーを生み出し、新しい世代のアーティストに同じことをするよ う促している[65]。 ラテンアメリカ全域で顕著な政治問題には、差別、有害な男らしさ、植民地化などがある。プエルトリコのバッド・バニーやメキシコのロス・ティグレス・デ ル・ノルテのように、ラテン・アメリカ中の音楽アーティストが、それぞれの国で起きている政治的問題との戦いに貢献してきた。歴史を通して、ラテンアメリ カ中のアーティストたちは、社会問題に意識を向けるための政治的ツールとして音楽を利用してきた。 ヌエバ・カンシオン ヌエバ・カンシオン（新曲）は、1950年代後半から1960年代前半にかけてラテンアメリカで生まれた音楽運動である。Remezclaの記事で、 Julyssa Lopezは、このジャンルは社会的、政治的に意識した歌詞に焦点を当て、しばしば社会から疎外されたコミュニティ、特に先住民文化が経験した抑圧や不平 等を取り上げたと明かしている[66]。グローバル言語文化学の教授であるRobert Neustadtは、Violeta Parra、Victor Jara、Inti-Ilimaniのようなアーティストが、検閲、国家による暴力、人権侵害に反対を表明するために自分たちの音楽を使ったと断言してい る。 ヌエバ・カンシオンは、社会的・政治的問題に声と可視性を与え、社会から疎外されたコミュニティが自分たちの闘争と抵抗を音楽で表現するためのプラット フォームを提供したのだから。また、抑圧的な体制との戦いにおいて重要な役割を果たし、ラテンアメリカにおける文化的アイデンティティと社会意識の発展に 貢献した。 サルサ 主な記事 サルサ音楽 サルサは、そのリズムと様々な楽器を取り入れることで最も知られている。クンビアは、エネルギッシュなリズムとアフリカ、先住民、ヨーロッパの影響の融合 が特徴である。様々な音楽スタイルや楽器を取り入れながら時代とともに進化し、ラテンアメリカをはじめとする世界中のダンスフロアを席巻し続けている。サ ルサの政治的テーマは、人種差別、白人至上主義、植民地主義、性差別、同性愛嫌悪、環境災害などである[69][70]。 レゲトン 主な記事 レゲトン カリブ海地域とラテンアメリカ地域から生まれた音楽ジャンルであるレゲトンは、愛、お金、性的征服など、他のポピュラー音楽ジャンルの主題と頻繁に関わる が、社会的コメントの形式としても使用され、社会変革を促進する上で重要な役割を果たしてきた。レゲトンはしばしば、貧困、人種差別、警察の横暴、政治腐 敗といった問題を歌詞の中で取り上げている。さらに、多くのレゲトン・アーティストは、コンサート、集会、チャリティー・イベントなどを企画し、さまざま な社会正義のための意識向上や資金集めを行うことで、不平等や社会問題に対して発言するために自らのプラットフォームを利用している。レゲトンはまた、疎 外されたコミュニティ、特に黒人コミュニティ、ラテンアメリカの人々、女性、LGBTQ+コミュニティに力を与える手段としても機能している。その歴史を 通して、人々はレゲトンが単なる音楽ジャンルではなく、社会正義と活動主義の代弁者になったと考えるようになった[70]。 バッド・バニー バッド・バニー（本名ベニート・アントニオ・マルティネス・オカシオ）はプエルトリコ出身のシンガー、ラッパー、ソングライター。彼は "Titi Me Pregunto"、"DÁKITI"、"Yonaguni"、"Callaita "などのヒット曲で知られる。また、2022年に最も聴かれたアーティストでもある[71]。さらに、バッド・バニーは、様々な賞、記録的な業績、世界中 の主要アーティストとのコラボレーションでも知られている。 セカンド・アルバム『YHLQMDLG』に収録されている「Yo Perreo Sola」（訳注：私は一人でトワークをする）は、彼が3人のドラッグの衣装を身にまとい、物議を醸した。彼のミュージック・ビデオは、2020年に最も 視聴されたラテン・ミュージック・ビデオとなった[72]。 2022年5月にリリースされた最新アルバム『Un Verano Sin Ti』では、16曲目に "El Apagón"、直訳すると "停電 "と名付けられた。単なるミュージックビデオを発表するのではなく、プエルトリコ人レポーターのビアンカ・グラウラウと協力して、アメリカの植民地主義が 島に与えた影響とプエルトリコ人の強制移住についての18分のドキュメンタリーを制作した[73]。このドキュメンタリー "El Apagón "は、1917年以来続いているプエルトリコの現代の植民地化についてのプエルトリコからの政治的声明として機能している。この曲は、ハリケーン・マリア の後にアメリカで可決された、プエルトリコに移住するアメリカ国民に税制上の優遇措置を提供する法律である、法律22号にインスパイアされている。この法 律は、米国市民が善意の居住者となった場合、プエルトリコでの財産、所得、富に対する税金の支払いを免れることを認めている。善意の居住者として認められ るには、米国市民であり、他国から積極的に所得を得ており、米国に戻る意思がなく、他国に恒久的な住所があることが条件となる。 この法律によって、多くの大富豪や投資家が島に複数の不動産を購入するようになり、多くのプエルトリコ人が家を追われることになった。この法律は経済を改 善することを目的としていたが、それは失敗に終わった。 アイビー・クイーン 「ラ・レイナ・デル・レゲトン」（レゲトンの女王）としても知られるアイビー・クイーンは、1995年に音楽活動を開始して以来、ラテン音楽界で著名な人物 である。そのキャリアを通して、彼女は「Quiero Bailar」や「Quiero Saber」といったヒット曲を生み出す一方、特に女性らしさ（La Vida Es Así）、家庭内暴力、不平等、セクシュアリティといったトピックを探求する物語性のある歌詞やビデ オを制作することで、社会正義を主張するプラットフォームとしても活用してきた。ジェンダーと女性学の研究者であるダナ・E・ゴールドマンは、アイビー・ クイーンが歌詞を通してジェンダーに関わることで、ジェンダー規範に挑戦するための対話を促していると説明する[74]。 メキシコの地域音楽 メキシコの地域音楽は、マリアッチ、バンダ、ドゥランゲンセ、ノルテノス、グルーポ、コリドスなど、メキシコで生まれた多様なスペイン語ジャンルを包含す る[75]。これらのジャンルは、スペイン語を話す聴衆の間で大きな人気を誇っている[76]。それぞれのジャンルは、銃乱射事件、移民問題、麻薬犯罪、 メキシコとアメリカの政府問題、汚職などの問題を力強い歌詞で訴え、様々な形のアクティビズムのプラットフォームとして機能している。 ロス・ティグレス・デル・ノルテ ロス・ティグレス・デル・ノルテはカリフォルニアを拠点とするノルテーニョ・ミュージカル・グループで、さまざまな問題に自分たちのプラットフォームを 使って取り組んできた。グループは4人の兄弟といとこで構成されている。元々は非正規移民であった彼らは、カリフォルニア州サンノゼに住んでいた1968 年にグループを結成した[77]。彼らは当初、収監されている人々のために演奏するための一時的なビザでアメリカに到着し、これが彼らのグルーポとしての 旅の始まりとなった。 2013年、有名な音楽グループであるロス・ティグレス・デル・ノルテは、ワシントンD.C.で行われた重要な移民集会でスポットライトを浴び、移民制度 改革を提唱した[78]。この集会で、彼らは人気曲 "La Jaula de Oro"、 "Vivir En Las Sombras"、 "Tres Veces Mojado "を披露した。同年10月には、ハリウッドのナショナル・モールでも移民集会を開催している。集会中、彼らの目的は一貫して自分たちのテーマに取り組むこ とだった。各曲の後、彼らはディスカッションを行い、伝えられたメッセージを振り返った[79]。 彼らの最大のヒット曲のひとつは、"La Jaula de Oro"、つまり "金色の檻 "である。この曲は何度も演奏されており、移民とそのアメリカ生まれの子供が、自分たちの文化的遺産から切り離されていると感じる生活を掘り下げている。 "この前途有望な国に閉じ込められていると感じるとき、お金にどんな価値があるのだろう？"という力強いメッセージが込められている。 ロス・ティグレス・デル・ノルテは、彼らの音楽の中で刑務所改革というテーマにも取り組んでいる。2019年、彼らはカリフォルニア州にあるフォルサム刑 務所内で印象的なパフォーマンスを行い、それが「La Prisión de Folsom」（フォルサム刑務所）という曲の誕生につながった[80]。このパフォーマンスは伝説のミュージシャン、ジョニー・キャッシュの影響を受け ている。特筆すべきは、このパフォーマンスに参加した受刑者の大半がヒスパニック系と黒人であり、刑務所全体の人口構成を反映していたことである。ロス・ ティグレス・デル・ノルテは、Netflixのドキュメンタリー番組 "Los Tigres del Norte at Folsom Prison "でフォルサム刑務所での経験を記録している。このドキュメンタリーは、服役前と服役後の両方において、同グループが受刑者に与えた影響を探っている。 |
| Rock music Many rock artists, as varied as Crosby, Stills, Nash & Young,[81] Bruce Springsteen,[82] Little Steven,[83] Rage Against the Machine,[84] Radiohead,[85] Manic Street Preachers,[86] Megadeth,[87] Enter Shikari,[88] Architects,[89] Muse, System of a Down,[90] Sonic Boom Six[91] and Drive-By Truckers[92] have had openly political messages in their music. The use of political lyrics and the taking of political stances by rock musicians can be traced back to the 1960s counterculture,[93] specifically the influence of the early career of Bob Dylan,[12] itself shaped by the politicised folk revival. 1960s–70s counterculture During the 1960s and early 1970s counterculture era, musicians such as John Lennon commonly expressed protest themes in their music,[94] for example on the Plastic Ono Band's 1969 single "Give Peace a Chance". Lennon later devoted an entire album to politics and wrote the song Imagine, widely considered to be a peace anthem. Its lyrics invoke a world without religion, national borders or private property. In 1962–63, Bob Dylan sang about the evils of war, racism and poverty on his trademark political albums "The Freewheelin' Bob Dylan" and "The Times They Are a-Changin'" (released in 1964), popularising the cause of the Civil Rights Movement. Dylan was influenced by the folk revival, as well as by the Beat writers, and the political beliefs of the young generation of the era.[12] In turn, while Dylan's political phase comes under the 'folk' category, he was known as a rock artist from 1965 and remained associated with an anti-establishment stance that influenced other musicians – such as the British Invasion bands – and the rock music audience, by broadening the spectrum of subjects that could be addressed in popular song.[93] The MC5 (Motor City 5) came out of the Detroit, Michigan underground scene of the late 1960s,[95] and embodied an aggressive evolution of garage rock which was often fused with socio-political and countercultural lyrics, such as in the songs "Motor City Is Burning", (a John Lee Hooker cover adapting the story of the Detroit Race Riot (1943) to the 1967 12th Street Detroit Riot), and "American Ruse" (which discusses U.S. police brutality as well as pollution, prison, materialism and rebellion). They had ties to radical leftist groups such as Up Against the Wall Motherfuckers and John Sinclair's White Panther Party. MC5 was the only band to perform a set before the August 1968 Democratic Convention in Chicago, as part of the Yippies' Festival of Life where an infamous riot subsequently broke out between police and students protesting the April assassination of Martin Luther King Jr. and the Vietnam War. Other rock groups that conveyed specific political messages in the late 1960s/early 1970s – often in regard to the Vietnam War – include The Fugs, Country Joe and the Fish, Jefferson Airplane, Creedence Clearwater Revival, and Third World War, while some bands, such as The Beatles, The Rolling Stones and Hawkwind, referenced political issues occasionally and in a more observational than engaged way, e.g. in songs like "Revolution", "Street Fighting Man", "Salt of the Earth" and "Urban Guerrilla". Punk rock Main article: Punk ideologies Notable punk rock bands, such as Crass, Conflict, Sex Pistols, The Clash, Dead Kennedys, Black Flag, Refused, American Standards, Discharge, MDC, Aus-Rotten, Billy Talent, Anti-Flag, and Leftöver Crack have used political and sometimes controversial lyrics that attack the establishment, sexism, capitalism, racism, speciesism, colonialism, and other phenomena they see as sources of social problems. Since the late 1970s, punk rock has been associated with various left-wing or anti-establishment ideologies,[96][97][98] including anarchism and socialism. Punk's DIY culture held an attraction for some on the Left, suggesting affinity with the ideals of workers' control, and empowerment of the powerless[99] (though it is arguable that the punk movement's partial focus on apathy towards the establishment, combined with the fact that in many situations, punk rock music generated income for major record companies, and the notable similarities between some strains of anarchism and capitalism, meant that the punk movement ran contrary to left-wing ideologies) – and the genre as a whole came, largely through the Sex Pistols, to be associated with anarchism. The sincerity of the early punk bands has been questioned – some critics saw their referencing of revolutionary politics as a provocative pose rather than an ideology[100][101] – but bands such as Crass[102] and Dead Kennedys[103] later emerged who held strong anarchist views, and over time this association strengthened, as they went on to influence other bands in the UK anarcho-punk and US hardcore subgenres, respectively. The Sex Pistols song "God Save the Queen" was banned from broadcast by the BBC[104] in 1977 due to its presumed anti-Royalism, partly due to its apparent equation of the monarchy with a "fascist regime". The following year, the release of debut Crass album The Feeding Of the 5000 was initially obstructed when pressing plant workers refused to produce it due to sacrilegious lyrical content.[105] Crass later faced court charges of obscenity related to their Penis Envy album, as the Dead Kennedys later did over their Frankenchrist album artwork.[103] The Clash are regarded as pioneers of political punk, and were seen to represent a progressive, socialistic worldview compared to the apparently anti-social or nihilistic attack of many early punk bands.[106][107] Partly inspired by 1960s protest music such as the MC5, their stance influenced other first and second wave punk/new wave bands such as The Jam, The Ruts, Stiff Little Fingers, Angelic Upstarts, TRB and Newtown Neurotics, and inspired a lyrical focus on subjects such as racial tension, unemployment, class resentment, urban alienation and police violence, as well as imperialism. Partially credited with aligning punk and reggae,[108][109] The Clash's anti-racism helped to cement punk's anti-fascist politics, and they famously headlined the first joint Rock Against Racism (RAR)/Anti Nazi League (ANL) carnival in Hackney, London, in April 1978.[110][111][112] The RAR/ANL campaign is credited with helping to destroy the UK National Front as a credible political force, aided by the support received from punk and reggae bands. Many punk musicians, such as Vic Bondi (Articles of Faith), Joey Keithley (DOA), Tim McIlrath (Rise Against), The Crucifucks, Bad Religion, The Proletariat, Against All Authority, Dropkick Murphys and Crashdog have held and expressed left-wing views. Dead Kennedys singer Jello Biafra, as well as T.S.O.L. frontman Jack Grisham, have run as candidates for public office under left-wing platforms. However, some punk bands have expressed more populist and conservative opinions, and an ambiguous form of patriotism, beginning in the U.S. with many of the groups associated with 1980s New York hardcore,[113] and prior to that in the UK with a small section of the Oi! movement.[114][115] An extremely small minority of punk rock bands, exemplified by (1980s-era) Skrewdriver and Skullhead, have held far-right and anti-communist stances, and were consequently reviled in the broader, largely Leftist punk subculture. Latinx Rock/Punk Music within the "Rock" genre have been linked to left-leaning political views, including views against racism and xenophobia.[116] Latin punk became a movement within the Rock genre. Within the genre, issues that are prevalent specifically within the Latinx communities were being discussed.[117] The issues pertained to the violation of immigrant rights, including within the workforce.[118] Many musicians within the genre paid homage to their cultural roots and adopted philosophies such as those that arose from the Zapatista Uprising. The movement shed light on the Chicano/Latino scene within their communities.[119] This became a form of protest against the xenophobia that exists against the community in the US Rage Against the Machine and Tigres del Norte Lead singer of Rage Against the Machine, Zach De La Rocha is introduced by Los Tigres del Norte for their MTV Unplugged performance in 2011.[120] Together, they perform a song of Los Tigres del Norte, "“Somos mas americanos." Zach De La Rocha is introduced as someone who “fights for the rights of us all.” Rage against the Machine is known for having socio-political commentary in their music as well as Los Tigres del Norte. Rage against the Machine's "political views and activism are central to the band's message." Zach De La Rocha has described being interested in "...spreading those ideas through art, because music has the power to cross borders, to break military sieges and to establish real dialogue."[121] Los Tigres del Norte also have a history of displaying their political views through their music. From supporting LGBT+ rights, prison abolition, and immigrant rights.[122] Together, they perform ‘Somos Más Americanos.’ Los Tigres Del Norte being Regional Mexican music that dates back to the 60s while Zach's musical background coming from a heavy metal and rap background which originated in the 90s. The performance gives historical and social commentary on the xenophobia and racism that is targeted against Mexican and Chicanx folks in the US. Both the group and Zach perform the song whilst adding anedoctes about the US government. One of the introductory lyrics in the song is “I have to remind them that I didn't cross the border, the border crossed me.” These words directly reference US and Mexico history. Specifically to how a significant amount of what is now considered the Southwest US, was once Mexico. These words have also become a slogan for many Latinx movements and organizations in the US who aim to fight against xenophobic systems that target immigrants.[123] The lyrics that end the song are “Somos mas americanos que todititos los Gringos." Meaning, "we are more American than all of the White people." Rock the Vote Rock the Vote is an American 501(c)(3) non-profit, non-partisan organization founded in Los Angeles in 1990 by Jeff Ayeroff for the purposes of political advocacy. Rock the Vote works to engage youth in the political process by incorporating the entertainment community and youth culture into its activities.[124] Rock the Vote's stated mission is to "build the political clout and engagement of young people in order to achieve progressive change in our country."[125] |
ロック音楽 クロスビー、スティルス、ナッシュ＆ヤング、[81] ブルース・スプリングスティーン、[82] リトル・スティーヴン、[83] レイジ・アゲインスト・ザ・マシーン、[84] レディオヘッド、[85] マニック・ストリート・プリーチャーズ、[86] メガデス、[87] エンター・シカリ、[88] アーキテクツ、[89] ミューズ、システム・オブ・ア・ダウン、[90] ソニック・ブーム・シックス[91] ドライブ・バイ・トラッカーズ[92] など、様々なロック・アーティストが、公然と政治的なメッセージを音楽に込めてきた。ロック・ミュージシャンによる政治的な歌詞の使用や政治的な姿勢の表 明は、1960年代のカウンターカルチャー[93]にまで遡ることができ、特にボブ・ディランの初期のキャリア[12]の影響は政治化されたフォーク・リ バイバルによって形成された。 1960年代から70年代のカウンターカルチャー 1960年代から1970年代初頭のカウンターカルチャーの時代には、ジョン・レノンのようなミュージシャンは、例えばプラスティック・オノ・バンドの 1969年のシングル「ギヴ・ピース・ア・チャンス」のように、抗議のテーマを音楽で表現することが一般的であった[94]。レノンは後にアルバム全体を 政治に捧げ、平和賛歌として広く知られる「Imagine」という曲を書いた。その歌詞は、宗教も国境も私有財産もない世界を想起させる。 1962年から63年にかけて、ボブ・ディランはトレードマークの政治的アルバム『The Freewheelin' Bob Dylan』と『The Times They Are a-Changin'』（1964年リリース）で戦争、人種差別、貧困の悪について歌い、公民権運動の大義を広めた。ディランは、フォーク・リバイバルや ビート作家たち、そして当時の若い世代の政治的信条から影響を受けていた[12]。ディランの政治的な段階は「フォーク」のカテゴリーに入るが、1965 年からはロック・アーティストとして知られるようになり、ポピュラー・ソングで取り上げることのできる主題のスペクトルを広げることによって、ブリティッ シュ・インヴェイジョンのバンドなど、他のミュージシャンやロック・ミュージックの聴衆に影響を与えた反体制的なスタンスと関わり続けた[93]。 MC5（モーター・シティ・ファイブ）は1960年代後半のミシガン州デトロイトのアンダーグラウンド・シーンから生まれ[95]、「モーター・シティ・ イズ・バーニング」（デトロイト人種暴動（1943年）のストーリーを1967年のデトロイト12番街暴動に脚色したジョン・リー・フッカーのカヴァー） や「アメリカン・リューズ」（アメリカの警察の横暴やデトロイト暴動について歌った曲）のように、しばしば社会政治的で反文化的な歌詞と融合したガレー ジ・ロックの攻撃的な進化を体現していた。 アメリカの警察の蛮行、公害、刑務所、物質主義、反乱について論じたもの）などがある。彼らは、アップ・アゲインスト・ザ・ウォール・マザーファッカーズ やジョン・シンクレアのホワイト・パンサー・パーティーといった急進左翼グループとつながりがあった。MC5は、1968年8月にシカゴで開催された民主 党大会の前に、イッピーズのフェスティバル・オブ・ライフの一環としてセットを演奏した唯一のバンドであり、その後、4月のマーティン・ルーサー・キン グ・ジュニア暗殺とベトナム戦争に抗議する警察と学生の間で悪名高い暴動が起こった。 1960年代後半から1970年代前半にかけて、特定の政治的メッセージを発信したロック・グループには、ザ・ファグス、カントリー・ジョー・アンド・ ザ・フィッシュ、ジェファーソン・エアプレイン、クリーデンス・クリアウォーター・リバイバル、サード・ワールド・ウォーなどがあり、ザ・ビートルズ、 ザ・ローリング・ストーンズ、ホークウインドなど、政治的問題に時折言及するバンドもいた。 パンク・ロック 主な記事 パンク・イデオロギー クラッス、コンフリクト、セックス・ピストルズ、ザ・クラッシュ、デッド・ケネディーズ、ブラック・フラッグ、リフューズド、アメリカン・スタンダード、 ディスチャージ、MDC、オース・ロッテン、ビリー・タレント、アンチ・フラッグ、レフトエヴァー・クラックなどの著名なパンク・ロック・バンドは、政治 的で時には物議を醸す歌詞を用い、体制、性差別、資本主義、人種差別、種族差別、植民地主義など、彼らが社会問題の元凶とみなす現象を攻撃してきた。 1970年代後半以降、パンク・ロックはアナーキズムや社会主義を含む様々な左翼や反体制のイデオロギーと結びついてきた[96][97][98]。パン クのDIY文化は左派の一部にとって魅力的であり、労働者の統制や無力な人々へのエンパワーメントの理想との親和性を示唆していた[99]（ただし、パン ク・ムーブメントが体制に対する無関心に部分的に焦点を当てたことと、多くの状況においてパンク・ロックの音楽が大手の収入源となっていたという事実とが 組み合わさっていることは議論の余地がある）、 パンク・ロック・ミュージックが大手レコード会社に収入をもたらし、アナーキズムのいくつかの系統と資本主義との間に顕著な類似性があることから、パン ク・ムーヴメントは左翼イデオロギーとは相反するものであった）、そしてこのジャンルは全体として、主にセックス・ピストルズを通してアナーキズムと結び 付けられるようになった。初期のパンク・バンドの真摯さには疑問が持たれており、革命的な政治への言及をイデオロギーというよりもむしろ挑発的なポーズと 見る批評家もいた[100][101]が、後にクラッス[102]やデッド・ケネディーズ[103]のような強い無政府主義的見解を持つバンドが現れ、時 が経つにつれてこの関連性は強まり、彼らはそれぞれイギリスのアナーコ・パンクやアメリカのハードコア・サブジャンルの他のバンドに影響を与えるように なった。 セックス・ピストルズの曲「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」は、その反王室主義のため、1977年にBBCによって放送禁止になった[104]。翌年、ク ラスのデビュー・アルバム『The Feeding Of the 5000』のリリースは、冒涜的な歌詞の内容のためにプレス工場の従業員が制作を拒否したため、当初は妨害された[105]。クラスはその後、後にデッ ド・ケネディーズがフランケンクリストのアルバム・アートワークをめぐってそうなったように、アルバム『Penis Envy』に関するわいせつ行為で裁判沙汰になった[103]。 クラッシュはポリティカル・パンクのパイオニアとみなされており、多くの初期のパンク・バンドが明らかに反社会的または虚無的な攻撃をしていたのに比べ、 進歩的で社会主義的な世界観を表現していたと見られている[106][107]。 [106][107]MC5のような1960年代のプロテスト・ミュージックに部分的にインスパイアされた彼らのスタンスは、ザ・ジャム、ザ・ラッツ、ス ティッフ・リトル・フィンガーズ、エンジェリック・アップスターツ、TRB、ニュータウン・ニューロティックスといった他のファースト・ウェーブやセカン ド・ウェーブのパンク／ニュー・ウェーブ・バンドに影響を与え、帝国主義だけでなく、人種的緊張、失業、階級的憤慨、都市疎外、警察の暴力といった主題に 焦点を当てた歌詞にインスピレーションを与えた。クラッシュの反人種主義は、パンクの反ファシズム政治を確固たるものにするのに役立ち、1978年4月に ロンドンのハックニーで開催されたロック・アゲインスト・レイシズム（RAR）と反ナチス・リーグ（ANL）の初の合同カーニバルのヘッドライナーを務め たことは有名である[110][111][112]。RAR/ANLのキャンペーンは、パンクとレゲエ・バンドからの支援によって、信頼できる政治勢力と してのイギリス国民戦線を崩壊させるのに役立ったとされている。 ヴィック・ボンディ（Articles of Faith）、ジョーイ・キースリー（DOA）、ティム・マキラス（ライズ・アゲインスト）、ザ・クルシファックス、バッド・レリジョン、ザ・プロレタリ アート、アゲインスト・オール・オーソリティ、ドロップキック・マーフィーズ、クラッシュドッグなど、多くのパンク・ミュージシャンが左翼的な意見を持 ち、表明している。デッド・ケネディーズのシンガー、ジェロ・ビアフラや、T.S.O.L.のフロントマン、ジャック・グリシャムは、左翼的な綱領の下、 公職の候補者として立候補している。しかし、一部のパンク・バンドはより大衆的で保守的な意見、そして曖昧な形の愛国主義を表明しており、アメリカでは 1980年代のニューヨーク・ハードコアに関連するグループの多く[113]、イギリスではそれ以前にオイ！ムーブメントの一部で始まった[114] [115]。 1980年代の）スクリュードライヴァーやスカルヘッドに代表される極めて少数派のパンク・ロック・バンドは、極右的で反共産主義的なスタンスをとっており、その結果、広範で主に左派的なパンク・サブカルチャーにおいて非難された。 ラテン系ロック／パンク ロック "ジャンルの音楽は、人種差別や外国人嫌いに反対する意見など、左寄りの政治的見解と結びついてきた[116]。ラテン・パンクは、ロック・ジャンル内の ムーブメントとなった。このジャンルの中では、ラテン系コミュニティで特に広まっている問題が議論されていた[117]。その問題は、労働力としての移民 を含む、移民の権利の侵害に関するものであった[118]。 この運動は、彼らのコミュニティにおけるチカーノ／ラティーノのシーンに光を当てた[119]。 レイジ・アゲインスト・ザ・マシーンとティグレス・デル・ノルテ レイジ・アゲインスト・ザ・マシーンのリード・シンガー、ザック・デ・ラ・ロチャは、2011年のMTVアンプラグド公演でロス・ティグレス・デル・ノル テに紹介される[120]。ザック・デ・ラ・ロチャは、"我々全員の権利のために戦う "人物として紹介されている。レイジ・アゲインスト・ザ・マシーンは、ロス・ティグレス・デル・ノルテと同様に、彼らの音楽に社会政治的なコメントがある ことで知られている。レイジ・アゲインスト・ザ・マシーンの "政治的見解と活動はバンドのメッセージの中心である"。ザック・デ・ラ・ロシャは、「...音楽には国境を越え、軍事的包囲網を破り、真の対話を確立す る力があるからだ。LGBT+の権利、刑務所廃止、移民の権利などを支持している[122]。 彼らは一緒に「Somos Más Americanos」を演奏している。ロス・ティグレス・デル・ノルテは60年代に遡るメキシコの地域音楽であり、ザックの音楽的背景は90年代に生まれたヘヴィメタルとラップである。 パフォーマンスでは、アメリカにおけるメキシコ系およびチカン系の人々に対する外国人嫌悪と人種差別について、歴史的かつ社会的な解説を行なっている。グループもザックも、アメリカ政府についてのアネドクトを加えながらこの曲を演奏している。 この曲の導入部の歌詞のひとつは、"私は国境を越えたのではなく、国境が私を越えたのだということを思い出させなければならない "というものだ。この言葉は、アメリカとメキシコの歴史に直接言及している。具体的には、現在アメリカ南西部とされている地域のかなりの部分が、かつては メキシコだったということだ。この言葉はまた、移民を標的にする排外主義的なシステムと闘うことを目的とする、アメリカの多くのラテン系運動や団体のス ローガンにもなっている[123]。曲の最後を締めくくる歌詞は、"Somos mas americanos que todititos los Gringos"。意味は、"我々はすべての白人よりもアメリカ人だ"。 ロック・ザ・ヴォート ロック・ザ・ヴォートはアメリカの501(c)(3)非営利・無所属団体で、政治的アドボカシーを目的に1990年にジェフ・エアロフによってロサンゼル スで設立された。ロック・ザ・ヴォートは、エンターテイメント・コミュニティと若者文化を活動に取り入れることによって、若者を政治プロセスに参加させる ことに取り組んでいる[124]。ロック・ザ・ヴォートの掲げる使命は、「我が国の進歩的な変化を達成するために、若者の政治的影響力と関与を高める」こ とである[125]。 |
| Hip hop Main article: Political hip hop Hip hop music has been associated with protest since 1982, when "The Message" by Grandmaster Flash and the Furious Five became known as the first prominent rap record to make a serious “social statement”.[126][127] However the first political rap release has been credited to Brother D and the Collective Effort's 1980 single “How We Gonna Make the Black Nation Rise?” which called the USA a “police state” and rapped about historical injustices such as slavery and ethnic cleansing.[128] Later in the decade hip hop band Public Enemy became "perhaps the most well-known and influential political rap group"[129] and released a series of records whose message and success "directed hip-hop toward an explicitly self-aware, pro-black consciousness that became the culture's signature throughout the next decade,"[130] helping to inspire a wave of politicised hip hop by artists such as X Clan,[131] Poor Righteous Teachers,[132] Brand Nubian,[133] 2 Black 2 Strong[134] and Paris.[135] Eminem's tenth album, Kamikaze, contained many political messages, most of them revolving around his disapproval of Donald Trump being elected President of the United States. He stated he was willing to lose fans over this criticism and rapped: "And any fan of mine/who's a supporter of his/I'm drawing in the sand a line/you're either for or against,"[136] During Donald Trump's presidential campaign, Kanye West took the opportunity to support the Republican candidate by urging his fans to vote for Trump.[137] Although West has historically been against the Republican administrations, he has been one of Donald Trumps most vocal supporters.[137] On April 27, 2018, Kanye West and fellow rapper, T.I., released a collaboration called "Ye vs. the People" that consisted of West and T.I.'s opposing political views.[138] The song, a conversation between the two rappers, became popular not for its musical touch, but because of the courage West and T.I. showed by releasing a controversial song in a time of high political disagreement.[139] |
ヒップホップ 主な記事 政治的ヒップホップ ヒップホップ・ミュージックは、1982年にグランドマスター・フラッシュとフューリアス・ファイヴによる「ザ・メッセージ」が本格的な「社会的声明」を 発表した最初の著名なラップ・レコードとして知られるようになって以来、抗議活動に関連付けられてきた[126][127]。しかし、最初の政治的ラップ のリリースは、アメリカを「警察国家」と呼び、奴隷制度や民族浄化といった歴史的不正義についてラップしたブラザー・Dとコレクティブ・エフォートの 1980年のシングル「ハウ・ウィ・ゴナ・メイク・ザ・ブラック・ネイション・ライズ？ その後、ヒップホップ・バンドであるパブリック・エナミーは「おそらく最も有名で影響力のある政治的なラップ・グループ」[129]となり、そのメッセー ジと成功によって「ヒップホップを次の10年を通してこの文化の特徴になった、明確に自意識的で親黒人的な意識へと向かわせた」[130]一連のレコード をリリースし、Xクラン、[131]Poor Righteous Teachers、[132]Brand Nubian、[133]2 Black 2 Strong[134]、Parisといったアーティストによる政治化されたヒップホップの波を刺激するのに貢献した[135]。 エミネムの10枚目のアルバム『Kamikaze』には多くの政治的なメッセージが含まれており、そのほとんどはドナルド・トランプがアメリカ大統領に選 出されたことへの不支持を軸にしたものだった。彼はこの批判でファンを失っても構わないと述べ、こうラップした： 「そして、私のどんなファンも／彼の支持者も／私は砂の上に線を引いている／あなたは賛成か反対かのどちらかだ」[136]。 ドナルド・トランプの大統領選挙期間中、カニエ・ウェストはファンにトランプに投票するよう促すことで、共和党候補を支持する機会を得た[137]。 ウェストは歴史的に共和党政権に反対してきたが、ドナルド・トランプを最も声高に支持する一人である[137]。 2018年4月27日、カニエ・ウェストはラッパー仲間のT.I.と「Ye vs. T.I、 は、ウェストとT.I.の対立する政治的見解で構成された「Ye vs. the People」というコラボ曲をリリースした[138]。2人のラッパーの会話であるこの曲は、その音楽的なタッチのためではなく、政治的な意見の対立が 激しい時期に物議を醸す曲をリリースすることでウェストとT.I.が示した勇気のために人気となった[139]。 |
| Reggae Jamaican Reggae of the 1970s and the 1980s is an example of influential and powerful interaction between music and politics. A top figure-head in this music was Bob Marley. Though Marley was not in favor of politics, through his politicized lyrics he was seen as a political figure. In 1978 Bob Marley's One Love Peace Concert brought Prime Minister Michael Manley and the opposition leader Edward Seaga together (leaders connected to notorious rival gang leaders, Bucky Marshall and Claude Massop, respectively), to join hands with Marley during the performance; this was the "longest and most political reggae concert ever staged, and one of the most remarkable musical events recorded."[140] Throughout this period many reggae musicians played for and spoke or sung in support of Manley's People's National Party, a campaign credited with helping the PNP's victory in the 1972 and 1976 elections.[141] |
レゲエ 1970年代から1980年代にかけてのジャマイカ・レゲエは、音楽と政治が影響力を持って強力に相互作用した例である。この音楽のトップはボブ・マー リーだった。マーリーは政治に好意的ではなかったが、政治的な歌詞を通して、彼は政治的な人物と見なされた。1978年、ボブ・マーリーのワン・ラヴ・ ピース・コンサートは、マイケル・マンリー首相と野党指導者エドワード・シーガ（それぞれ悪名高い敵対ギャングのリーダー、バッキー・マーシャルとクロー ド・マソップにつながる指導者）を引き合わせ、演奏中にマーリーと手を組ませた。これは「これまで上演された中で最も長く、最も政治的なレゲエ・コンサー トであり、記録された中で最も注目すべき音楽イベントのひとつ」だった。 「140]この時期を通して、多くのレゲエ・ミュージシャンがマンリーのピープルズ・ナショナル・パーティーを支持するために演奏し、演説したり歌ったり しており、このキャンペーンが1972年と1976年の選挙におけるPNPの勝利に貢献したとされている[141]。 |
| Popular music Popular music found throughout the world contains political messages such as those concerning social issues and racism. For example, Lady Gaga's song "Born This Way" has often been known as the international gay anthem,[142] as it discusses homosexuality in a positive light and expresses the idea that it is natural. Furthermore, the natural disaster of Hurricane Katrina received a great political response from the hip hop music community. The content of the music changed into a response showing the complex dynamic of the community, especially the black community, while also acting a sometimes contradictory protest of how the disaster was handled in the aftermath.[143] This topic even reached beyond the locality of New Orleans, as the issue of the disaster and racism was mentioned by other rappers from other regions of the country.[144] Pop music is common for its sensationalized and mass-produced uplifting beats.[145] Many artists take advantage of their large followings to spread awareness of political issues in their music. Similar to Lady Gaga's "Born This Way," Macklemore's song "Same Love" also expresses support and homage to the LGBTQ+ community.[146] Furthermore, Beyoncé's album "Lemonade" has been hailed as awe-inspiring and eye-opening with many of the songs addressing political issues such as racism, stereotyping, police brutality, and infidelity.[147] These songs, aside from being catchy and uplifting, discuss serious issues in a lighthearted and simplified manner allowing people to understand while also commonly being influenced by the current political climate such as the violent attacks on the Bataclan Theater in Paris[148] and the Pulse Nightclub in Orlando.[149] |
ポピュラー音楽 世界中で見られるポピュラー音楽には、社会問題や人種差別に関するものなど、政治的なメッセージが含まれている。例えば、レディー・ガガの曲「Born This Way」は、同性愛を肯定的に論じ、それが自然であるという考えを表現しているため、しばしば国際的なゲイ賛歌として知られている[142]。さらに、ハ リケーン・カトリーナという自然災害は、ヒップホップ・ミュージック・コミュニティから大きな政治的反応を得た。音楽の内容は、コミュニティ、特に黒人コ ミュニティの複雑なダイナミズムを示す反応へと変化すると同時に、災害の余波の中でどのように対処されたかについて、時に矛盾した抗議を演じた [143]。このトピックは、災害と人種差別の問題が国内の他の地域のラッパーたちによって言及されたため、ニューオーリンズという地元を越えてまで及ん だ[144]。 ポップミュージックは、センセーショナルで大量生産された高揚感のあるビートが一般的である[145]。多くのアーティストが、多くのフォロワーがいるこ とを利用して、音楽で政治的な問題に対する認識を広めている。レディー・ガガの「Born This Way」と同様に、マックルモアの「Same Love」もまた、LGBTQ+コミュニティへの支援とオマージュを表現している[146]。さらに、ビヨンセのアルバム『Lemonade』は、人種差 別、ステレオタイプ、警察の残虐行為、不倫などの政治的問題を取り上げた楽曲が多く、畏敬の念と目を見張るような作品として評価されている。 [147]これらの曲は、キャッチーで高揚感があることはさておき、人々が理解できるように軽快で単純化された方法で深刻な問題を論じており、同時にパリ のバタクラン劇場[148]やオーランドのパルス・ナイトクラブ[149]での暴力的な攻撃など、現在の政治情勢にも共通して影響を受けている。 |
| Popular music Popular music found throughout the world contains political messages such as those concerning social issues and racism. For example, Lady Gaga's song "Born This Way" has often been known as the international gay anthem,[142] as it discusses homosexuality in a positive light and expresses the idea that it is natural. Furthermore, the natural disaster of Hurricane Katrina received a great political response from the hip hop music community. The content of the music changed into a response showing the complex dynamic of the community, especially the black community, while also acting a sometimes contradictory protest of how the disaster was handled in the aftermath.[143] This topic even reached beyond the locality of New Orleans, as the issue of the disaster and racism was mentioned by other rappers from other regions of the country.[144] Pop music is common for its sensationalized and mass-produced uplifting beats.[145] Many artists take advantage of their large followings to spread awareness of political issues in their music. Similar to Lady Gaga's "Born This Way," Macklemore's song "Same Love" also expresses support and homage to the LGBTQ+ community.[146] Furthermore, Beyoncé's album "Lemonade" has been hailed as awe-inspiring and eye-opening with many of the songs addressing political issues such as racism, stereotyping, police brutality, and infidelity.[147] These songs, aside from being catchy and uplifting, discuss serious issues in a lighthearted and simplified manner allowing people to understand while also commonly being influenced by the current political climate such as the violent attacks on the Bataclan Theater in Paris[148] and the Pulse Nightclub in Orlando.[149] Country music American country music contains numerous images of traditional values and family and religious life, as well as patriotic themes. Songs such as Merle Haggard's "The Fightin' Side of Me" and "Okie from Muskogee" have been perceived as patriotic songs showing an "us versus them" mentality directed at the counterculture or "hippies" and the anti-war crowd, though these were actually misconceptions by listeners who failed to understand their satirical nature.[150] Many American country songs addressed political and cultural views in the 1960s and 1970s, with mainstream and independent country artists releasing singles that conveyed support for conservative candidates or military action, anti-communist statements, or, in some cases, anti-hippie sentiments often framed as humorous put-downs.[151] These tropes have continued in such songs as Toby Keith's "Courtesy of the Red, White and Blue (The Angry American)" in 2002 and Bryan Lewis's "I Think My Dog's a Democrat" in 2016.[152] More recent American country songs containing political messages include Keith Urban's "Female" which details the psychological and emotional impact on women of sexist language, slut-shaming, and lack of representation in politics.[153] The lyrics of Carrie Underwood's 2018 song "Love Wins" also identifies themes of prejudice, hatred, and politics.[154] Through this song, Underwood expresses the idea that the best way to close the political divide and strengthen what she sees to be a broken world is through unity, loving each other, and working together in times of crisis.[154] Country artist Kacey Musgraves integrates politics into her lyrics, speaking about gay rights and cannabis consumption. Her song "Follow Your Arrow" is considered to be a radical perspective on same-sex marriage, in that it differs from the conservative point of view that is normally found in country music.[153] African American country rapper Cowboy Troy, the stage name of Troy Lee Coleman III, incorporates real-life problems into his music, calling for societal change. He sheds light on concepts like class analysis, gender issues, and popular narratives about the "white" working class.[155] One of his songs, "I Play Chicken With The Train," acknowledges conservative and progressive ideas that tend to be brought up in presidential elections.[156] Although race is a rarely addressed topic in country music, some artists have made an effort to approach this theme in their songs. Brad Paisley's 2013 album Wheelhouse included the track "Accidental Racist", which became controversial, generating many negative reviews.[citation needed] Will Hermes, in his critique in Rolling Stone, commented: "It's probably not going to win any awards for songcraft and rapping, but in the wake of movies like Django Unchained and Lincoln, it shows how fraught racial dialogue remains in America."[157] Paisley stated, "This song was meant to generate discussion among the people who listen to my albums."[158] |
ポピュラー音楽 世界中で見られるポピュラー音楽には、社会問題や人種差別に関するものなど、政治的なメッセージが含まれている。例えば、レディー・ガガの曲「Born This Way」は、同性愛を肯定的に論じ、それが自然であるという考えを表現しているため、しばしば国際的なゲイ賛歌として知られている[142]。さらに、ハ リケーン・カトリーナという自然災害は、ヒップホップ・ミュージック・コミュニティから大きな政治的反応を得た。音楽の内容は、コミュニティ、特に黒人コ ミュニティの複雑なダイナミズムを示す反応へと変化すると同時に、災害の余波の中でどのように対処されたかについて、時に矛盾した抗議を演じた [143]。このトピックは、災害と人種差別の問題が国内の他の地域のラッパーたちによって言及されたため、ニューオーリンズという地元を越えてまで及ん だ[144]。 ポップミュージックは、センセーショナルで大量生産された高揚感のあるビートが一般的である[145]。多くのアーティストが、多くのフォロワーがいるこ とを利用して、音楽で政治的な問題に対する認識を広めている。レディー・ガガの「Born This Way」と同様に、マックルモアの「Same Love」もまた、LGBTQ+コミュニティへの支援とオマージュを表現している[146]。さらに、ビヨンセのアルバム『Lemonade』は、人種差 別、ステレオタイプ、警察の残虐行為、不倫などの政治的問題を取り上げた楽曲が多く、畏敬の念と目を見張るような作品として評価されている。 [147]これらの曲は、キャッチーで高揚感があることはさておき、人々が理解できるように軽快で単純化された方法で深刻な問題を論じており、同時にパリ のバタクラン劇場[148]やオーランドのパルス・ナイトクラブでの暴力的な攻撃など、現在の政治情勢にも共通して影響を受けている[149]。 カントリー・ミュージック アメリカのカントリー・ミュージックには、伝統的な価値観や家族、宗教的な生活、そして愛国的なテーマのイメージが数多く含まれている。マール・ハガード の「The Fightin' Side of Me」や「Okie from Muskogee」のような曲は、カウンターカルチャーや「ヒッピー」や反戦群衆に向けられた「我々対彼ら」のメンタリティを示す愛国的な曲として受け止 められてきたが、実際には風刺的な性質を理解できなかったリスナーによる誤解であった[150]。 1960年代から1970年代にかけて、アメリカのカントリー・ソングの多くは政治的・文化的な見解を扱っており、メインストリームやインディペンデント のカントリー・アーティストたちは、保守的な候補者や軍事行動への支持、反共産主義的な発言、場合によってはユーモラスな貶しのフレーミングで反ヒッピー 的な感情を伝えるシングルをリリースしていた。 [151]このような傾向は、2002年のトビー・キースの「Courtesy of the Red, White and Blue (The Angry American)」や2016年のブライアン・ルイスの「I Think My Dog's a Democrat」のような曲で続いている[152]。 政治的なメッセージを含む最近のアメリカのカントリーソングには、キース・アーバンの「Female」があり、性差別的な言葉、尻軽女への辱め、政治にお ける代表の欠如が女性に与える心理的、感情的な影響について詳述している[153]。 キャリー・アンダーウッドの2018年の曲「Love Wins」の歌詞も、偏見、憎悪、政治をテーマにしている。 [154]アンダーウッドはこの曲を通して、政治的な溝を埋め、壊れていると彼女が見ている世界を強化する最善の方法は、団結し、愛し合い、危機の時に協 力することだという考えを表現している[154]。 カントリー・アーティストのケーシー・マスグレイヴスは、同性愛者の権利や大麻の消費について語り、歌詞に政治を組み込んでいる。彼女の曲「Follow Your Arrow」は、通常のカントリー・ミュージックに見られる保守的な視点とは異なるという点で、同性婚に対する急進的な視点であると考えられている [153]。 アフリカ系アメリカ人のカントリー・ラッパー、カウボーイ・トロイ（芸名トロイ・リー・コールマンIII）は、現実の問題を音楽に取り入れ、社会の変革を 訴えている。彼の曲のひとつである「I Play Chicken With The Train」は、大統領選挙で取り上げられがちな保守的で進歩的な考えを認めている[156]。 カントリー・ミュージックにおいて人種がトピックとして取り上げられることはほとんどないが、曲の中でこのテーマにアプローチしようと努力しているアー ティストもいる。ブラッド・ペイズリーの2013年のアルバム『Wheelhouse』には「Accidental Racist」という曲が収録されているが、これは多くの否定的な批評を生み、物議を醸した[citation needed]： しかし、『ジャンゴ 繋がれざる者』や『リンカーン』のような映画の後では、アメリカにおける人種的な対話がいかに危ういものであるかを示している」[157]とペイズリーは 述べている。 |
| Classical music Beethoven's third symphony was originally called "Bonaparte". In 1804 Napoleon crowned himself emperor, whereupon Beethoven rescinded the dedication. The symphony was renamed "Heroic Symphony composed to Celebrate the Memory of a Great Man".[citation needed] Verdi's chorus of Hebrew slaves in the opera Nabucco is a kind of rallying-cry for Italians to throw off the yoke of Austrian domination (in the north) and French domination (near Rome)—the "Risorgimento". Following unification, Verdi was awarded a seat in the national parliament.[citation needed] In late nineteenth century England, choral music was performed by mass choirs of workers and much music was written for them, by, for example, Samuel Coleridge-Taylor and Ralph Vaughan Williams. When the young Vaughan Williams wondered what kind of music to write, Hubert Parry advised him to "write choral music as befits an Englishman and a democrat".[159] Others, including Frederick Delius and Vaughan Williams's friend Gustav Holst also wrote choral works, often using the words of Walt Whitman. Richard Taruskin of the University of California accused John Adams of "romanticizing terrorists" in his opera The Death of Klinghoffer (1991).[160][clarification needed] American classical composer Miguel del Aguila has written over 130 works many of which center on social issues such as the genocide of Native Americans during the European conquest, and the Guerra Sucia victims. More recent works like Bindfold Music deal with social injustice in contemporary US society. In the Soviet Union RAPM (The Russian Association of Proletarian Musicians) was formed in the early 1920s. In 1929 Stalin gave them his backing. Shostakovich had dedicated his first symphony to Mikhail Kvadri. In 1929 Kvardi was arrested and executed. In an article in The Worker and the Theatre, Shostakovich's Tahiti Trot (used with the ballet The Golden Age) was criticised; Ivan Yershov claimed it was part of "ideology harmful to the proletariat"". Shostakovich's response was to write his third symphony, The First of May (1929) to express "the festive mood of peaceful construction".[161][162] Prokofiev wrote music to order for the Soviet Union, including Cantata for the 20th Anniversary of the October Revolution (1937). Khachaturian's ballet Spartacus (1954/6) concerns gladiator slaves who rebel against their former Roman masters. It was seen as a metaphor for the overthrow of the Czar.[citation needed] Similarly Prokofiev's music for the film Alexander Nevsky concerns the invasion of Teutonic knights into the Baltic States. It was seen as a metaphor for the Nazi invasion of the USSR.[citation needed] In general Soviet music was neo-romantic while Fascist music was neo-classical.[citation needed] Music in Nazi Germany Stravinsky stated in 1930, "I don't believe anyone venerates Mussolini more than I";[163] however by 1943 Stravinsky was banned in Nazi Germany because he had chosen to live in the USA. Beginning in 1940, Carl Orff's cantata Carmina Burana was performed at Nazi Party functions, and acquired the status of a quasi-official anthem.[164] In 1933 Berlin Radio issued a formal ban on the broadcasting of jazz. However, it was still possible to hear swing music played by German bands. This was because of the moderating influence of Goebbels, who knew the value of entertaining the troops. In the period 1933–45 the music of Gustav Mahler, a Jewish Austrian, virtually disappeared from the concert performances of the Berlin Philharmonic.[165] Richard Strauss's opera Die Schweigsame Frau (The Silent Woman) was banned from 1935 to 1945 because the librettist, Stefan Zweig, was a Jew.[166] |
クラシック音楽 ベートーヴェンの交響曲第3番は当初「ボナパルト」と呼ばれていた。1804年、ナポレオンが皇帝に即位すると、ベートーヴェンは献呈を取り消した。交響曲は「偉大な人物の思い出を祝うために作曲された英雄交響曲」と改名された[要出典]。 オペラ『ナブッコ』でヴェルディが歌うヘブライ人奴隷の合唱は、オーストリアの支配（北部）とフランスの支配（ローマ近郊）の軛を投げ捨てようとするイタ リア人の叫びのようなもので、「リソルジメント」と呼ばれる。統一後、ヴェルディは国民議会に議席を与えられた[要出典]。 19世紀末のイギリスでは、合唱曲は労働者の大合唱団によって演奏され、サミュエル・コールリッジ＝テイラーやラルフ・ヴォーン・ウィリアムズなど、彼ら のために多くの音楽が書かれた。フレデリック・デリウスやヴォーン・ウィリアムズの友人グスタフ・ホルストらも合唱曲を書いており、しばしばウォルト・ホ イットマンの言葉を用いている。 カリフォルニア大学のリチャード・タラスキンは、ジョン・アダムスがオペラ『クリンゴッファーの死』（1991年）の中で「テロリストをロマンティックに描いている」と非難している[160][要出典]。 アメリカのクラシック作曲家ミゲル・デル・アギーラは130以上の作品を書いており、その多くはヨーロッパ征服時のアメリカ先住民の大量虐殺やゲラ・スー シアの犠牲者などの社会問題をテーマにしている。最近の作品では、現代アメリカ社会における社会的不公正を扱った「Bindfold Music」などがある。 ソ連では RAPM（ロシア・プロレタリア音楽家協会）は1920年代初頭に結成された。1929年、スターリンは彼らを支持した。ショスタコーヴィチは最初の交響 曲をミハイル・クヴァルディに献呈した。1929年、クヴァルディは逮捕され、処刑された。The Worker and the Theatre』誌の記事で、ショスタコーヴィチの「タヒチ・トロット」（バレエ『黄金時代』で使用）が批判され、イワン・イェルショフは「プロレタリ アートに有害なイデオロギー」の一部であると主張した。ショスタコーヴィチの返答は、「平和的な建設の祝祭ムード」を表現するために交響曲第3番『5月1 日』（1929年）を書くことだった[161][162]。 プロコフィエフは、『十月革命20周年記念カンタータ』（1937年）など、ソ連のために注文に応じて音楽を書いた。ハチャトゥリアンのバレエ作品『スパ ルタクス』（1954/6）は、かつてのローマの主人に反旗を翻す剣闘士の奴隷をテーマにしている。同様に、プロコフィエフの映画『アレクサンドル・ネフ スキー』のための音楽は、バルト三国へのチュートン騎士団の侵入に関係している。一般的にソ連の音楽は新ロマン派的であり、ファシストの音楽は新古典派的 であった[要出典]。 ナチス・ドイツの音楽 ストラヴィンスキーは1930年に「私ほどムッソリーニを崇拝している者はいないと思う」と述べている[163]が、1943年までにストラヴィンスキー はアメリカに住むことを選択したため、ナチス・ドイツでは禁止されていた。1940年からは、カール・オルフのカンタータ『カルミナ・ブラーナ』がナチ党 の行事で演奏され、準公式国歌の地位を獲得した[164]。しかし、ドイツの楽団が演奏するスウィング音楽を聴くことは可能であった。これは、軍隊を楽し ませることの価値を知っていたゲッベルスの穏健な影響によるものであった。1933年から45年にかけて、ユダヤ系オーストリア人であるグスタフ・マー ラーの音楽は、ベルリン・フィルのコンサートから事実上姿を消した[165]。リヒャルト・シュトラウスのオペラ『沈黙の女』は、台本作者のシュテファ ン・ツヴァイクがユダヤ人であったために、1935年から1945年まで上演禁止となった[166]。 |
| White Power music Not to be confused with Race music. Racist music or white power music is music associated with and promoting neo-Nazism and white supremacy ideologies.[167] Although musicologists point out that many, if not most early cultures had songs to promote themselves and denigrate any perceived enemies, the origins of Racist music is traced to the 1970s. By 2001 there were many music genres with 'white power rock' the most commonly represented band type, followed by National Socialist black metal.[168] 'Racist country music' is mainly an American phenomena while Germany, Great Britain, and Sweden have higher concentration of white power bands.[168] Other music genres include 'fascist experimental music' and 'racist folk music'.[168] Contemporary white-supremacist groups include "subcultural factions that are largely organized around the promotion and distribution of racist music."[169] According to the Human Rights and Equal Opportunity Commission "racist music is principally derived from the far-right skinhead movement and, through the internet, this music has become perhaps the most important tool of the international neo-Nazi movement to gain revenue and new recruits."[170][171] The news documentary VH1 News Special: Inside Hate Rock (2002) noted that Racist music (also called 'Hate music' and 'Skinhead rock') is "a breeding ground for home-grown terrorists."[172] In 2004 a neo-Nazi record company launched "Project Schoolyard" to distribute free CDs of the music into the hands of up to 100,000 teenagers throughout the U.S., their website stated, "We just don't entertain racist kids ... We create them."[173] Brian Houghton, of the National Memorial Institute for the Prevention of Terrorism, said that Racist music was a great recruiting tool, "Through music ... to grab these kids, teach them to be racists and hook them for life."[174] |
ホワイト・パワー音楽 人種差別音楽と混同されないように。 レイシスト・ミュージックまたはホワイト・パワー・ミュージックとは、ネオ・ナチズムや白人至上主義のイデオロギーに関連し、それを促進する音楽のことで ある[167]。音楽学者は、初期の文化の多く（ほとんどではないにせよ）には、自分たちを宣伝し、認識された敵を否定するための歌があったと指摘してい るが、レイシスト・ミュージックの起源は1970年代まで遡ることができる。2001年までには多くの音楽ジャンルが存在し、「ホワイト・パワー・ロッ ク」が最も一般的なバンドタイプであり、国家社会主義的ブラック・メタルがそれに続く[168]。 人権・機会均等委員会によれば、「人種差別音楽は主に極右のスキンヘッド運動から派生したものであり、インターネットを通じて、この音楽はおそらく国際的 なネオナチ運動が収入と新たな新人を獲得するための最も重要な手段となっている」[169]。 ニュース・ドキュメンタリー『VH1 News Special: Inside Hate Rock』（2002年）は、レイシスト音楽（「ヘイト・ミュージック」や「スキンヘッド・ロック」とも呼ばれる）は「自国育ちのテロリストの温床」であ ると指摘した[172]、 彼らのウェブサイトには、「私たちは人種差別主義者の子供たちをもてなすだけではありません。我々は彼らを創り出すのだ」と述べている[173]。国立テ ロ防止記念研究所のブライアン・ホートンは、人種差別音楽は絶好のリクルートツールであり、「音楽を通じて......子供たちをつかみ、人種差別主義者 になることを教え、彼らを一生夢中にさせるのだ」と述べている[174]。 |
| Pushing political campaigns through music Aware of the motivational power of music,[2] politicians across the world seek to incorporate different songs into their campaigns. However, the viewpoints of the musicians and the politicians using their music occasionally clash. In addition to protest songs created specifically to call attention to matters of social change, musicians around the world resist politicians. Governments and leaders also assert their resistance to critical musicians in a variety of ways. Within each different national and cultural context, musician resistance and politician response is a unique relationship. In the United States In the United States, musicians including Neil Young, the Dropkick Murphys and Explosions in the Sky have taken issue with or action against such politicians as President Donald Trump, Wisconsin Governor Scott Walker and Texas Senator Ted Cruz. These conflicts between popular musicians and politicians in the United States are common in the election cycle, but play out differently. Trump used Young's song "Rockin in the Free World" from the beginning of his presidential campaign against Hillary Clinton in 2015. While Young argued Trump was not authorized to use the song in his campaign, a Trump spokesperson stated the song was legally obtained through a license with ASCAP and that the campaign "will continue to [use his song] regardless of Neil's political views."[175] And though the song itself, from 1989, may appear to be an endorsement of the American lifestyle, closer examination reveals criticism of the George H. W. Bush administration.[176] This suggests that the effect of music in a political campaign cannot be limited to lyrics alone.[177] Despite the song's pointed words and Young's continued resistance, the Trump campaign began using the song again in 2018 in his presidential reelection campaign.[178] Similarly, in 2015, Scott Walker utilized the Dropkick Murphys' popular cover of Woody Guthrie’s "I'm Shipping Up to Boston" at a political event in Iowa. Owing heavily to disagreements over issues like unions, the band tweeted "please stop using our music in any way ... we literally hate you!!!" to Walker.[179] While there was no threat of legal action, the band took to social media to distance themselves from Walker and resist his usage of their song. Some musicians have effectively used copyright law to resist the political use of their music. When Ted Cruz included the Explosions in the Sky song "Your Hand in Mine" in an endorsement video for Texas Governor Greg Abbott, the band tweeted they were "absolutely not okay with it."[180] The band's label, Temporary Residence, forced the Cruz campaign to remove the video due to a violation of U.S. Copyright Law. Legally, politicians can license music without consulting the artists themselves through deals with performance rights organizations.[181] Where the Trump campaign sidestepped consulting Young and legally licensed "Rockin' in the Free World" from such an organization (ASCAP), Cruz's effort did neither. In the United States there is also a long and complex history of public schools instilling support for the military through their musical activities, and of music teachers either endorsing or resisting these tendencies.[182] Musicologists have noted the impact of militarism in US society, arguing that "militarism endangers music education" and that although military models are inappropriate for the education of schoolchildren in a democracy,[183] there is evidence that "In the United States, we find an array of music education partnership projects with the military that would be unthinkable in many other countries.[182] India After the 2014 Lok Sabha election, Narendra Modi was sworn in Prime Minister of India.[184] Modi, who is notable for this effective nationalistic appeal to the Indian people,[185] quickly began to centralize power[186] and subject both civil and foreign non-governmental organization to scrutiny.[187] With Modi's populist support and increasing governmental power, musicians face a unique social and political landscape in their options for resistance. In May 2020, an arrest warrant was brought against singer Mainul Ahsan Noble for making derogatory comments toward Modi on Facebook.[188] While the lawsuit was filed by a private Indian citizen who “could not accept such defamatory remarks against the PM of [India].” With India's populist turn, criticism and resistance against politicians is now riskier for musicians. The late singer S.P. Balasubrahmanyam carefully resisted the actions of Modi when he suggested that artists from Southern India were subject to different restrictions than Bollywood artists at Modi's 2019 Change Within gathering.[189] Where Noble's overt comments ignited anger and legal action, Balasubrahmanyam's muted criticism did not draw the same response. Because Modi's populist policy choices strongly suggest to the Indian people that he is concerned with welfare of the everyday citizen,[190] more citizens come to his aid and resistance to Modi becomes more difficult for contemporary Indian musicians. However, criticism of Modi may be less careful abroad. Desi-American punk The Kominas and several other South Asian performers organized an anti-Modi benefit in New York City[191] to coincide with a Trump administration-organized, pro-Modi event in Houston.[192] The New York City pro-Kashmir opposition event triggered attacks and condemnation from some Indians online, but no international legal actions against the bands and artists involved. Despite the opposition event highlighting human rights abuses regarding the military lockdown of Kashmir, the populist view of Modi as a purifier of corruption and defender of the Indian people persists among much of India.[193] To further expand their musical acts of resistance, the Kominas are considering bringing the punk anti-Modi opposition events to different countries and even perhaps New Delhi.[191] Brazil Since his election as the President of Brazil in 2018, Jair Bolsonaro had become an increasingly controversial leader. Much like rightist contemporaries Donald Trump and Narendra Modi, Bolsonaro has been described as both a populist and nationalist. While Bolsonaro directly supports far-right policies on gay rights and gun ownership,[194] more moderate conservatives also claim that he supports their interests.[195] To gain support from Brazil's conservative voters, Bolsonaro's speeches were heavily nationalistic and patriotic.[196] While Bolsonaro's direct appeals to the people were more limited within his national addresses, he emphasized a prideful brand of Brazilian nationalism. As a figure whose policies and actions have been deeply polarizing and divisive,[197] Bolsonaro became a main source of scorn and criticism for Brazilian musicians both domestic and abroad. Musician Caetano Veloso, who was exiled during Brazil's military dictatorship that lasted from the 1964 to 1985, called Bolsonaro's heavy-handed nationalistic rhetoric and leadership “an utter nightmare.”[198] While Veloso's brand of music is not protest music, he takes the opportunity to speak out and use his visibility for resistance. In August 2020, Veloso joined a chorus of prominent Brazilian figures in mocking Bolsonaro for his perceived role in an embezzlement and money laundering scheme.[199] While some Brazilian artists like Veloso resisted mainly from their social media accounts, Brazil has a rich history of protest music against its former authoritarian dictatorship regime that is continued by many contemporary artists.[200] Artists from all over the country had found ways to resist, criticize, and allude to Bolsonaro in their works. Troubadour Chico César took a direct approach by asserting that Bolsonaro's supporters were fascists, composer Manu da Cuíca veiled his criticism included a warning about Bolsonaro as one of the dangerous “gun-toting messiahs,” and singer Marina Iris indirectly worked in criticism against the regime as persistent themes of angst and frustration toward the current state of Brazil.[201] These customary forms of Brazilian music, rooted in indigenous musical forms, are a key form of anti-status quo music.[202] In response to the resistance, instead of adopting music like Trump or relying on the support of his followers like Modi, Bolsonaro drastically cut the public support and resources for musicians, film-makers, and visual artists. Many artists viewed this act as payback for their resistance.[201] However, several right-wing Brazilian rappers took it upon themselves in the music scene to defend and support Bolsonaro. |
音楽で政治キャンペーンを後押し 音楽のモチベーションを高める力を知っている世界中の政治家たちは[2]、キャンペーンにさまざまな曲を取り入れようとしている。しかし、ミュージシャン と政治家の視点が衝突することもある。社会変革への注意を喚起するために特別に作られたプロテスト・ソングに加え、世界中のミュージシャンが政治家に抵抗 している。政府や指導者もまた、さまざまな方法で批判的なミュージシャンへの抵抗を主張する。それぞれの異なる国や文化的背景の中で、ミュージシャンの抵 抗と政治家の反応はユニークな関係にある。 アメリカでは 米国では、ニール・ヤング、ドロップキック・マーフィーズ、エクスプロージョンズ・イン・ザ・スカイなどのミュージシャンが、ドナルド・トランプ大統領、 スコット・ウォーカー・ウィスコンシン州知事、テッド・クルーズ・テキサス上院議員などの政治家に対して問題提起や行動を起こしている。アメリカでは、人 気ミュージシャンと政治家の対立は選挙サイクルではよくあることだが、その様相はさまざまだ。 トランプは2015年、ヒラリー・クリントンに対する大統領選キャンペーンの最初からヤングの曲「ロッキン・イン・ザ・フリー・ワールド」を使用してい た。ヤングはトランプが選挙キャンペーンでこの曲を使用することを許可されていないと主張したが、トランプのスポークスマンは、この曲はASCAPとのラ イセンスを通じて合法的に入手したものであり、選挙キャンペーンは「ニールの政治的見解に関係なく（彼の曲を）使用し続ける」と述べた[175] 。この曲の鋭い言葉とヤングの継続的な抵抗にもかかわらず、トランプ陣営は2018年の大統領再選キャンペーンで再びこの曲を使い始めた[178]。 同様に2015年、スコット・ウォーカーはアイオワ州での政治イベントで、ウディ・ガスリーの「I'm Shipping Up to Boston」のドロップキック・マーフィーズの人気カバーを利用した。労働組合などの問題をめぐる意見の相違から、バンドはウォーカーに対して「どんな 形であれ俺たちの音楽を使うのはやめてくれ......俺たちは文字通りお前が嫌いだ！！」とツイートした[179]。法的措置の脅威はなかったものの、 バンドはソーシャルメディア上でウォーカーと距離を置き、彼の曲の使用に抵抗した。 著作権法を効果的に利用して、自分たちの音楽の政治利用に抵抗しているミュージシャンもいる。テッド・クルーズが、テキサス州知事グレッグ・アボットの支 持ビデオにエクスプロージョンズ・イン・ザ・スカイの曲「Your Hand in Mine」を使用した際、バンドは「絶対に気に入らない」とツイートした[180]。法的には、政治家は演奏権団体との契約を通じて、アーティスト本人に 相談することなく音楽のライセンスを取得することができる[181]。トランプ陣営がヤングへの相談を回避し、そのような団体（ASCAP）から合法的に 「Rockin' in the Free World」のライセンスを取得したのに対し、クルーズ陣営はそのどちらも行わなかった。 米国では、公立学校が音楽活動を通じて軍への支持を植え付け、音楽教師がこうした傾向を支持したり抵抗したりした、長く複雑な歴史もある。 [182]。音楽学者たちは、アメリカ社会における軍国主義の影響を指摘し、「軍国主義は音楽教育を危うくする」と主張し、軍国主義のモデルは民主主義に おける学童教育には不適切であるが[183]、「アメリカでは、他の多くの国では考えられないような軍との音楽教育提携プロジェクトが数多く見られる」と いう証拠がある[182]。 インド 2014年の洛国議会選挙の後、ナレンドラ・モディがインドの首相に就任した[184]。インド国民に効果的な民族主義的アピールをしたことで注目される モディは[185]、すぐに権力を一元化し[186]、市民組織と外国の非政府組織の両方を監視の対象とし始めた[187]。 モディのポピュリスト的支持と政府権力の増大により、音楽家たちは抵抗の選択肢において独特の社会的・政治的状況に直面している。2020年5月、フェイ スブック上でモディに対する中傷的な発言をした歌手のマイヌル・アフサン・ノーブルに対して逮捕状が出された[188]が、訴訟は"（インドの）首相に対 するそのような中傷的な発言を受け入れることができない "インドの民間人によって起こされた。インドのポピュリスト化によって、政治家に対する批判や抵抗はミュージシャンにとってよりリスキーなものとなってい る。歌手の故S.P.バラスブラフマニャムは、モディの2019年のChange Withinの集まりで、南インドのアーティストがボリウッドのアーティストとは異なる制限を受けることを示唆したとき、モディの行動に注意深く抵抗した [189]。ノーブルのあからさまな発言が怒りと法的措置に火をつけたのに対し、バラスブラフマニャムの控えめな批判は同じ反応を引き出さなかった。モ ディのポピュリスト的な政策選択は、彼が日常市民の福祉に関心を持っていることをインド国民に強く示唆しているため[190]、モディを支援する市民が増 え、現代のインドの音楽家にとってモディへの抵抗は難しくなっている。 しかし、モディに対する批判は、海外ではそれほど慎重ではないかもしれない。デシ系アメリカ人のパンクであるザ・コミナスや他の南アジアのパフォーマー数 名は、ヒューストンでのトランプ政権主催の親モディのイベントと時を同じくして、ニューヨークで反モディの慈善イベントを開催した[191]。カシミール の軍事封鎖に関する人権侵害を強調した反対イベントにもかかわらず、腐敗の浄化者でありインド国民の擁護者であるというモディに対するポピュリスト的な見 方は、インドの多くの人々の間で根強い[193]。抵抗の音楽的行為をさらに拡大するために、Kominasはパンクの反モディ反対イベントをさまざまな 国、そしておそらくニューデリーでも開催することを検討している[191]。 ブラジル 2018年にブラジル大統領に当選して以来、ジャイル・ボルソナロはますます物議を醸す指導者となっていた。同時代の右派のドナルド・トランプやナレンド ラ・モディのように、ボルソナロはポピュリストでありナショナリストであると言われてきた。ボルソナロは同性愛者の権利や銃の所持に関する極右の政策を直 接支持する一方で[194]、より穏健な保守派もまた、彼が自分たちの利益を支持していると主張している[195]。 ブラジルの保守的な有権者からの支持を得るために、ボルソナロの演説はナショナリズムと愛国主義的な色彩が強かった[196]。ボルソナロが国民に直接訴 えることは、全国演説の中ではより限定的だったが、彼は誇り高いブラジルのナショナリズムのブランドを強調した。ボルソナロは、その政策と行動が深く偏向 的で分裂させるものであったため[197]、ブラジルの音楽家たちにとって、国内外を問わず軽蔑と批判の的となった。 1964年から1985年まで続いたブラジルの軍事独裁政権時代に追放されたミュージシャンのカエターノ・ヴェローゾは、ボルソナロの強引なナショナリズ ムのレトリックとリーダーシップを「まったくの悪夢」と呼んだ[198]。ヴェローゾの音楽ブランドはプロテスト・ミュージックではないが、彼は機会を捉 えて発言し、その知名度を抵抗のために利用している。2020年8月、ヴェローゾはブラジルの著名人たちの合唱に加わり、ボルソナロが横領とマネーロンダ リング計画に関与していると思われることを嘲笑した[199]。 ヴェローゾのように主にソーシャルメディアのアカウントで抵抗するブラジル人アーティストもいるが、ブラジルにはかつての権威主義的独裁政権に対するプロ テスト音楽の豊かな歴史があり、それは多くの現代アーティストによって続けられている[200]。トルバドールのチコ・セザールは、ボルソナロの支持者は ファシストであると主張することで直接的なアプローチをとり、作曲家のマヌ・ダ・クイカは、ボルソナロを危険な「銃を持った救世主」の一人であると警告す ることで批判をベールに包み、歌手のマリーナ・アイリスは、ブラジルの現状に対する怒りやフラストレーションを持続的なテーマとして、間接的に政権に対す る批判を込めた。 [201]土着の音楽形態に根ざしたこれらのブラジル音楽の慣習的な形態は、反体制音楽の重要な形態である[202]。抵抗に対して、ボルソナロはトラン プのように音楽を採用したり、モディのように信奉者の支持に頼ったりする代わりに、音楽家、映画制作者、視覚芸術家に対する公的支援やリソースを大幅に削 減した。しかし、ブラジルの右派ラッパーの何人かは、音楽シーンでボルソナロを擁護し、支持することを自らに課した。 |
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